Chanda Rule - Surrender

Soul stirring. Powerful. Sacred. Goose-bump inducing! These are just some of the words used to describe vocalist and interfaith minister Chanda Rule. With feet rooted in the gospel traditions of the South, a heart filled with soul, and a voice touched with jazz, Chanda has been weaving stories through song, humming melodies, and bending words since her childhood. Mesmerizing audiences around the world with her “liquid clear” song “bound to fill your spirit to its rim with musical serenity” and her uncanny ability to lead audiences of all backgrounds in harmonious song, Chanda loves to proclaim that music is a healing balm for the human spirit and uses music to honor the downright sacred wholeness of every being.

Chanda's songs have been noted for their colorful poetics that embrace personal and spiritual depth and her unforgettably powerful approach. She infuses her melodies with her love of soulful blues, sacred teachings, and jazz -- blossoming unforgettable performances that touch the hearts of listeners all over the world.

Chanda began her career in musical theater, appearing in a variety of productions, from Shakespeare in the Park in New Jersey, to Hair, The Musical in Europe. She has since opened for Regina Belle & The Whispers, Angela Bofill, India.Arie, and Amel Larrieux; performs internationally at festivals and concert halls such as BAMCafé, Brucknerhaus, Tchaikovsky Hall, and Dizzy's Coca Cola; leads congregational music at Saint Peters Church, Unity, and Centers for Spiritual Living across the country; and has written music for and performed in concert to increase social, spiritual, and cultural awareness at The Apollo, Symphony Space, Harlem Stage, Lincoln Center, and The New York Open Center. Her genre-defying voice has graced a variety of musical projects: from her Langston Hughes inspired concert "I Too Speak of a River" and "Feelin' Good: A Tribute to Nina Simone", to performing with jazz trumpeter Franz Hackl's Outreach Orchestra, Denis Matsuev's Crescendo Festival, and New Music concerts with film composer Gene Pritsker.

After touring Western Europe singing and leading workshops on the African roots of Gospel music with the Golden Gospel Singers and attending One Spirit Interfaith Seminary in New York, Chanda was inspired to harness her passion for religious harmony into "RiseUpNation" a series of workshops, concerts, singing flash mobs, and pop-up choirs that use congregational music as an agent for interfaith dialogue and unity. Chanda was recently awarded one of seven Hough Scholarships from Union Theological Seminary at Columbia University to study Interfaith Dialogue through the Arts. Her music has been broadcast throughout the US, Eastern and Western Europe via radio, internet, and television.


http://www.chandarule.com/

1. Let Freedom Reign
2. All Life Is One
3. Tomorrow
4. Slow Down
5. Beauty
6. Home
7. Here's to Life
8. Surrender
9. Amazing Grace
10. Outro/I Knew It Was Love

Andre Mehmari - De Arvores e Valsas [Brasil]

De Árvores e Valsas es el primer disco de Andre Mehmari, enteramente dedicada a su producción de compositor, con énfasis en sus habilidades de multi-instrumentista.

Grabado entre 2004 y 2007 en el estudio del compositor mismo y contando con las voces de Mónica Salmaso, Sergio Santos y Zé Miguel Wisnik, el disco hace un viaje lírico a través del universo de la música brasileña, y trae influencias desde el jazz y la música clásica, los trazos inconfundible del músico.
Participan también los Instrumentistas Teco Cardoso, Gabriele Mirabassi Sergio Pray, Neymar y Zé Alexandre Carvalho Dias.


Tracks
1. Um Anjo Nasce
2. Os Amores Dificeis
3. Noturno Espanhol
4. Mairiporã
5. Modular Paixões - com Zé Miguel Wisnik
6. Veredas
7. Valse Blues
8. Vento Bom - com Sérgio Santos
9. Passeio
10. O Espelho - com Mônica Salmaso
11. Lullaby Zulu
12. Toada
13. Ná!
14. Eternamente
15. Aria
16. Um Anjo Nasce(Piano Solo)
17. Ouro Preto

Arifa - Anatolian Alchemy

Subido por Marhali.

Arifa significa en árabe "mujer hermosa, brillante, llena de sabiduría". Y Anatolian Alchemy es el segundo álbum de este grupo, establecido en Holanda, "un puente de sonidos entre Oriente y Occidente". Tradición musical de Oriente Medio y Balcanes que se mezcla con el jazz más contemporáneo. Un disco que respira el viento, el espacio, el tiempo y el infinito.

Beyond Babylon (2010) fue su disco debut, aclamado internacionalmente por la crítica. Y es que el secreto de Arifa reside en la química creativa entre sus cuatro miembros. Procedentes de Rumania, Turquía, Países Bajos y Alemania, su música es tan diversa como sus orígenes, moviéndose desde la tradición turca y balcánica al jazz y la música clásica.

El resultado supera la suma de sus partes, un viaje al reino mágico de la imaginación. Un trabajo con una calidad de ensueño y con una evocación de exhuberantes paisajes sonoros que son ricos en detalles y en cambios sutiles de ritmos y estados de ánimo. Composiciones bellas (escritas por Alex Simu) ejecutadas con absoluta precisión por el cuarteto, cada nota tocada está al servicio de la totalidad. Un exquisito exponente de interculturalidad.

Personal:
Alex Simu (Romania) - sax, clarinets & laptop
Mehmet Polat (Turkey) - ud
Franz von Chossy (Germany) - piano
Sjahin During (Turkey/Holland) - Afro Anatolian percussion

01. Maktub
02. Kids play
03. Manu'du
04. Dahab
05. Red ink
06. Dacian tale
07. Fingerprints
08. Queen of Carthage
09. Anatolian alchemy
10. Bergamot flower
11. Border with my heart

Anette Askvik - Liberty

Anette Askvik has been described as «a Norwegian treasure who sings like an angel. Her songs will haunt you after only one listen.» Anette weaves mysterious melodies that are a curious blend of pop, rock, jazz, folk, electronica, and classical music. In 2011 she released her debut album «Liberty» on her own label; «BIRD». On the recording she collaborated with producer and pianist Øystein Sevåg, Audun Erlinen on bass, Rune Arnesen on drums, Petter Wettre on saxophone, the string quartet Katharsis among others.http://no.wikipedia.org/wiki/Anette_Askvik

Anette Askvik: el-piano and vocals
Øystein Sevåg: pads, piano
Audun Erlinen: bass
Rune Arnesen: drums
Petter Wettre: saxophone
Julie Falkevik Tungevag: piano
Elisa Herbig: cello
Rune Arnesen: percussion


1. Liberty (5:45)
2. The Bird Song (3:41)
3. April (4:00)
4. Under the Tallest Tree (4:32)
5. Blue Lights (5:53)
6. Time to Move On (3:17)
7. Bring Her Home (5:19)
8. Without Permission (5:44)
9. You Shoot Me (4:17)
10. Days Like This (4:06)

Vital Information - Where We Come From (1998) [USA]

subido por camilo.leon8


Modern electric jazz and the funky soul of the '60s fuse into a rollicking trip down memory lane on WHERE WE COME FROM. Vital Information, the long- lived pet project of leader and world-renown drummer Steve Smith, make a distinctive change from their usual format of hard-edged fusion on this, their eighth album. The emphasis here is on the soulful instrumental grooves of their youth, the music that originally enticed these world-class musicians to take up their instruments in the first place.
From the influence of Jimmy Smith, the Meters and Tony Williams' Lifetime, Smith and company serve up a spicy gumbo of groovy tunes and have a grand old time in the process. The unrestrained casualness of this disc is contagious as Smith jauntily drives his bandmates through the slippery funk of "Dr. Demento" and the James Brown-ish "Listen Up." The spirit of the bayou is evoked on the zydeco grooves of "Swamp Stomp" and "Sitting Ducks." The jazz element has never been lost, though, as a swinging version of Led Zeppelin's "Moby Dick," the Brubeck-influenced "Take Eight," and Ornette Coleman's "Happy House" clearly illustrate. Finally, even the Ventures' effect is felt in the classic surf music styling of "008."

Steve Smith: Drums

Frank Gambale: Guitars

Tom Coster: Hammond B-3, Fender Rhodes, accordion

Jeff Andrews: Electric and acoustic basses

Fuente del review: www.allmusic.com

Vital Information - Where We Come From (USA, 1998)
Aportado desde AltasMusicasStyle

Laïla Amezian - TriOde

Subido por Marhali.

La ambición de Laïla Amezian es la de crear vínculos entre Oriente y Occidente, el viejo y el nuevo misticismo y la música. TriOde (2012) es el resultado de esta ambición, un proyecto que es toda una oda al arte de cantar y en el que se combinan el árabe, el jazz y la música clásica a cargo de un trío de mismo nombre: tres artistas con talento e innovación.

Al igual que Natacha Atlas, Laïla Amezian nació en Bélgica de familia de origen árabe (marroquí). Y al igual que Atlas, ha pasado muchos años cantando en diferentes géneros, incluyendo chanson, folk, jazz, rock, electro dance, fusión y música árabe. Y habiendo abordado todos estos géneros con bandas como Jaune Toujours y Arabanda, su segundo álbum en solitario (el primero es Initial, 1999) es un disco fantástico en el que despliega una monumental seguridad y madurez abordando versos centenarios sufíes y letras del poeta místico libanés Khalil Gibran, con un soporte austero pero maravilloso que combina elementos de la composición árabe, clásica y del jazz. En su mayor parte, su voz sinuosa se acompaña de poco más que del cello de Anja Naucler y de la inventiva percusión de Stephan Pougin, y de un poco de trompeta que entra y sale de alguna que otra pista junto con algún efecto de guitarra eléctrica en un par más.

La pieza central (aunque en realidad cierra el álbum) es un tema de casi once minutos que aborda un fragmento del libro de Gibran, "El Profeta". Con el cello de Naucler reverberando sonidos de atmósfera árabe, Amezian entrega las letras con un aplomo fascinante que invoca, de forma mágica, el presagio místico de las palabras de Gibran. Y en el disco nos encontramos, también, con una particularísima versión de "Strange Fruit". Frecuentemente descrito como uno de los temas de los estándares del jazz de más difícil interpretación para transmitir el horror de los terribles acontecimientos que describe, la fascinante interpretación de Amezian no se queda atrás de las versiones más conocidas de Billie Holiday y Nina simone. Impresionante, en todos los sentidos.

01. Tirhab
02. Daatakoum
03. Love Song
04. Imaani
05. Samaoutou
06. Strange Fruit
07. Ka-abatin - part I
08. Ka-abatin - part II
09. Muwashah
10. The Gift

VA - Bleu soleil:Chansons yiddish, chansons tziganes de Hongrie[FLAC]

Au fil de l'Air, le label du festival des temps chauds fête ses 10 ans de chansons du monde. Les musiciens, en véritables passeurs de musiques et d'espoir, amènent les enfants aux confins de ces chansons où l'on entre dans un monde oublié, méconnu, étranger... On découvre le yiddish avec TALILA et le TEDDY LASRY TRIO. On imagine avec les tziganes de Budapest SENTIMENTO et JAG VIRAG. Au final : un album intégré à la collection durable « Au fil de l air », des concerts et des chansons interprétées par les artistes et les enfants. Un mélange culturel et musical exceptionnel. Textes des chansons

01. Talila et le Teddy Lasry Trio: Ay, Ay, Ay… (Israel Rosenberg / Joseph Rumshinsky; arr. Teddy Lasry) 3:05
02. Sentimento: Megkötöm lovamat (trad.) 3:44
03. Jag Virag: Ávilem (trad.) 3:29
04. Talila et le Teddy Lasry Trio: Belz (Jacob Jacobs / Alexandre Olshanetsky; arr. Teddy Lasry) 4:53
05. Talila et le Teddy Lasry Trio: Di Mamè hot mikh gèshikt (trad. / arr. Teddy Lasry) 2:34
06. Jag Virag: Lá Pócsáki khánghéri (trad.) 3:45
07. Sentimento: Sűrűn esik az eső (trad.) 2:22
08. Talila et le Teddy Lasry Trio: Der alef-beys (Mark Warshavsky / arr. Teddy Lasry) 2:59
09. Jag Virag: Van egy botom… (trad.) 3:25
10. Sentimento: A csitári hegyek (trad.) 5:15
11. Sentimento: Az a szép (trad.) 2:07
12. Talila et le Teddy Lasry Trio: Bay mir bistu sheyn (Jacob Jacobs / Sholem Secunda; arr. Teddy Lasry) 2:53

Daboa - From The Gekko

Daboa consists of vocalist Maria Marquez and her creative partner, vocalist and multi-instrumentalist Frank Harris, who wrap their sinuous and beautiful melodies around intricate vocals, chants and calls, supplied by other musicians and pre-recorded sounds and voices. The disc commences with what may be the deepest crunch of sheer bass you may encounter, simulating the giant mortars called “Pilones” used by women in the central coast of Venezuela to mash corn.
Canton Del Pilon continues into a swirl of delicate layers of sound, including a background of laughing children and a rooster crowing from the deep soundstage. Low level detail and nuances are to be mined from every corner of the musical event portrayed. The richness of this musical journey continues in “Bein’ Green,” a radical departure from the versions performed by Ray Charles and Van Morrison, where layers of recordings of the Surui Indians of Brazil are juxtaposed with the liquid vocals of Marquez, soprano sax and delicate rainforest sounds.
The version is both a somber and beautiful rendition, conveying the sense of renewal as well as primordial loss: the linear notes indicate that the chant of the Surui in this song were originally created as a chant welcoming the first white persons they encountered. From its closing thunder clap, we move to the unique, shimmering sounds of the gamelon in Jakarta. All at once, we are transported to a musical landscape of uplifting delicate harmonies, plunging in the next musical phrase to the depths that the unique gamelon can render.
This shimmer and deep plunge will test every ounce of your system’s ability to get the tone color of the gamelon right, leaning forth to comprehend the complexity of this unique sound-producing body. In Campesina, water first flows forth from the wide soundstage, joined by delicate percussion, vocals and animal sounds. This piece unveils wonderful sonic surprises and delicate detail, revealed to the listener in perfect time and pace. One should not hurry here, but linger in the wealth of enveloping colors and let the surprises of musical intent and detail emerge with time and repeated listens. The piece ends with what seems to be a creak as an old door closes and silence prevails. The last number, Don’t Be Late, melds the sounds of steel drums, multiple vocals and layers of percussion in nimble musical lines. Speed and dynamics are put to the test as the melody builds and then is scattered to the winds and is gone, just like that fleeting scarlet macaw. Treasure this gem and revisit it often.

1.Canto Del Pilon
2.My New Shoes
3.Bein' Green
4.Jakarta
5.Shadowed Eyes
6.Campesina
7.Ethnocity
8.Mi Pais
9.Don't Be Late

Putumayo Presents - Kermit Ruffins[Jazz, New Orleans, Swing]

A favorite on the New Orleans music scene, trumpeter Kermit Ruffins combines the spirit of classic New Orleans music with the energy and creativity of the modern Crescent City sound. On this retrospective, featuring selections from Ruffins’ seven solo albums on Basin Street and Justice Records, Putumayo hopes to bring the music of this remarkable musician to a wider audience.

Ruffins helped spark a brass band revival in the 1980s when he co-founded the Rebirth Brass Band, a dynamic group of teenage musicians who started playing in the streets of the French Quarter. The group released numerous critically-acclaimed records and brought their energetic performances to concert halls around the world.

In 1992, after seven CDs and extensive touring with Rebirth, Ruffins set off on a solo career. Seeking to focus on his passion for classic New Orleans jazz, he established the Barbecue Swingers, a quintet whose name comes from Kermit’s habit of cooking up savory barbecue from the back of his pickup truck before many of his gigs.

Ruffins has since recorded seven albums on his own. Audiences applaud his original compositions and revel in his innovative versions of jazz and swing classics. His energy, virtuoso trumpet playing and expressive voice have earned him regular comparisons to Louis Armstrong.

Ruffins’ laid-back demeanor, zest for life and appreciation of good food, music and company embody the unique character of the city where he was born and raised. His fans will find some of his most memorable solo tracks on this collection, many of which are now out of print. For those who have yet to discover the work of this irrepressible showman and talented musician, Kermit Ruffins is the perfect introduction.

http://www.amazon.com/Putumayo-Presents-Ruffins-Various-Artists/dp/B0006U3U2E







1. Ain't Misbehavin' - Brooks, Harry
2. Monday Night in New Orleans - Sherman, Richard
3. On the Sunny Side of the Street - Fields, Dorothy
4. After You've Gone - Creamer, Henry
5. Wrap Your Troubles in Dreams - Koehler, T.
6. Goodnight - Ruffins, Kermit
7. Leshianne - Ruffins, Kermit
8. When My Dream Boat Comes Home - Franklin, David
9. Kermit's Second Line - Ruffins, Kermit
10. Bye and Bye - Traditional
11. Do the Fat Tuesday - Ruffins, Kermit

| Kermit Ruffins |

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BRAD MEHLDAU TRIO - WHERE DO YOU START? (2012) [USA]

El pianista Brad Mehldau edita un nuevo álbum, Where Do You Stara? con su trío. Su reciente y aclamado álbum Ode incluyó temas originales y muy instrospectivos, pero en este nuevo trabajo cambia de dirección ya que incluye temas de otros músicos célebres, tales como Clifford Brown, Elvis Costello, Sonny Rollins y Chico Buarque, entre otros.


El título del álbum está tomado de la composición de Johnny Mandel del mismo nombre, que también se incluye.


El trío de Mehldau ha realizado y seguirá realizando múltiples e intensas giras internacionales y se ha convertido en uno de los tríos de jazz más conocidos de hoy mundialmente. Sus otros dos integrantes son el contrabajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard. Aunque no de la misma escuela, Brad Mehldau ha sido comparado con Bill Evans y Keith Jarrett por su fuerte inclinación a tocar con tríos en los que hay absoluta integración y entendimiento. 

No obstante, Mehldau ha tocado también con muchos grandes del jazz, entre ellos Pat Metheny, Wayne Shorter, Joshua Redman, Chris Potter, Michael Brecker, Christian McBride, Jimmy Cobb, Brian Blade, etc.
fuente


Temas
1 Got Me Wrong
2 Holland
3 Brownie Speaks
4 Baby Plays Around
5 Airegin
6 Hey Joe
7 Samba E Amor
8 Jam
9 Time Has Told Me
10 Aquelas Coisas Todas
11 Where Do You Start

Músicos:
Brad Mehldau - Piano
Larry Grenadier - Bajo
Jeff Ballard - Batería

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Kocani Orkestar Meets Paolo Fresu & Antonello Salis – Live (2004) [Rumanía/Italia]

Este imperdible álbum fue grabado en febrero-marzo de 2004, durante el tour se detiene en Roma, Ravenna y Foligno. En su interior se puede encontrar toda la belleza de los sonidos y las mismas parcelas intrigantes tejidas música de Oriente y Occidente, que se menciona en los "juerguistas" conciertos. El escritor ha sido testigo de su concierto en el Auditorio Parco della Musica en Roma, y ​​por supuesto se recomienda un vídeo en directo. El festival de música que este grupo se expandió a las etapas Fresu y Salis es nada menos que convincente experiencia y vale la pena. En el ínterin, sin embargo, un triunfo de su próxima gira, este disco puede superar tanto la curiosidad de un género musical, una especie de popurrí de bandas de música de los Balcanes y etno-jazz, y el deseo de experimentar una verdadera panacea de la energía y diversión escuchar música.

En este contexto, cada canción resultó, florece una nueva vida. Esto sucede variaciones de danza , una variación de baile sardo escrito por Fresu, que viven a la prueba asume la forma de una danza eterna, cautivando como el potente y bailable igualmente Macedonia Adiós , sino también música escrita por el trompetista sardo la película "El más cruel de los días", dedicado a la periodista Ilaria Alpi, Noches en Mogadiscio y ... viajar a , y otras razones, la más típica del repertorio de Kocani, Gajda, Papigo, Jacquelina, Siki Siki Baba, de Red Bull . Un emocionante viaje entre la improvisación y la tradición melodía y el swing. Fluir con sentimiento y pasión. Al parecer desordenado, con elegancia refinada. Coser con poesía vibrante. Alma nómada y sin pasaporte.

Un vibrante música se apodera del oyente desde Noches en Mogadiscio . Tenga en cuenta la dirección de la orquesta de swing y su cohesión y, sobre todo, en contra de dos elementos externos, tales como el latón, multiefectos Fresu y piano, acordeón Salis. Intro, la electrónica y las notas de piano simular casi un ataque guerra, las bombas que caen de los aviones. Luego de la euforia de la fuga etno-jazz. Para escuchar la marca solicitada para captar más energía y matices.

Gajda es una canción evocadora y alienante, desde la introducción de la carga de trompeta de pathos. Percusión (tapan) y eólica crear el ambiente adecuado para el solista remolino, latón retorcido e intrigante. Fresu, en cualquier contexto, los sonidos, mantiene su sonido, su propio sello peculiar que lo pone al mismo tiempo de forma paralela y en armonía con los otros músicos, no sólo - como sería obvio pensar - con la primera trompeta y la segunda de ' conjunto balcánico, Turan Gaberov y Kadriev Sukri. Una canción y fuegos artificiales de colores, que nunca dejan de "llamada y respuesta" en la que los pedales solistas lenguas se entrelazan y otros miembros de la sección de metales. Una herencia afroamericana y de la música universal, tout court, sólo piensa en él como un encuentro entre tradiciones diferentes, aunque complementarios. El contexto, de hecho, es siempre armoniosa y inclusive. Euforia pura al final.

The Travel ... se introduce por la voz de la Azizov Ajnur Balcanes, una voz "árabe" muecín. La música que sigue es meditativo, pero bien de ritmo. A veces bailando. Gran sentido de giro de Salis en el piano, pero también de la sección de metales de la orquesta. Melodía envolvente y sugerente. Hija de un millar de influencias que han afectado a las tierras del Mediterráneo. Loco, un pianista virtuoso y desbordar el discurso de Cerdeña. Devastadores, como de costumbre. Un espectáculo en vivo y de la historia. Muchas figuras armónicas y melódicas de espalda en un movimiento circular. Regreso a la voz del cantante. Interpretación emocionante, fascinante y conmovedora. El discurso de los altos mandos es suave y brillante.

Papigo es una especie de balada étnica. Evanescente y aireado. La percusión (la tapan) conducen a un cambio dardos y bailando atmósfera. Canciones interesantes, picante y colorida, colores fuertes e intensos. La mezcla perfecta entre las interesantes y trompetas, tubas, el saxofón y el clarinete. El acordeón Salis Prilla entre las dos líneas, latón y cañas, con bordados digno de un grabador notas finas. Maravillosa. Nótese cómo la tuba Suad Asanov acto como el bajo real, aquí más que en otros lugares, con una cifra precisa y dinámica pseudo-forzado. Es una fiesta de escuchar este disco. Necesita relajarse, pensar en otra cosa, sino también para meditar y reflexionar. Triunfo final.

Variaciones sobre un baile es el arreglo para orquesta de baile balcánicos particularmente convincente y muy atractivo Cerdeña. Sugerente. Latón y Reed hablar alegremente y la danza, de hecho, como hombres y mujeres atrapados en el torbellino de la danza. La Salis acordeón, un elemento extraordinario de "ruido" hace que sea aún más húmeda de urgencia expresiva e impacto. El tamborileo de Saban Jasarov crea un ritmo casi marcial en el que pirueta. La improvisación del mismo acordeonista sarda, realizado por lo menos en las primeras líneas, es cautivante, eufórico, carnal. Como un baile sensual. El baile, de hecho, es una de las pocas oportunidades de "contacto físico" entre hombres y mujeres dentro de una realidad del país, como la de una comunidad de la isla cerrada o el origen étnico como los romaníes. Un ejemplo perfecto de la mezcla cultural.

Jacquelina se asemeja a una canción de amor, una serenata. Tiene una melodía dulce, introspectivo, lírica y evocadora. A latón brillante, como Ícaro, inmolado en el cielo de la música. Virtuoso, ya que sólo un amante puede hacer presa de los vapores del amor. Un estado de ánimo eufórico, bailando, solicitante. Como para evocar una respuesta positiva o sólo aparecen complaciente amado. A actúa latón más nítidas se cree que son verdad en el mismo tono de voz. Sin embargo, es un tema muy hablado, las secciones de la escena es dinámica, abierta y cómplices. Derrames de latón y las cañas de cambio, a su vez, dibujar garabatos de amor en el aire. Cogidos del brazo, entonces, appropinquano en el mismo camino. La canción termina así. Con una nota común a largo. Siki Siki Baba vive introducción Salis Acordeón espaciosas y espacializada. Un solitario en la línea de virtuosismo musical. Un maestro en el arte mortal de expresión. Un volcán de ideas siempre emocionante y abrumador. ¿Cómo no ser encantado delante de habilidad tan grande? Al final de su larga digresión que añadir percusión (tapan) y el viento. Los elementos Dzeladin Demirov y Azizov Ajnur bien entretejida con gran cordialidad y complicidad. La canción está llena de Mediterráneo. El Fresu latón es evocador y lírico. Final delicioso.

Adiós Macedonia se abre con una de bronce, sinuosa, entrelazada su discurso, soplando, resoplando. Otro solista introducción asignados a uno de dos invitados. Esta Fresu tiempo. Virtuoso eficaz. Sugestivo y evocador. A veces, poético y lírico. A veces, sueño y sueño. Con la entrada de los instrumentos de percusión y de viento, el ambiente se vuelve fascinante y turbulento como un Balcanes baile. Después de todo, eso es todo. Debe ser transportados sin resistencia, para disfrutarlo al máximo. Salis plan de intervención son perspicaces y repentino. A latón llamada solo intrincado y "sufrido", cubierto de rocío con patetismo y pasión de expresión. Yearning como la de abajo, más metal, más lamentable solo. Con notas largas celebrará largo, a fin de expiar el sufrimiento. El latón tercera cantando el anhelo de su alma con el mismo énfasis. Al final teje un diálogo a tres bandas alternas y complementarias particularmente impresionante. Volver al tema de baile y euforia. El estado de ánimo de extrañamiento y arrastrar en un torbellino de emociones apasionadas.

Red Bull se abre con un contrapunto de latón y juncos en que descansa la voz de Ajnur Azizov. Una pieza de lo más profundo etno-jazz sentir. Un diálogo permanente entre las partes, de entretenimiento y diversión. El estado de ánimo es el baile, puntual y eufórica. La contribución de la Salis plan es redundante e incisivo. Fuerte, enérgico, virtuosos. Encima de él, cada vez más temerario, Fresu encuentra su tamaño correcto, dando un solo bien torneado, medida, calibrado hasta el más mínimo detalle, con gran atención a la dinámica y las soluciones armónicas. Un dúo extraordinario e integral. Volver al tema animado de muchas voces. La interpretación coral de color una vez más la voz de Azizov. Es sólo la última canción, el álbum entero "te da alas". El final es el mismo que el intro, con la entrada en contrapunto secuencial para el latón y cañas.

Marco Maimeri 
Fuente




TEMAS
1. NOTTI A MOGADISCIO
2. GAJDA
3. …DEL VIAGGIO
4. PAPIGO
5. VARIAZIONI SUL BALLO
6. JACQUELINA
7. SIKI SIKI BABA
8. GOOD BY MACEDONIA
9. RED BULL

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Dhafer Youssef - Abu Nawas Rhapsody

Subido por Marhali.

Dhafer Youssef es uno de los artistas más carismáticos de Túnez. Cantante, intérprete de oud y compositor, educado en la tradición de los cantos sufíes, combina a la perfección el misticismo de la práctica sufí con elementos contemporáneos de la música electrónica y el jazz. Su último disco hasta la fecha, Abu Nawas Rhapsody, está dedicado al poeta árabe de origen persa Abu Nawas.

Residente en Europa desde hace veinte años, Youssef ha realizado diversos discos personales y brillantes colaboraciones con músicos europeos, principalmente los austríacos Wolfgang Mutshpiel y Dieter Ilg, los noruegos Eivind Aarset y Arve Henriksen, el sardo Paolo Fresu, el franco vietnamita Nguyên Lê, el turco Mercan Dede y el español Javier Limón, siendo destacada su participación en el disco de Omar Sosa, Mulatos, y su colaboración con Arto Tunçboyaciyan.

La música de Dhafer Youssef invita a viajar a Túnez, Egipto, Irán, Andalucía, el Mediterráneo, y a cualquier lugar inventado, con el sonido de las cuerdas de su oud. Así, ha conseguido fusionar ingredientes árabes y multiculturales con el jazz y sonidos contemporáneos, acoplando lirismo e intensidad a una de las voces más impresionantes surgidas en este campo musical. Dhafer Youssef sabe llevar, como nadie, la música árabe y norafricana por el sendero electrónico y del jazz manteniendo la espiritualidad y profundidad que caracteriza a la música islámica.

En su disco Abu Nawas Rhapsody (2010), Youssef presenta un nuevo cuarteto, compuesto por él mismo, el pianista armenio Tigran Hamasyan, el bajista Chris Jennings y el baterista Marc Guiliana. En el repertorio, tres temas en dúo improvisados para oud y piano. Todos los demás han sido compuestos por Youssef, quien adopta la poesía de Abu Nawas como la mejor manera de volver a casa a través de la lengua materna. Una magnífica fusión entre su canto de origen milenario, la potencia acústica del grupo y el collage del arte de músicos procedentes de diferentes partes del mundo, con un Tigran Hamasyan y un Dhafer Youssef magistrales.

01. Sacré "The Wine Ode Suite"
02. Les Ondes Orientales
03. Khamsa "The Khamriyyat of Abu Nawas"
04. Interl’Oud
05. Odd Elegy
06. Ya Hobb "In The Name Of Love"
07. Shaouk
08. Shatha
09. Mudamatan "The Wine Ode Suite"
10. Hayastan Dance
11. Sura
12. Profane "The Wine Ode Suite"

Abu Nawas Rhapsody

Zaz - ZAZ [Francia] 2010

Subido por Guayacas.

(Actualizado 14/09/12)

Isabelle Geffroy(nacida el 1 de mayo de 1980 en Tours, Francia), más conocida por su nombre artístico Zaz, es una cantante francesa que fusiona el jazz, la música francesa, el soul y la música acústica. Se hizo famosa con su canción "Je veux", tema de su primer álbum, Zaz, que fue lanzado al mercado el 10 de mayo del 2010.

En 2001, comenzó su carrera musical como cantante en el grupo de blues "Fifty Fingers". Cantó con otros grupos en Angoulême, particularmente, formó parte de un quinteto de jazz.  Fue una de los cuatro cantantes de Izar-Adatz (que en vasco significa "Estrella Fugaz"), un grupo formado por dieciséis integrantes con los que estuvo de gira dos años en la zona Mediodía-Pirineos y en el País Vasco.  Ha trabajado como corista para grabaciones de estudio en Toulouse y ha colaborado con muchos cantantes como Maeso, Art Mengo, Vladimir Max, Jean-Pierre Mader y Serge Guerao.

En mayo de 2010 la revista francesa Telerama anunció: "Han surgido rumores estas semanas: Zaz tiene una voz sagrada y será la revelación del verano".  El 10 de mayo del 2010, Zaz lanzó su primer álbum al mercado. Contiene temas compuestos por ella misma ("Trop sensible") y otros co-compuestos ("Les passants", "Le long de la route", "Prends garde à ta langue", "J'aime à nouveau", "Ni oui ni non").  El álbum ha sido producido por Kerredine Soltani con la discográfica "Play On", quien ha escrito y compuesto el éxito "Je veux".  El cantante pop Raphaël Haroche ha compuesto las canciones "Éblouie par la nuit", "Port Coton" y "La fée".  En 2010 firmó un contrato para su gira con Caramba y Sony ATV. Ha tenido varias apariciones en televisión (en programas como Taratata o Chabada) y en radio.

 

Después estuvo de gira en Francia (París, La Rochelle, Montauban, Saint-Ouen, Chateauroux, Landerneau, Fécamp...), dio un concierto en el Francofolies de Montreal (Canadá), en Monthey (Suiza), Bruselas, Berlín, Milán, etc. En otoño encabezó las listas de ventas en Bélgica, Suiza y Austria. Matthieu Baligand, su mánager y productor en Caramba Entertainment, hizo las siguientes declaraciones a Liberation: "Se está hablando mucho sobre ella ahora y la gente está esperando para verla... A pesar de la demanda, parece preferible que su primera gira se haga en cincuenta lugares pequeños en los que pueda tener una actuación creíble... Zaz es una artista popular e intuitiva, que conoce bien la música y que sabe cantar, pero hacer actuaciones de calidad es otra historia (...)." En noviembre de 2010, su álbum debut Zaz llegó a ser disco doble platino. Además recibió el premio Canción Revelación" de la Academia Charles-Cros. Zaz también ha recibido el Premio European Border Breaker Awards por ser la artista francesa más escuchada fuera de Francia en 2010. De acuerdo a una encuesta que publicó L'Internaute, Zaz fue la cantante francesa más popular del ranking de 2010.

En 2011, se unió al conjunto benéfico Les Enfoirés.  Fuente

Pistas:

01 - Les passants

02 - Je veux

03 - Le long de la route

04 - La fée

05 - Trop sensible

06 - Prends garde a ta langue

07 - Ni oui Ni non

08 - Port coton

09 - J'aime à nouveau

10 - Dans ma rue

11 - Eblouie par la nuit

 

 

ZAZ
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Lakshminarayanan Shankar – SONG FOR EVERYONE [India] - 1985

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Shankar and Jan Garbarek’s previous collaboration, Vision, opened many people’s ears to the more fruitful possibilities of idiomatic blends. And while that initial project yielded a fascinating album in its own right, I always felt it lacked something I couldn’t quite articulate. With Song For Everyone, that lack becomes clear once Trilok Gurtu and Zakir Hussain level the playing field with their earthy rhythms.  In their presence, electric violin and saxophone can soar even higher, knowing there will always be a ground to return to.  As if to underscore this point, Shankar also employs a drum machine, as in the delightful “Paper Nut” that inaugurates us into the album’s universe.  Shankar’s Philip Glassean harmonies and flexible dips form a sling that shoots us in slow motion toward the Visionary galaxy of “I Know,” where his sparkling pizzicato lines are reinvigorated by the presence of tabla.  Garbarek has hardly ever sounded as clean as he does here. He digs deep into his emotional and technical reserves and proves his chameleonic abilities, such that whenever he returns with the theme in tow, it is always as if from a long journey. This enchanting track also exemplifies the coalescence of which these two musicians are so worthily capable. “Watching You” reinstates the drum machine, which is immediately valorized by Shankar’s likeminded precision (even when multi-tracking, he sounds like one instrument). Ascendant chording provides ample uplift for Garbarek’s rainbow arcs.  The violin solo here proves that Shankar’s mastery comes not from the top down, but from the inside out. He makes the most demanding passages seem effortless and the simplest seem complex, as in “Conversation.” Here his virtuosity enhances Garbarek at his adaptive best. After the anthemic jubilation of the title track, “Let’s Go Home” comes across as introverted, though no less energetic.  “Rest In Peace” ends the album with bowed heads. It is a slow dissipation of cloud, a gentle breeze of the heart, the empty chambers of a body in which music is the only tangible spirit.  Fuente

Lakshminarayanan Shankar

Shankar was born in Madras, Tamil Nadu.  Growing up in Jaffna, Ceylon, where his father V. Lakshminarayan was a professor at the Jaffna College of Music, Shankar was exposed to Carnatic music and other styles from an early age. His father was an esteemed violinist, his mother L. Seethalakshmi played the veena and all his five older siblings were also proficient in music. The most well known of his brothers is another acclaimed and renowned violinist - L. Subramaniam, who has recorded a number of records himself; another brother, L. Vaidyanathan was a music composer for Indian films. Shankar cites his family and Tyāgarāja as early inspirations.

Shankar began singing at the age of two, playing violin at the age of five, and learning to play drums at seven.  At the age of seven L. Shankar gave his first public concert, at the Nallur Kandaswamy temple. He gained considerable reputation in his early youth as an accompanist to some of the most eminent names in Carnatic music such as Semmangudi Srinivasa Iyer, Chembai Vaithyanatha Baghavatar, Palghat Mani Iyer and Alathur Srinivasa Iyer. Following the ethnic riots in Sri Lanka in the 1950s his family escaped to India.  Fuente

Track list:

1 – Paper nut                    6:04
2 – I know                           7:32
3 – Watching you           13:15
4 – Conversation             7:52
5 – Song for everyone  6:20
6 – Let’s go home           6:27
7 – Rest in peace             3:25      

Credits:

Trilok Gurtu – percussion
Jan Garbarek – soprano saxophone, tenor saxophone
Zakir Hussain –  tabla, congas
Shankar – Violin [10-string double], electronic drums, composed
Dieter Rehm – design
Jan Erik Kongshaug – engineer
Petra Nettelbeck – photography [Cover]
Manfred Eicher – producer

 

 

SONG FOR EVERYONE

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Baden Powell - MESTRES DA MPB [Brasil]

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Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasilero. Interpretó muchos estilos de música brasilera tales como Bossa nova, Samba, Jazz brasilero, Pop brasilero, Jazz latino y Música Popular Brasileña (MPB).

Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino.

Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-e-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dio ese nombre por ser admirador del creador del escultismo, Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia. Pronto comenzó con lecciones de guitarra Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas en diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera.

En 1955, Powell ejecutaba en la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, antes de convertirse en el guitarrista del grupo Hotel Plaza Trío. Powell recomendó a Luiz Marinho para tocar el bajo, así como al "cuarto miembro" del "trío": Claudette Soares en la voz. Powell, Lincoln y sus jóvenes amigos músicos realizaban después de las horas de trabajo jam sessions (improvisaciones), ganando creciente popularidad en la escena del jazz brasilero.1

Powell logró amplia fama en 1959 al convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para poner letra a una de las composiciones de Powell. El resultado se llamó "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito. Esta ha tenido gran cantidad de versiones realizadas por numerosos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd.

En 1962, Powell se unió con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes y comenzó una colaboración que tuvo verdaderos clásicos de la música brasilera de los '60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces con sonidos sincronizados de formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con las formas de samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP en 1966 bajo el nombre de "Os Afro-sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el sello alemán MPS/Saba (en particular Tristeza en Guitarra (1966), considerado por muchos ser un punto alto en su carrera). Además, era el guitarrista de casa Elenco y el show de Elis Regina en TV "O Fino da Bossa".

En 1968, se unió al poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie musical de inspiración Afro-brasilero lanzada en 1970 como "Os Cantores da Lapinha".

Visitó y recorrió Europa con frecuencia en la década del '60, radicándose en Francia en 1968. En la década del '70, lanzó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su fama fue atenuando en cierta medida debido a problemas de salud y las evolución de los gustos musicales. Pasó la década de 1980 en semi-retiro en Francia y Alemania. Por último, en la década del '90 él y su familia regresaron a Brasil, donde continuó creando y grabando. El reconocimiento público de su trabajo llegó en torno de ese momento en el Brasil. A fines de la década del '90 se convirtió a la fe evangélica. También superó su larga adicción al alcohol y el tabaco. Sin embargo, su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, cayendo enfermo en el 2000.

Baden Powell murió de neumonía, provocada por la diabetes, el 26 de septiembre de 2000, en Río de Janeiro.  Fuente

Pistas:

01 - Tempo feliz
02 - Apelo
03 - Feitinha pro poeta
04 - Abismo de rosas
05 - Ingênuo
06 - Jongo
07 - Queixa
08 - Cai dentro
09 - Petit valse
10 - Além do amor - Deixa
11 - Samba novo
12 - Mesa redonda
13 - Tributo a Juazeiro
14 - Valsa número um
15 - Até eu
16 - Canção das flores

 


 

MESTRES DA MPB
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Mina - CARAMELLA [Italia] 2010

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Mina, nombre artístico de Anna Maria Mazzini, nace en Busto Arsizio (Varese) en 1940. Debuta como cantante casi por juego, en verano, en un local llamado la Bussola en la población de Forte dei Marmi, tras el espectáculo de Don Marino Barreto Jr., un ídolo de los locales nocturnos de esa época.Tras esa actuación, Mina se entrega con "cuerpo y alma" al "rock-gritado", un género que entonces está muy de moda, y empieza a hacerse popular. Pero del rock and roll de finales de los años cincuenta pasa, a principios de los años sesenta, a un género mucho más refinado (con canciones como "Il cielo in una stanza" de Gino Paoli), que ya no abandonará nunca; sus grandes cualidades de vocalista y de intérprete se notan enseguida y su popularidad, en continuo crecimiento, alcanza puntas difícilmente superables incluso hoy. Desde la mitad de los años sesenta hasta principios de los setenta es la brillante protagonista de famosos programas televisivos que, durante más de quince años, le permiten mantenerse en los primeros puestos de las clasificaciones discográficas italianas con canciones firmadas por los mejores autores (de Lucio Battisti a Riccardo Cocciante). Sus últimas apariciones en vivo se remontan a 1978: son trece conciertos celebrados en la Bussola, el local en el cual había debutado veinte años antes, con las entradas siempre agotadas, y que se han de interrumpir por motivos de salud de la cantante cuando ya se estaba preparando otro mes de actuaciones; sin embargo, cabe recordar que cuatro años antes ya había interrumpido sus apariciones en la televisión. El resto es conocido por todos: un "exilio" voluntario que dura desde más de veinte años. En efecto, Mina se retira de los escenarios para trasladarse definitivamente a Lugano, ciudad en la cual adquiere la nacionalidad suiza en 1989. Sin embargo, no desaparece del corazón de los italianos ni menos aún del mercado discográfico que continúa dominando con decenas de éxitos antiguos y recientes. Así, cada año graba nuevos CD (en general, dobles), que mantienen inalterada su fama de reina de la canción, vuelve a proponer antologías de sus mayores éxitos y publica verdaderas rarezas: Mina en inglés, español, en concierto, en la televisión. Por otro lado, su voz sigue siendo espléndida, quizás más dúctil y expresiva que antes. Algunos de sus álbums más recientes son: "Ti conosco mascherina" (1990), "Mina canta i Beatles" (1993), "Canarino mannaro" (1994), "Mina Celentano," (1998) y "Olio" (1999). A finales de 1999 Mina reinterpreta los éxitos de Renato Zero en el álbum "N°0", que incluye también un dueto, la canción "Neri" , con el cantante romano. En octubre de 2000 salió “Dalla terra”, una recopilación de temas escogidos de la tradición musical cristiana; el año siguiente, con “Sconcerto”, la cantante rindió homenaje a otro gran exponente de la música italiana, Domenico Modugno, interpretando once canciones del cantautor. En 2003 salió "Veleno": doce temas, fruto de un año de trabajo, para los que Mina reunió a algunos de los artistas más conocidos de la escena italiana. Fuente

CARAMELLA

Este nuevo trabajo muestra una vez mas esa combinación de estilos, y de nuevos artistas mezclados con tradicionales cantautores de la música italiana. El disco abre con el previamente promocionado dúo con el cantante soul Seal, en “You get me”. Pero luego vienen los platos fuertes… De ese modo, tenemos la presencia de Davide di Leo del grupo Subsonica que firma “La clessidra”, o la del guitarrista y productor Massimiliano Casacci, que ha escrito “Solo se sai rispondere” que es a mi gusto el punto más alto del disco.Por otro lado, Mina redescubre “Io e te” del milanés Paolo Benvegnù haciendo una versión demoledora. Y vuelve a colaborar con ella Andrea Mingardi con “Accendi questa luce”. En el equilibrio mágico del disco, se incluyen dos dúos ya publicados, pero no dentro de la discografía de Mina: “Poche parole”, con Giorgia (del álbum “Stonata” del 2007) y “Amore disperato”, con Lucio Dalla (del álbum “Lucio” del 2003). Fuente

Pistas:

01. You get me Feat. Seal) (4:53)
02. Io e te (4:57)
03. Il povero e il Re (4:35)
04. Poche parole (Feat.Giorgia) (4:08)
05. Amore disperato (Feat.Lucio Dalla) (4:28)
06. Cosi cosi (5:19)
07. Solo se sai rispondere (4:00)
08. Come se io fossi li (3:47)
09. La clessidra (4:24)
10. Accendi questa luce (4:34)
11. Amoreunicoamore (4:03)
12. Ma comme faje (4:18)
13. Inutile sperare (4:31)
14. Mi piacerebbe andare al mare (11:27)





CARAMELA
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Trío Desatanudos - Trío Desatanudos (2011) [Argentina]

subido por  Moebius


Otra inspiración de Darío Iscaro(gran músico argentino, cuyos trabajos conocerán en este foro porque voy a publicar todos sus trabajos) implantando su propio sello en la música jazz, pero a diferencia de otros trabajos suyos, esta vez es un power jazz que transita con identidad propia la brecha entre el jazz, el rock, la música contemporánea argentina, el R.I.O. y el rock psicodélico. Esta especie de "jazz psicodélico" le permite a la banda realizar un viaje perceptivo, de sensaciones, climas sonoros y estados anímicos. Y es que el grupo siempre se mueve en una intersección de vías por las que circulan el jazz, el rock, el tango, la música étnica y el folk, y lo experimental como filosofía. Todo ello convive en este genial disco, el primer disco de la formación que tiene ya 10 años de carrera.


Esta agrupación lleva ya más de diez años de trayectoria y ha realizado inmumerables presentaciones en vivo, como tocar como banda invitada para el concierto del Dave Holland Quintet (año 2002), partició en el Festival internacional de jazz Cordoba 2009, en el Centro Cultural España/Córdoba, el Goethe Institut de Córdoba, el festival de jazz "Festin Jazz 2006" de Valparaiso, Chile (año 2006), presentaciones en el Teatro San Martin junto a la banda chilena Fulano (2005), realizó presentaciones en "El Club del Vino" (Bs. As. año 2000) y realizó una gira por México donde tocó en diversos clubes de jazz. A pesar de su basta experiencia y sus más de 10 años encima, éste es su primer disco compacto.
El disco fue grabado en vivo aunque no cuente con la sonoridad del público, donde además de registrar canciones propias tiene versiones de autores como Jaco Pastorius y Henri Texier. Y este es el primer disco porque anteriormente se trató de grabar dos veces: la primera fue una edición con el percusionista Martín Bruhn, pero fue un trabajo muy limitado en términos de cantidad, y terminó siendo más bien un ejercicio musical. La segunda, en el estudio de "La Colmena", donde una tormenta eléctrica afectó los equipos y se perdieron todos los másters.


Según la particular forma que tiene Darío Iscaro de entender la música (SU música), nuevamente son las improvisaciones las que aportan el nivel de tensión necesario para que su escucha llegue a volverse un ejercicio desafiante. Luego, cada uno de los miembros aporte lo suyo ¡y de que manera! si no me creen vean los videos que están al final del post, sumado a un trabajo de ambientación sonora con procesadores de efectos y texturas electrónicas con loops. La guitarra eléctrica y el contrabajo aportan sonidos ásperos y guturales que, junto con el empleo de la voz humana, le brindan un color característico a esta original propuesta.
Un álbum recomendadísimo!!!!
http://www.myspace.com/desatanudos

Lista de Temas:
01. El disparo
02. El rey de las palabras
03. Entrave
04. Sin la Vivi
05. Buda
06. Que no se la lleve el viento
07. Invitation
08. Santa Cruz
09. Dense
10. Corazón herido
11. Dinámico
12. Distrita

Alineación:
- Dario Iscaro / guitarra electrica
- Gustavo Lorenzatti / bajo y contrabajo
- Fernando Caballero / batería

Download: (Flac + CUE + Log)
http://depositfiles.com/files/5za9dzi1y
http://depositfiles.com/files/kbwceehsq
http://depositfiles.com/files/pzzagf8d2
http://depositfiles.com/files/iwynw0jjs
http://depositfiles.com/files/1qirc88dk