Djivan Gasparyan - 33 Masterpieces [Armenia]

ACTUALIZADO!!
¿A qué suena la libertad?, ¿Cuál es su voz? No es un grito, ni un susurro, sino un gemido del alma, un gemido melancólico, austero y sencillo que, traspasando todas las fronteras, es capaz de hablar todas las lenguas, habitar todos los corazones y dar vida a todos los sueños. A veces, la música da voz a la libertad. Eso es lo que pasa con la música de Djivan Gasparyan, el maestro del duduk armenio, esa especie de oboe que, nacido más allá del tiempo y del espacio, vuela con el viento para traernos el anhelo de libertad de todo ser humano. Ha sido Gasparyan quien ha convertido ese instrumento de pastores de la lejana Armenia en un instrumento solista universal, capaz de expresar todos los sentimientos del alma humana. El talento y la sensibilidad de Gasparyan hacen de él no solo un maestro del duduk, sino un maestro de la vida.

Nadie sabe, ni siquiera él mismo, quién ha hecho famoso a quién, si él al duduk, o el duduk a él. Lo cierto es que su música ha enamorado a todo tipo de músicos del mundo entero que han querido tocar con él: Peter Gabriel, Sting,  Brian Eno, Michael Brook, Andreas Wollenweider, Lionel Ritchie, Nusrat Fatih Ali Khan, Ludovico Einaudi, Brian May, el guitarrista de Queen, o Hans Zimmer, con quien compuso alguno de los temas de la banda sonora de la película Gladiator, entre otros.

Leer la reseña completa de Carlos Olalla
http://clandestinodeactores.com/laplacenta/djivan-gasparyan-la-melancolica-voz-de-la-libertad/

Duduk - Orchestra
World Music CD1
01. Chiresured
02. Guttapercha
03. Holy of Holies
04. Holy of Holies 2
05. Hush My Heart
06. Kaput Manushak
07. Lamentum
08. Qele,Lao
09. Take My Heart
10. To Zucchabar

Duduk - Love Music CD2
01. Dun en G'lkhen
02. Eshkhemed
03. Hair Sourb
04. Hovern Yelan
05. Komitas
06. Lousniak Gisher
07. Machkal
08. Menak Tchampord em
09. Ojakhum
10. Siretsi,Yaris Taran
11. Sourb Sasani
12. Sourb,Sourb

Duduk - Soul Music CD3
01. Yes en Tsaghikn em
02. Anoush Garoun
03. Ashkharoums
04. Du Norits Yekel es
05. Duduk Quartet
06. Pesi Par
07. Harsi Par
08. Hov'vi Yerg
09. Lorik
10. Sari Aghjik
11. Taran,Taran

Ana Cañas - Hein? [Brasil]

Subido por Marhali.

Excelente representante de la nueva generación de artistas de Brasil, la compositora e intérprete Ana Cañas presenta Hein? dos años después de su excelente debut en el mundo discográfico con Amor e Caos (2008), trabajos que toman elementos de la música popular de Brasil (MPB) remezclándolos con toques electrónicos y jazz.

Ana Cañas comenzó su carrera en la escena de jazz de su ciudad natal, graduándose previamente en Arte en la Universidad de San Pablo antes de darse a conocer como cantante. Ana cita como sus principales influencias musicales a Ella Fitzgerald y Antônio Carlos Jobim, además de Cypress Hill, Beck, Ed Motta, Rita Lee y Marisa Monte.

Una vez recibido el reconocimiento del público y de artistas como Chico Buarque y Toquinho, fue cuando inició su camino hacia los estudios de grabación. El resultado no decepcionó. Amor e Caos es un placentero disco cuya canción "Coração vagabundo", de Caetano Veloso, integró la banda sonora de la novela "Beleza Pura", de la Red Globo. Fue un éxito en internet con hits como "Super mulher", "Devolve moço" y "Cadê você?". La revista "Rolling Stone" de ese país calificó su primer single "Devolve, moço" como "una iluminada canción neopop brasileña con una trompeta bebop que recuerda el trabajo de nuevas voces de jazz inglés como Amy Winehouse y Joss Stone".

En 2009 presenta Hein?, producido por Liminha y en el que cuenta con la colaboración de Arnaldo Antunes, donde plasma en canciones como "Na multidão" y "Escondirejo" su gran talento y genialidad, esta última formando parte de la banda sonora de "Viver a Vida". Abanderada de la libertad artística, Ana nos trae un trabajo redondo, con su irresistible mezcla de MPB, rock y pop, lleno de melodías y alardes vocales, de canciones increíbles que harán las delicias de cualquier oyente.

Página web oficial: Ana Cañas

01. Na multidão
02. Coçando
03. Na medida do impossível
04. Escondirejo
05. Sempre com você
06. Chucky Berry fields forever
07. Gira
08. Problema tudo bem
09. Aquário
10. A menina e o cachorro
11. Não quero mais
12. O amor é mesmo estranho

Hein?

Pancho Quinto - Rumba sin Fronteras [Cuba]

ACTUALIZADO!!

El percusionista de origen cubano Pancho Quinto, mas conocido en los Estados Unidos como el baterista de la mano poderosa, es un artista dedicado a la tradición y la innovación. Él es maestro de los ritmos de la rumba afrocubana, por su estilo guarapachangeo único, que combina el cajón en forma de caja y los tambores batá, En este CD, que se llama Rumba sin fronteras, Quinto está acompañado por una impresionante lista de músicos cubanos y norteamericanos, con el pianista Omar Sosa, el percusionista del área de la Bahía, John Santos, el cantante Octavio Rodríguez, el saxofonista Enrique Hernández, y los vocalistas Lázaro Rizo y Guillermo "El Negro" Triana. Crean una grabación espléndida y sincopada como antiguos himnos ancestrales de la Madre África y la América moderna como el hip-hop del siglo 21. los mejores temas como "La Gorra" y la kalimba "Sosa En El País De Las Maravillas" que representan la electro-fusión folclórica, mientras que el "Bolero En Medio Del Carnaval", "A Esos señores", y "Aspirina" el mejor ritmo síncopado secular y sagrado de Cuba. Con entusiasmo y visión, Pancho Quinto demuestra que la extensión de África en las Américas ofrece una fuente inagotable de inspiración y de invención.

La música de Pancho Quinto es un crisol único de elementos rítmicos y armónicos rara vez se escuchan en la música contemporánea las innovaciones en las características de la percusión de la rumba cubana. Rumba Sin Fronteras pone de relieve el espíritu de la improvisación que hace Pancho como una fuerza importante en el desarrollo de la música cubana es uno de los grandes innovadores del mundo de la percusión. En esta grabación, varias generaciones de músicos colaboran en una asombrosa mezcla de las tradiciones afro-cubanas y afro-americanas, con la creación de una "rumba sin fronteras".

Fuente: Amazon

Personal:

Pancho Quinto (quinto, bata, percussion);

Guillermo "El Negro" Triana, Lazaro Rizo (vocals);

Gregorio Landau (guitar);

Octavio Rodriguez (quinto, bata, percussion);

Enrique Fernandez (soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone);

Omar Sosa (piano, keyboards, marimba);

Jesús Diaz (drums, timbales);

Miguelito Miranda (bata, claves);

John Santos (bata, percussion);

Alexander Nápoles (claves, timbales).

1 La Gorra

2 Bolero en Medio del Carnaval

3 A Esos Señores

4 Sosa en el Pais de las Maravillas

5 Aspirina

6 Solo Mi Arte

7 Caridad

8 Water Please

9 Mi Derrota

10 Cuando Baila Cachita

Rumba sin Fronteras

Ry Cooder - Chicken Skin Music [Usa]

Ry Cooder siempre ha creído en la "reciprocidad en la música", y esto no puede ser más evidente en su carrera que con su quinto álbum, Chicken Skin Music (un coloquialismo de Hawai, sinónimo de la piel de gallina). Incluso más de lo habitual, Cooder se niega a reconocer las fronteras geográficas o musicales la presentación de "Stand By Me" como una canción de gospel con un arreglo norteño, o el clásico de Jim Reeves country-pop, "He'll Have to Go," con el ritmo de un bolero, la interacción del acordeón de Flaco Jiménez y el saxo alto de Pat Rizzo. En otros temas, dos de los grandes guitarrista y cantantes de Hawai Gabby Pahinui y el maestro de la guitarra Atta Isaacs en el éxito de Hank Snow "Yellow Roses" y el hermoso instrumental "Chloe". Si el enfoque de Cooder para la música es estilísticamente diverso, su elección de material sin duda sigue su ejemplo. Sustentada por un par de composiciones de Leadbelly, La musica de Chicken Skin Music es una colección de canciones que van desde los temas antes mencionados como un juglar antiguo muestra el medicinal "I Got Mine" y el sincopado R & B "Smack Dab in the Middle". También participa el compositor ciego de los Apalaches Alfred Reed en "Always Lift Him Up", Con una melodía del evangelio de Hawai, "kanaka Wai Wai" entretejidos en la sección instrumental. Como él mismo explica en las notas del álbum, Cooder entiende la conexión entre estos estilos aparentemente dispares. Esto no es más que el eclecticismo por su propio bien. La música de Chicken Skin Music es probablemente la grabacion más excéntrica de Ry Cooder desde su principio, pero es también una de las más divertidas.


Personal

* Ry Cooder – Bajo Sexto, mandola, bottleneck guitar, French accordion, electric guitar, slack-key guitar,   tiple, Hawaiian guitar, vocals

* George Bohannon – horn and baritone arrangement

* Oscar Brashear – cornet

* Red Callender – upright bass, tuba

* Chris Ethridge – bass

* Terry Evans – vocals

* Cliff Givens – vocals

* Laurence Fishburne - vocals

* Hugo Gonzales – banjo

* Chet Himes – engineer

* Milt Holland – percussion, drums

* John Ingle – engineer

* Atta Isaacs – slack-key and acoustic guitar

* Fred Jackson, Jr. – tenor saxophone

* Flaco Jiménez – accordion

* Herman E. Johnson – vocals

* Jim Keltner – drums

* Bobby King – vocals

* Henry Ojeda – bass

* Gabby Pahinui – steel guitar, vocals

* Benny Powell – trombone

* Pat Rizzo – alto saxophone

* Russ Titelman – banjo, bass, vocals, producer

Tracks

1. "The Bourgeois Blues" (Leadbelly) – 3:22

2. "I Got Mine" (Traditional) – 4:28

3. "Always Lift Him Up/Kanaka Wai Wai" (Traditional) – 6:01

4. "He'll Have to Go" (Joe Allison, Audrey Allison) – 5:07

5. "Smack Dab in the Middle" (Chuck Calhoun) – 3:18

6. "Stand by Me" (Ben E. King, Jerry Leiber, Mike Stoller) – 3:38

7. "Yellow Roses" (Ken Devine, Sam Nichols) – 6:11

8. "Chloe" (Gus Kahn, Neil Moret) – 3:00

9. "Goodnight Irene" (Leadbelly, John Lomax) – 4:32

Malika Zarra - On The Ebony Road

Subido por Marhali.

La cantante, compositora y productora Malika Zarra salta sin esfuerzos, como si de una palanca de cambios se tratara, entre lenguas y tradiciones aparentemente inconexas, uniéndolas y utilizándolas para enriquecimiento mutuo, realizando una infusión entre la música de su cultura nativa con el jazz. On The Ebony Road, su primer álbum autoeditado, mezcla ritmos chaábi, bereber y gnawa con improvisación de jazz y su aterciopelada y sinuosa voz mezzosoprano.

Nacida en el sur de Marruecos y emigrada a Paris con su familia, Malika cita toda una variedad de influencias en su formación: Chiha Hamdaouia, el virtuoso del oud libanés Farid el Atrache y la cantante argelina Warda Al-Jazairia, absorviendo, también, la música de Ella Fitzgerald, Bobby McFerrin, Thelonious Monk, Stevie Wonder y Aretha Franklin. Se interesa, principalmente, por el jazz atraida por lo que tiene de improvisación, que es su principal conexión con la música árabe. Por otra parte, Malika recibe formación en conservatorios y academias de jazz en Tours y Marsella, estudiando con Sarah Lazarus y Françoise Galais. Es en su etapa de intérprete en numerosos eventos y clubs de la escena de Paris (incluyendo el Festival L'esprit Jazz de St Germain, Sunside, Baiser Sale, Hot Brass, Espace Julien, Pelle Mele y la Cite de la Musique) cuando empieza a cantar en su propia lengua y a escribir letras para jazz, recibiendo del público una magnífica acogida.

En 2004 Malika se traslada a Nueva York, elaborando todo un repertorio en el que incorpora sus herencias bereber, gnawa y shaabi, la elegancia del pop francés y su bagaje por el jazz. Su reputación como solista comienza a crecer, la versatilidad vocal de Malika le lleva a participar en una amplia variedad de proyectos, incluyendo house, dance, gospel, funk y música africana. Graba con una amplísima variedad de artistas e interviene en multitud de reputadas escenas como the Carnegie Hall, the London Jazz Festival, the Festival du Monde Arabe, the Duke Ellington Jazz Festival, Brooklyn Academy of Music y un largo etcétera.

En On The Ebony Road se revela un firme conocimiento de su rica diversidad de referencias, la fusión de Oriente y Occidente en un ejercicio vivo, sensual, fresco y profundo de inclusión. La fusión de instrumentos como el oud y las percusiones tradicionales del magreb con la batería y el bajo, y su extraordinaria técnica vocal sobrevuelan los temas incluidos en el álbum. Interpretando en francés, inglés y su natal árabe marroquí, a la vez que dibuja su canto sobre el bereber y los sonitos y ritmos gnawa, Malika se revela como una cantante y compositora que ya puede estar dentro de la élite de las músicas del mundo y del jazz.

Página web oficial: Malika Zarra

01. Run
02. Free
03. Pouvoir
04. Fayne
05. All the same
06. Joky heart
07. Mchina
08. Your jewel

On The Ebony Road

Bebo & Cigala - Lágrimas Negras

Subido por Marhali.

Lágrimas Negras (2003), producido por Fernando Trueba y Javier Limón, recoge el extraordinario encuentro del cantante de flamento Diego "El Cigala" y el legendario pianista y arreglista cubano Bebo Valdés, en una compenetración absoluta donde cada uno estimula en el otro lo mejor de su arte. Un viaje a la esencia de la canción de amor iberoamericana, con escalas en Cuba, Centro y Sur América y España.

El álbum Lágrimas Negras es un proyecto de Calle 54 Records, con Fernando Trueba al frente, lo que significa que es una historia de sentimientos apasionados, especialmente de Trueba hacia la música latina y el jazz (de hecho, dirigió el filme "Calle 54" y acaba de presentar, con Javier Mariscal, "Chico & Rita"). El flechazo de Diego "El Cigala" con Bebo Valdés y la canción "Lágrimas Negras" lo cuenta el cineasta en su particular "diario de sesiones" de la grabación (que viene en el libreto del disco). Enriquece el texto la preciosa introducción escrita por el poeta Ángel González: "…el resultado es una extraordinaria amalgama en la que la canción antillana suena a cante, y al revés".

El resultado es el disco de un pianista cubano de 84 años, que contaba en aquella época, y un cantaor español cincuenta años más joven. El álbum contiene nueve canciones que son clásicos, con la participación de músicos de primerísima fila: el contrabajista Javier Colina y el percusionista Israel Porrina "Piraña" dejan su sello en casi todas las canciones. Pero también aparecen el saxo de Paquito D´Rivera, las congas de Tata Güines, los timbales de Changuito y el shekere de Pancho Terry en el tema "Lágrimas Negras". También hay boleros como "Inolvidable", "Se me olvidó que te olvidé" o el "Corazón loco" que popularizó en su día Antonio Machín y en el que participa El Niño Josele a la guitarra flamenca.

El brasileño Caetano Veloso recita "Coraçao vagabundo" (una de sus primeras canciones) en "Eu sei que vou te amar", adaptada por el propio Veloso a partir de la música de Antônio Carlos Jobim y la letra de Vinícius de Moraes. Del repertorio iberoamericano se incorpora una copla como "La bien pagá" con coros cubanos (Pedrito Martínez, Orlando "Puntilla" Ríos y Milton Cardona), y también hay homenajes a Bola de Nieve ("Vete de mí") y recuerdos a Argentina ("Nieblas del riachuelo") con el violín del uruguayo Federico Britos. Y siempre el piano de Bebo y la voz de Diego.

Dos grandes con invitados de lujo que aportan pinceladas magistrales a esta reunión de múltiples etnias llena de sencillez y pureza. Mestizaje de primera, sin etiquetas, una joya, que consigue en 2004 un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas y cinco Premios Amigo en España.

Página web oficial: Diego el Cigala

01. Inolvidable
02. Veinte años
03. Lágrimas Negras
04. Nieblas del riachuelo
05. Corazón loco
06. Se me olvidó que te olvidé
07. Vete de mí
08. La bien pagá
09. Eu sei que vou te amar

Lágrimas Negras

Eddie Daniel & Gary Burton - Benny rides again [USA - 1992]

Durante 1991-92, o clarinetista Eddie Daniels e o vibrafonista Gary Burton juntaram-se em uma excursão, realizando uma homenagem a Benny Goodman e Lionel Hampton.
Não importa que eles soam nada parecido com seus antecessores. O grupo tem seu som próprio, com leituras modernas de clássicos atemporais.
Eddie Daniels faz sua leitura adequada da B.G. e Gary Burton, tem seu próprio estilo, evitando ser apenas uma excelente cópia de L.H.
Este CD é o caminho para quem quer uma nova interpretação e não quer comparar os desempenhos artistas ou estilos.
No CD, que resultou da colaboração, a dupla usa acompanhamentos virtuosos: um pianista, um baixista e um baterista, todos eles com os ouvidos abertos para criar uma versão moderna, e não fazer apenas uma boa interpretação (ou boa cópia) para as 11 canções associadas com o Rei do Swing, mais uma de Bix Beiderbecke: "In a Mist." O destaque é "Knockin 'on Wood"(Red Norvo), que nada tem a ver com Goodman ou Hampton e apresenta Burton brincando em um xilofone.
Algumas revistas especializadas classificam o som do grupo como "Hard-Bop", ou "Post-Bop".

MÚSICAS

1. Sing, Sing, Sing 3:39
2. Stompin' at the Savoy 5:40
3. Moonglow 4:09
4. Air Mail Special 3:47
5. Let's Dance 5:09
6. Slipped Disc 4:04
7. Memories of You 5:25
8. Avalon 2:57
9. In a Mist 5:17
10. Grand Slam 4:52
11. After You've Gone 3:28
12. Goodbye 5:44
13. Knockin' on Wood 3:37

O vídeo a seguir é de uma exibição da dupla em 1992, embora nos créditos apareça apenas o nome de Eddie Daniels.



MÚSICOS:
Eddie Daniels - Clarinete;
Gary Burton - Vibrafones e xilofone;
Mulgrew Miller - Piano;
Mark Johnson - Baixo;
Peter Erskine - Bateria.


EDDIE DANIELS & GARY BURTON

GARY BURTON & EDDIE DANIELS

Nicos - Cosmos [Grecia]

Nicos comenzó su carrera en 1997 con el álbum 'Cosmos', que fué muy bien recibido en el mercado internacional.




01. Carol's Theme
02. HooPoe of Wyoming
03. NIghtingale's Inspiration
04. Diana Blue
05. World Music
06. Sand & Sea
07. Bewitching Ajax
08. Vessel
09. Song
10. Ionian Sea
11. Diminitsa
12. Autumn
13. Bach Is Elegant
14. Epilogue
15. Citylights

Cosmos

Nicos - Archipelago [Grecia]

Archipiélago es una serie de televisión, una gran creación donde los griegos y los
turcos contribuyen juntos por la buena relación entre las personas y una mejor amistad. Cuando nuestros gobiernos permanecen fuera la vida y el esfuerzo comun hacen milagros.
El álbum Archipiélago contiene 16 obras para orquesta con un centro el "héroe" del
violín el músico de renombre internacional Nikos Hatzopoulos viajará a un archipiélago de la melodía.



01. Africa
02. Beginning
03. Belalim (Sweet Trouble)
04. Brachera (Lugger)
05. Calmness
06. Cry Of The Angels
07. Indigo
08. Kaniki
09. Levante
10. Ravel
11. River
12. Santa Marina
13. Soon
14. Theme
15. Vai
16. Water Dance

Archipelago

El milagro de Candeal (BSO)

Subido por Marhali.

El milagro de Candeal tiene su origen en una historia real: la de Carlinhos Brown, que nació y creció en un barrio de Salvador de Bahía, y que hoy es una estrella internacional de la música. El artista ha invertido su tiempo y su dinero en intentar erradicar la pobreza y la violencia de Candeal. Con la ayuda de la música ha conseguido extraordinarios avances en estos aspectos, desarrollando proyectos comunitarios para mejorar la calidad de vida de la comunidad, entre otros, la Escuela de Música Popular Pracatum (que proporciona a la gente joven del barrio una salida profesional). Carlinhos y la Asociación Pracatum han convertido a Candeal en la comunidad más desarrollada y pacífica de Brasil.

Han sido necesarios veinte años de esfuerzos para conseguir que Candeal sea un lugar humano y habitable, tranquilo y sin armas. Dos décadas para rehabilitar el barrio, poner alcantarillado, pintar las casas, reducir al mínimo las enfermedades y eliminar la mortalidad infantil. Por esta labor, Carlinhos Brown fue premiado por la UNESCO en 2002.

Por su parte, el director de cine Fernando Trueba rodó una película inspirada en la historia de Carlinhos Brown y la comunidad de Candeal titulada "El milagro de Candeal". Junto a Carlinhos Brown, participan en el filme el cantante y compositor Gilberto Gil, Caetano Veloso (creador con Gil del movimiento tropicalista que revolucionó la música brasilera), Marisa Monte (de Tribalistas) y el gran Bebo Valdés, que se encuentra con la música hermana de Salvador de Bahía y que es donde cree que se ha conservado, de manera más pura, la música, la cultura y la religión de sus ancestros africanos.
Hoy, Candeal es una célula activa de creatividad y agitación musical. La relación de centros educativos, músicos, grupos y auditorios que hoy se reúnen en Candeal es intensísima.

Según Carlinhos Brown, "La revolución destruye, la evolución construye. Candeal es la construcción del sentido, de la gentileza, de la bondad. No queremos paternalismo, queremos emergencia social. ¿Comida o aprender a plantar? Aprender y pasar los conocimientos para que todos los aprovechen. La humanidad necesita bailar junta, bailar para siempre". Fernando Trueba plantea que Carlinhos tiene muy desarrollado el sentido de la responsabilidad hacia su comunidad. Sabe que es un ejemplo para muchos chicos e intenta repartir esa responsabilidad para que Candeal no sea sólo él. Niñas y niños son, también, protagonistas esenciales de El milagro de Candeal, siempre presentes en las aulas de música, en las calles tocando percusión, en las charlas en las que Carlinhos Brown les enseña que la percusión está en el origen de la vida y que hasta lo más pequeño, lo más insignificante sirve para hacer y vivir la música.

Trueba cree que cuando uno ve la infancia de Candeal, hay algo dentro de ti que te cambia. El cineasta español opina que "la gente del Candeal es más rica que la de muchos otros sitios. Me gustaría que El milagro de Candeal contribuyera a dar publicidad a una comunidad que me parece ejemplar. Por la manera de enfrentarse a los problemas y por lo que ya han conseguido. Porque nos enseña con el ejemplo que el mundo es mejorable".

También la vecindad de Candeal nos enseñan esa perfecta convivencia entre las tradiciones ancestrales y la modernidad que se da en la favela de Bahía. El milagro de Candeal es la demostración visual de que a través de la música se puede vencer a la violencia y a la pobreza. Candeal es el ejemplo vivo y actual de esta posibilidad. Pero, sobre todo, es un canto a la esperanza y a la música como posibilidad de mejorar la vida de las personas. A la creación, la generosidad y la ilusión como alternativa a la destrucción, el egoísmo y el desencanto. El milagro de Candeal nos descubre que aún es posible confiar en un mundo más solidario y mejor. Que hay personas que luchan por su paraíso ahora. (Fuente: Revista Pensar Iberoamérica)

Página web oficial: El milagro de Candeal

01. Silêncio D´Allah (Bilú do Paraíso)
02. Aldeia (Carlinhos Brown)
03. Blen blen blen (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante / Bebo Valdés)
04. Carlito marrón (Carlinhos Brown)
05. Zambie mameto (Carlinhos Brown / Mateus)
06. Candeal de Santo Antônio (Carlinhos Brown)
07. Músico (Carlinhos Brown / Marisa Monte / Bebo Valdés)
08. Faixa de cetim (Caetano Veloso)
09. Agogô Valdés (Carlinhos Brown y Bebo Valdés)
10. Serenata ao Luar (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante)
11. Misericórdia (Mateus)
12. Ashansu (Carlinhos Brown y Banda Timbalada)
13. Pintado e sua gente (Carlinhos Brown)
14. Sal de Yemanjá (Hip Hop Roots)
15. Carnaval medley: Blen blen blen / Carnavália / Faraó / Toda paz / Serpente e serpentina (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante)

El milagro de Candeal

Dadawa - Voices From The Sky [China-Tibet]

ACTUALIZADO!!
Dadawa es el nombre de la artista Zhu Zheqin, una cantante y compositora independiente, que es bien conocida por su vocalización. Ella nació en Guangzhou, Guangdong, China. Dadawa a veces se la conoce como la "Enya China" por los fans. habida cuenta de sus incursiones en el mundo musical ecléctico incluyendo una grabación y una gira con The Chieftains de Irlanda. Ella colaboró con el compositor y productor He Xuntian en todos sus discos. He Xuntian es un profesor de música de Shangai. En 1994, él y Dadawa viajaron al Tíbet para investigar la cultura tibetana y sus creencias. El resultado fue, el album Sister Drum (1995), fue un éxito internacional. A continuación, Voices From The Sky fue lanzado en 1997. Dadawa es el primer músico chino contemporáneo que lanzo su música en todo el mundo, por la que ha recibido un premio MTV de Asia por su contribución a la música asiática.

En los últimos años Dadawa ha consolidado su reputación como una viajera y aventurera, visitando muchos países y sumergiéndose en una variedad de culturas de todo el mundo. También ha trabajado en el periodismo de televisión, en particular, su celebración de un documental de la televisión china importante, "Into África", que introdujo ese continente a cientos de millones de espectadores.
Fuente Wikipedia

1. "Melodious Goddess" - 6:26

2. "Ballad of Lhasa" - 5:05

3. "Believer" - 5:17

4. "Seven Drums" - 5:55

5. "Himalayans" - 5:08

6. "Sixth Dalai Lama's Love Song" - 7:09

7. "Question from the Other Shore" - 6:27

Compay Segundo - Yo vengo aquí

Subido por Marhali.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, más conocido como Compay Segundo, músico y compositor cubano de amplia trayectoria, es uno de los intérpretes más conocidos y queridos entre el público amante de la música cubana. En su juventud formó parte del quinteto Cuban Stars de Ñico Saquito, fue vocalista del conjunto de Miguel Matamoros y, en 1948 fundó, junto a Lorenzo Hierrezuelo, el legendario dúo Los Compadres como voz segunda e intérprete de tres.

Inventor del armónico (un híbrido de siete cuerdas entre la guitarra española y el tres cubano), deja de lado su faceta artística a principios de los años 60 cuando triunfa la revolución castrista y se cierran los célebres cabarets de la Habana. Pero con los 70 años ya cumplidos Compay retoma su verdadera vocación y empieza a tocar para turistas en La Habana y realiza pequeños conciertos en Estados Unidos y en España. El éxito internacional le llega ya mayor: Santiago Auserón le redescubre en su estupenda recopilación de son cubano Semilla del Son, y en 1996 graba Yo vengo aquí con Dro East West Spain, que le promociona de forma importante especialmente a partir de 1998 con el lanzamiento del disco Lo mejor de la vida.

En 1997, con 90 años, participa en Buena Vista Social Club (ganador un Grammy), todo un fenómeno internacional que resucita el interés por la música tradicional cubana. Junto con las grandes figuras Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Orlando "Cachaito" López y Omara Portuondo vive una segunda época dorada, iniciando giras por los escenarios más importantes a nivel mundial.
En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad a la que llegó su abuela, que fue una esclava que murió libre a los 106 años. Pero podemos disfrutar de su deliciosa ancianidad, su puro, su ron y su armónico en Yo vengo aquí, una estupenda recopilación de grandes temas compuestos e interpretados por Compay a lo largo de su entrañable carrera.

01. Yo vengo aquí (son)
02. Sabroso (son)
03. Chicharrones (son)
04. Macusa (son)
05. Ahora me da pena (son)
06. Mi calderito (son)
07. Silencio (bolero)
08. Hey Caramba (regina oriental)
09. Quien te bautizó (Vicenta) (son)
10. Se secó el arroyito (guajira)
11. Orgullecida (bolero-blues)
12. Clarabella (bolero-son)
13. Sarandonga (son)
14. Virgen del Pino (bolero)
15. Chan Chan (son)

Yo vengo aquí

Bachir Attar - The Next Dream [Marruecos]

Bachir Attar (nacido en Jajouka, Marruecos en 1964) es el líder de Master Musicians of Jajouka. Él es el hijo de Hadj Abdesalam Attar, quien dirigió el grupo de músicos de Master Musicians of Jajouka en el momento de su álbum mas innovador producido por Brian Jones.

Bachir Attar lleva en las tradiciones de su padre de la familia Attar con una nueva generación de músicos Maestros descendientes de los miembros del grupo de su padre. Ellos incluyen a sus hermanos Mostapha Attar, Abdellah Attar, y el hijo del famoso maestro del tambor, Mohammed "Berdous" Attar, Otros miembros del grupo son Abderrzak El Attar, Jaghdal Mokhtar, y Mohamed Attar, moqqadem del santuario de Sidi Ahmed Sheikh, y Abdellah Bokhzar todos ellos tocaron con el padre de Bachir.

Un buen ejemplo de la "new-world fusion" The Next Dream podría ser bautizado como el jazz pan-cultural. Las músicas indígenas de Marruecos, Senegal, y las tierras del Medio Oriente el trabajo de sus sensibilidades en un tejido sonoro tan finamente sintonizado como el jazz. 

The Next Dream fue producido por Bill Laswell, que trae un poco del urbanismo y la robustez guturales a las grabaciones. El álbum muestra no sólo un trabajo conjunto de la percusión más espléndida, tambien destaca el trabajo de Attar con el instrumento de viento llamado ghaita, un instrumento como el laúd llamado gimbri, la lira, y otros dispositivos varios. la destreza notable de Attar y la profundidad de la emoción se extiende más allá de las aplicaciones tan exquisitamente dispuestas en The Next Dream. 

The Next Dream es un himno rico en detalles una historia exótica y una experiencia auditiva maravillosa.

http://www.jajouka.com/the_full_story.html

Personnel:

Bachir Attar (Ghaita, Gimbri, Lira and Percussion)

Ayib Dieng (Chatan, Congas, Doff, Bass Drums, Tom Toms, Metal Percussion)

Maceo Parker (Alto Saxophone and Flute) - 2,3,5

1. Ceremonies Against the Night of the Devil 4:23

2. Under the Shadow of Liberty 5:53

3. The 1001 Nights 8:19

4. Here We Stay 6:34

5. Mixed Cultures 5:23

6. Full Moon at the Window 5:59

7. The Next Dream 4:49

The Next Dream

Corey Harris - Zion Crossroads [Usa-Reggae]

Corey Harris continúa su ambiciosa exploración de la historia musical con Zion Crossroads, un proyecto donde Harris se encuentra inmerso en los ritmos y la conciencia de las raíces del reggae tradicional. 

A diferencia de sus anteriores trabajos, Harris, sin embargo, mezcla country blues con el jazz, Americano, y los estilos de África, Zion Crossroads golpea de cerca el género, paseos en profundidad, ritmos de una manera que nos recuerda a Burning Spear y Black Uhuru. Las excepciones son los dos temas con un ritmo Áfricano "Walter Rodney" y la canción de country "Plantation Town". El resultado general es un álbum que satisface, impulsado por una mayor conciencia política que atraerá a los fans de Harris, así como a los amantes del reggae con raíces clásicas.

Personal:

Corey Harris (vocals, guitar, acoustic guitar, background vocals);

Cheick Hamala Diabate (vocals);

Michael Goldwasser (guitar, melodica, shaker, wood block);

Kenny Kosek (fiddle);

Jeff Romano (harmonica);

Victor Rice (organ);

Victor Axelrod (shaker, tambourine).

1 Ark Of The Covenant

2 No Peace For the Wicked

3 Heathen Rage

4 Sweatshop

5 In the Morning

6 Fire Go Come

7 Walter Rodney Intro

8 Walter Rodney

9 Afrique (Chez Moi)

10 Cleanliness

11 Plantation Town

12 You Never Know

13 Keep Your Culture

Zion Crossroads

Otis Taylor - White African (2001-Usa-Blues)

 Otis Taylor tiene un don para los títulos interesantes; Blue-Eyed Monster y When Negroes Walked the Earth son algunos de los CDs que el músico de Denver ha registrado antes de White African. Taylor también tiene la habilidad para grabar temas muy oscuros y serios esta versión de 2001, está lleno de ellos. En White African, Taylor cuestióna los linchamientos en el Sur Profundo ("Santa Marta Blues") para las personas sin hogar ("Hungry People") por no poder pagar la atención médica de un niño enfermo, ("3 Days and 3 Nights" ). Taylor no trata de disimular sus inquietantes letras con melodías felices. Muy influenciado por John Lee Hooker, el alma de Taylor es muy a menudo temperamental, oscura, inquietantes surcos.  White African es tan oscuro musicalmente como líricamente. Con los años, el humor negro ha jugado un papel importante en el blues, los artistas de hip-hop y blues son conocidos por la búsqueda de una variedad de formas de humor inteligente para decir lo cruel de la vida para los negros en Usa. ~ Alex Henderson

Personal:
Otis Taylor (vocals, acoustic guitar, banjo, electric banjo, mandolin, harmonica);
Eddie Turner (guitar, slide guitar);
Kenny Passarelli (keyboards);
Cassie Taylor (background vocals).

1. My Soul's In Louisiana
2. Resurrection Blues
3. Momma Don't You Do It
4. 3 Days And 3 Nights
5. Round And Round
6. Stick On You
7. Rain So Hard
8. Lost My Horse
9. Saint Martha Blues
10. Ain't No Cowgirl
11. Hungry People

White AfricanWhite African

U. Shrinivas & Michael Brook - Dream [India-Usa]

Nacido en 1969 en Palakol en el distrito de Godavari Occidental de Andhra Pradesh, U.Srinivas empezó a tocar la mandolina eléctrica con su padre a los seis años. Inspirado, por su padre tocando el clarinete, enseñó a su hijo lo poco que sabía. Subbaraju, un músico de formación clásica y discípulo del famoso musico Chembai Vaidyanata Bhagavatar, que había enseñado música a Srinivas padre, decidió enseñar al niño música clásica. Sin embargo él no tenia ninguna experiencia con la mandolina, él cantaba música Karnatak que Srinivas entonces tocaba con la mandolina. A la edad de nueve años, fue aclamado como un genio.La unión entre el maestro de la mandolina U. Srinivas de la India y un guitarrista y productor famoso de Canadá Michael Brook, DREAM el álbum fue construido a partir de interpretaciones grabadas en Real World Studios. Ayudaron en la grabacion de temas de Oriente y Occidente los invitados Nigel Kennedy, Nana Vasconcelos, Sikkil R. Bhaskarnan, Caroline Lavelle, Tchad Blake, Trey Gunn y Richard Evans; y Jane Siberry.

La idea del álbum nació después de que Srinivas y Brook trabajaron juntos en Rama Sreerama, un álbum de música tradicional Karnatak. "Sentí que había potencial para un trabajo experimental", dice Brook. "Así que fui a través de mis cuadernos de bocetos musicales en busca de cosas que podrían ser adaptados para él, y me puse a hacer un trabajo preparatorio con mi sampler. grabé algunas ideas con la violonchelista Caroline Lavelle y elaboramos secuencias, pistas de musica y patrones rítmicos que pensé que serían interesantes. Eso fue antes de empezar cualquier trabajo con Srinivas. Había ciertos temas y conceptos en torno a la realización del álbum, pero fue también muy a ver qué pasa "con Srinivas como el foco de inspiracion."
Fuente: Real World



Genre: Electronic, Folk, World
Style: Tribal, Ambient

Tracklist
1 Dance 13:51
Written-By
Michael Brook, Nanà Vasconcelos, Nigel Kennedy, Richard Evans, U. Srinivas
Bass [Keyboard Bass], Acoustic Guitar - Richard Evans (3)
Chapman Stick [Stick] - Trey Gunn
Drum Programming - James Pinker
Keyboards, Drum Programming - Michael Brook
Mandolin [Electric] - U. Srinivas
Percussion, Vocals - Nanà Vasconcelos
Violin - Nigel Kennedy

2 Think 12:57
Written-By
Michael Brook , U. Srinivas
Bass [Buzz], Keyboards, Percussion - Michael Brook
Cello - Caroline Lavelle
Mandolin [Electric] - U. Srinivas
Violin - Sikkil R. Bhaskaran

3 Run 5:40
Written-By
Michael Brook, Nanà Vasconcelos, Nigel Kennedy, U. Srinivas
Guitar [Infinite] - Michael Brook
Mandolin [Electric] - U. Srinivas
Percussion - Naná Vasconcelos
Violin - Nigel Kennedy

4 Dream 11:29
Written-By
Jane Siberry, Michael Brook, Sikkil R. Bhaskaran, U. Srinivas
Bass, Keyboards, Percussion - Michael Brook
Chapman Stick [Stick] - Trey Gunn
Drum Programming - James Pinker
Mandolin [Electric] - U. Srinivas
Recorded By [Bycle Bell Recording] - Tchad Blake
Violin, Vocals - Sikkil R. Bhaskaran
Vocals - Jane Siberry

Dreams

Ali Farka Touré - Ali Farka Touré [Mali-Africa]

Ali Ibrahim "Farka" Touré (Kanau, 1939 - Bamako, 7 de marzo de 2006), fue un conocido guitarrista y cantante maliense, cuyo estilo aunaba la música tradicional de Malí con el blues.
Nació en 1939 (no conocía la fecha exacta) en la aldea musulmana de Kanau, cerca de Gourma Rharous, en la región noroccidental de Tombuctú. Era el décimo hijo de su madre, pero fue el único que logró sobrevivir pasada la infancia. Su apodo, "Farka", significa "asno", animal admirado por su tenacidad. Étnicamente, Ali Farka Touré estaba vinculado a los antiguos pueblos songhay y fula, del norte de Mali.
Su padre, que servía en el ejército francés, murió en combate durante la Segunda Guerra Mundial. Ali apenas fue a la escuela, y se dedicó desde su infancia al cultivo del campo. Sin embargo, siempre manifestó un gran interés por la música, especialmente por instrumentos tradidicionales malienses como el gurkel (pequeña guitarra), el violín njarka, la flauta peul o el ngoni (laúd de 4 cuerdas).

En 1956 quedó muy impresionado cuando vio actuar al guitarrista malinke Keita Fodeba, lo que le hizo decantarse por la guitarra como instrumento. Tras la independencia de Malí, en 1960, el gobierno comenzó a promover la música tradicional, lo que permitió a Ali formar su primer grupo, La troupe 117, con el que actuó en varios festivales por todo el territorio de Malí. En 1968 viajó por primera vez fuera de Malí para representar a su país en un festival que tuvo lugar en la ciudad de Sofía, en Bulgaria.


Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero para Radio Malí. En esa época tuvo la oportunidad de escuchar mucha música occidental (especialmente cantantes negros estadounidenses como Otis Redding y James Brown, entre otros). Por entonces publicó también su primer disco, Farka (1976), en la compañía francesa Son Afric, y comenzó a dar conciertos por toda África occidental.
En esta época se inició también su interés por el blues, al que encontraba grandes afinidades con la música africana. Fue el primer intérprete de blues africano que logró una popularidad masiva en su continente natal, hasta el punto de que se le llamó "el John Lee Hooker africano". Musicalmente, su estilo tenía muchas semejanzas con el de R. L. Burnside, con varias superposiciones de guitarras y ritmos. Cantaba habitualmente en lenguas africanas, sobre todo en songhay, fula y tamacheck.

 En los años 80 se instaló en la localidad de Niafunké. Comenzó a ser conocido en los países occidentales tras la publicación de su álbum Ali Farka Touré, éxito internacional, que propició varias colaboraciones con músicos occidentales (en 1991 con Taj Mahal en el disco The source; y en 1994 con Ry Cooder en Talking Timbuktu, así como la reedición de material antiguo grabado durante los años 70, como Radio Mali. Por Talking Timbuktu fue galardonado con un premio Grammy. En 1999 publicó Niafunké, un regreso a las raíces de la música tradicional africana.
En 2004 fue nombrado alcalde de Niafunké y con dinero de su propio bolsillo asfaltó las carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo.
En septiembre de 2005 publicó, en colaboración con el intérprete de kora Toumani Diabaté, el álbum In The Heart Of The Moon, por el que obtuvo su segundo premio Grammy.
El 7 de marzo de 2006, el Ministerio de Cultura de Mali anunció que había fallecido a la edad de 67 años, de cáncer de huesos. Su casa discográfica, World Circuit, afirma que acababa de completar un nuevo álbum en solitario.
De Wikipedia, la enciclopedia libre.

1 Timbarma

2 Singya

3 Nawiye

4 Bakoytereye

5 Tchigi Fo

6 Amandrai

7 Kadi Kadi

8 Yulli

9 Bakoye

10 Amandrai Live

Ali Farka Touré

Kassé Mady Diabaté - Kassi Kasse [Mali-Africa]

Kasse Mady Diabate grabó este álbum en su propio pueblo de Kela, donde sus antepasados desarrollaron este estilo de música (Mande) y se pasó a través de una muy querida tradición oral. Aunque Diabate ha tocado con varias bandas y es conocido por sus apariciones en el grupo cubano Las Maravillas de Malí, su álbum en solitario ha llamado la atención. Hay mucho amor y mucho que explorar en estas piezas, deliciosos juegos con la guitarra, la kora (arpa de 12 cuerdas), ngoni (laúd), balafón (xilófono) y djembe (tambor). la voz de tenor de Diabate , junto con las voces de fondo de sus cantantes femeninas, es profundamente hábil, capaz de volar sin esfuerzo por las intrincadas melodías ascendentes y descendentes. Además

de las canciones tradicionales de Malí, Diabate muestra su influencia cubana en temas como "Maimouna". También cabe destacar la actuación de el bajista Cubano Orlando Cachaito López, conocido por su trabajo con el Buena Vista Social Club.

Personal:

Kassé-Mady Diabaté (vocals);

Lafia Diabate (vocals);

Demba Kouyate (guitar);

Toumani Diabaté (kora);

Dramane Coulibaly (flute);

Lasana Diabate (balafon);

Orlando "Cachaito" Lopez (double bass);

Diakaridia Diawara (djembe).

1 Eh Ya Ye
2 Kaba Mansa
3 Maimouna
4 Nyamalo
5 Jon Kunandi
6 N'i Ma Sori
7 Namanike
8 Fununke Saya
9 Naaren
10 Balomina Mwanga
11 Balakono
12 Lafia Jeli
13 Madu Jeli
14 Danya





Kassi Kasse