Orquestra Arab de Barcelona - Libertad

La OAB, que nació hace cuatro años y medio por iniciativa de cuatro marroquíes liderados por Mohamed Soulimane, Director musical de la banda, tuvo desde el principio una apuesta temática. “Nuestra música es una herramienta importante para explicar nuestra cultura en un momento delicado políticamente, donde al Islam se le identifica con terrorismo, violencia y radicalidad. Para nosotros es justo lo contrario y eso es lo que intentamos transmitir con nuestros ritmos, letras y música”, a declarado Soulimane.

Podría decirse que la Orquestra Árabe de Barcelona es un ejemplo de civismo e integración. También de mestizaje y de fusión, porque, no olvidemos, estamos hablando de músicos consagrados, que nos proponen un trabajo muy elaborado, cargado de sabores, palabras y sentidos árabes. Una orquestra digna de representar a Barcelona ahí adonde vaya

Sergio Ramos Cebriá: Drums and drum box
Aziz Khodari: daf, bendir, taarija, claps, darbuja, karkabas, rek
Joan Rectoret: Bass and double bass
Jordi Gaig: piano and keyboards
Achraf Zeroual: Eastern keyboard
Mohammed Bout: Lead vocal and background vocals
Mohamed Soulimane: violins, background vocals, claps, daf, Karkabas and samplers

01. Magrebia
02. Luz
03. Somnis d'Orient
04. Jerusalén
05. Tango de la amargura
06. El viajero
07. La celebración
08. El camino
09. Cerca de ti
10. Allah
11. Halfa
12. Libertad
13. Ayoub

Palya Bea - Álom-álom, kitalálom [Hungria] (2004)

Para Palya Bea la música folclórica húngara ha sido una experiencia decisiva desde su infancia. Ella escribió una vez: "Como músico y como bailarina he estado anhelando, tal vez ya en el vientre de mi madre, que estaba en sintonía con sus latidos, para un cierto conocimiento sobre los ritmos en mi cuerpo, en mi voz, para mejorarlos, y utilizarlos de manera creativa".
http://palyabea.hu/en/bio

Suphala - Alien Ancestry

Suphala is a tabla player who has studied under a number of classically trained Indian masters, as well as playing with a number of pop and jazz musicians. This album weaves a wide range of music with a large group featuring Vijay Iyer on piano, Amir Elsaffar on trumpet and Bill Laswell adding his unique mojo to the proceedings. Suphala’s tablas develop a simmering feeling of incantation throughout the music. Bubbling and shifting and reshaping the rhythm with a sense of continual motion. Horns join in at times, developing a beguiling swirl, or horns, clarinet, oud and percussion.

The fast paced rhythm of the percussion is tuned at times so instruments resemble percussion that rings and resonates. Vijay Iyer makes his presence felt a few times on piano which adds further melodic flavor to the cascading percussion. It is the amazing sense of rhythm that is the most impressive thing about this album, Suphala has seemingly internalized everything and then developing the music in hypnotic fashion and at a dizzying pace. The texture and fabric of the music is constantly changing, with Laswell playing master of ceremonies, mixing the music and adding subtle hints of electronics and a near danceable sensibility. The melding of Indian music along with jazz and forms of improvisation are consistently interesting on this album. It is a central meeting place where diverse influences are combined together in a crucible of passionate music.

Suphala: tabla, all other sounds
Kinan Azmeh: clarinet
Hadi Eldebek: oud
Amir Elsaffar: trumpet
John Hadfield: cajon, garhand
Vijay Iyer: piano, remix
Jose James: vocals
Matt Kilmer: frame drum
Mazz Swift: violin
Bill Laswell: Alien Translation

1. Interlude
2. The Beginning
3. Alien Ancestry
4. Bazaar
5. Cerulean
6. No Words
7. Not Even
8. Eight and a Half Birds
9. Vashikaran

Chen Min - I Wish [China]

Chen Min Nacio en Suzhou en la provincia de Jiangsu, aprendio a tocar el erhu con su padre a la edad de seis años, y se mudó a Japón en 1991 para estudiar la cultura japonésa.
Después de su graduación ella comienza oficialmente su carrera como artista intérprete del Erhu. Su primer album "I Wish", comenzó con la tendencia de la música china y el boom del erhu.
En el año 2003, recibió el premio especial de los "17th Annual Japan Gold Disk Awards".

Chen Min toca el Erhu un instrumento chino de dos cuerdas similar a un violín. La música es una mezcla maravillosa de este fabuloso instrumento de cuerda y los instrumentos occidentales como el piano, la guitarra, el violín, el violonchelo, el contrabajo, la percusión, etc, La música de Chen Min une la elegancia oriental y la occidental.

Chen Min toca el Erhu con habilidad y pasión. Se siente como si el artista y el instrumento sean uno.  escuchando el album se podría pensar que ella ha llegado a los límites de su instrumento. pero con una habilidad pasmosa, te sorprendera porque te llevará a un nivel completamente nuevo. Creo que hace con el Erhu lo que Yo Yo Ma hace con el violonchelo.Su música es increible y maravillosa.

1     Tsubame Ni Naritai 4:26    
2     KizunaChen 4:43    
3     Nisen Eigetsu 6:05    
4     Konan No Kaze 5:42    
5     Namino Kanatani 4:29    
6     The Eternal Vow 3:13    
7     Asian Waltz 3:33    
8     Hatenaki Omoi 4:31    
9     Tsubame Ni Naritai 5:08

Julie Fowlis - Cuilidh (2007)

Continuación a su premiado debut de 2005, “Mar a tha mo chridhe” (Así es mi Corazón) la cantante de las Hébridas edita el luminoso “Cuilidh”, nombre gaélico que significa  tesoro o lugar secreto para esconder cosas de valor.
Como siempre, las canciones y melodías provienen del folclor histórico de su nativa North Uist en las islas Escocesas del Oeste.
http://www.elcohete.com/juliefowlis.htm

Julie Fowlis - Mar A Tha Mo Chridhe (2005)

Julie Fowlis es una intérprete de música celta originaria de Escocia (Reino Unido), que canta principalmente en gaélico escocés.
Fowlis creció en North Uist, una isla de las Hébridas Exteriores, una comunidad de mayoría gaélico hablante.  Desde muy pequeña, se involucró con la música tradicional y aprendió a cantar, a bailar y a tocar la gaita. En 2012 participa en dos temas de la banda sonora de la última película de los estudios Pixar, Brave
http://www.juliefowlis.com/

Mar a tha mo chridhe is the début music album by Scottish musician Julie Fowlis. It is sung entirely in Scottish Gaelic, and the album title means As My Heart Is.

    Julie Fowlis – Vocals, Highland Pipes, Flute, Whistles
    Muireann Nic Amhlaoibh – Vocals
    Eamon Doorley – Bouzouki, Fiddle
    Iain Mac Donald
    John Doyle - Guitar

 

The Master Musicians of Jajouka - The Road To Jajouka

Los músicos de Jajouka son una agrupación sufista que toca música de trance desde 1950 en Marruecos. Y por trance no se debe entender electrónica, sino un auténtico estado mental al cual se llega escuchando las frenéticas trompetas, rhaitas, fídulas y tebeles que dan forma a la música folclórica de Jajouka, frecuentemente improvisada y religiosa.

El grupo, liderado por Bachir Attar, comenzó a atraer la atención de músicos occidentales, incluyendo a Brian Jones de The Rolling Stones, quien produjo un álbum llamado Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka , con el cual iniciaron su exposición mundial. Esta canción se extrae de un reciente álbum de beneficiencia compilatorio llamado ‘Road to Jajouka’, en el cual músicos como Flea, Mickey Hart y Ornette Coleman reinventan muchas de sus grabaciones.



1. Hand of Fatima (feat. Medeski Martin & Wood, Bachir Attar & Marc Ribot)
2. Baraka (feat. Mickey Hart & DJ Logic)
3. Djebala Hills (feat. Falu, John Zorn, Flea & Billy Martin)
4. Boujeloudia Magick (feat. Lee Ranaldo)
5. Into the Rif (feat. Marc Ribot & Shahzad Ismailey)
6. Ghaita Blues (feat. Bachir Attar, Billy Martin & Dave Dreiwitz)
7. Jnuin (feat. Ornette Coleman & Bachir Attar)
8. Sufi Hadra (feat. Falu, Aiyb Dieng & Bill Laswell)
9. Al'Aita (feat. Howard Shore & London Philharmonic)

Urna Chahar-Tugchi - Jamar (Mongolia)

Urna Chahar-Tugchi nació en el seno de una familia de ganaderos y agricultores de las tierras de Ordos al suroeste de Mongolia. Hoy Urna es una de las vocalistas femeninas más reconocidas de Asia. Desarrolló su instinto y talento musical mientras aprendía el Yangqin (equivalente al dúlcemele chino) en Hohhot, la capital de Mongolia interior, con un profesor del Conservatorio de Música. A los 18 años decidió dejar Mongolia para estudiar en el Conservatorio de Música de Shangai –una decisión valiente ya que por entonces, no hablaba ni una palabra de chino mandarín y su familia conocía muy poco de Shangai- y Urna se encontró solo en su nueva ubicación. Con este movimiento, la vida y la carrera de Urna cambiaron rotundamente.

Urna, junto con la cantante de Tuva Sainkho, son reconocidas por la critica musical internacional como las dos “Divas asiáticas”. Urna tomó posición dentro de la música del mundo en Europa cuanto obtuvo el premio alemán Ruth a la mejor artista internacional.

Posee la habilidad de comunicar con su audiencia a través de su música porque traspasa las barreras lingüísticas y culturales con su dinámica y altísima voz. Muchas de sus canciones evocan la inmensidad de las praderas de Mongolia y describen la forma de vida en su país, sus actuaciones son inolvidables para los que conocen y participan de su música. Algunos definen la forma de cantar de Urna como una experiencia religiosa, a pesar de que su música no necesariamente habla de religión, lo explica así: “Interpreto mis canciones con toda mi vida y mi energía; y siento como si volviera a nacer después de cada concierto”.

Mientras Urna continua con la música y las raíces de su país, también la lleva en otras direcciones. Sus últimas composiciones están salpicadas de libertad e improvisación inspiradas por sus recientes experiencias con otras músicas y culturas y en sus vivencias fuera de Mongolia. Con su música, tan poco convencional Urna ha colaborado con muchos artistas de reconocimiento internacional entre los que destacan: el violinista húngaro Zoltan Lantos, Ramesh Shotham de la India, Muhammud Reza y Saam Schalamminfer de Asia central o el fantástico acordeonista polaco del grupo Kroke Jerzy Bawol.
http://urna.com/joomla/
http://espiritudelsur.com/artistas/urna-ensemble-mongolia-hungria-iran/


Urna Chahar-Tugchi (vocal)
Robert Zollitsch (zither, throat-singing)
Burintegus (morinkhur)
Ramesh Shotham (percussion)

01. Temeen yawudal
02. Arwan tawtai
03. Ordosiin hawur
04. Jamar
05. Ejin bogdiin hoyor jagal
06. Nagai eji bida hoyuulaan
07. Gajariin Oron
08. Tenggeriin Oron
09. Baruun Nomundalai
10. Banchan somo

Hevia - Obsession

En Septiembre de 2.007 Hevia editó su último disco “Obsessión”. Un trabajo en el que además de los sonidos de la gaita acústica y la flauta, ganan protagonismo sonidos novedosos creados por el propio artista y expresados a través de su gaita midi. Aunque a lo largo de su trayectoria, Hevia se ha inspirado en sonidos tradicionales que combinaba con modernidad, en este álbum las melodías de composición propia cobran más relevancia.

En sus discos siempre ha habido colaboradores coherentes con su discurso. En Obsessión, el Coro Minero de Turón aporta una increíble y emocionante fuerza en Albandi. El gran músico Ramón Prada orquestó a la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real que interpretó magistralmente la cuerda del disco. En Keltronic está presente el particular sonido de la excepcional Judith, una violinista celta de Cuenca. En The Morning Star, Carlos Aragón, uno de los luthiers de Hevia, Parrado y Aragón, aporta la magia de la uillean pipe. Faltriqueira suma intensidad con sus bellas voces en Carrandi. Joaquín Torres interpreta excelentemente la guitarra en Taranus.

El último tema “Lluz de Domingu”, es el tema central de la pelicula de José Luis Garci “Luz de Domingo”. En esta película, además, Hevia hace un cameo. Aparece tocando la gaita en una procesión al comienzo del largometraje.
http://blog.hevia.es/?p=18


01. Albo
02. Albandi
03. Obsessión
04. Los mártires de Rales
05. Vueltes
06. Carrandi
07. Soy pastor
08. Keltronic
09. Morning star
10. Keltic brass
11. Taranus
12. Lluz de domingu

Lo'Jo - Cinéma el Mundo

Subido por Marhali.

Lo´Jo, agrupación radicada en Francia y uno de los grupos de "fusión global" más prestigiosos del mundo, celebra sus treinta años de carrera con la publicación del álbum Cinéma el Mundo (2012). Quince piezas que son "la proyección de la vida en la gran pantalla. No el mundo de la música sino un mundo lleno de imágenes, colores, sonidos e historias".

Fundada en Anger (una apacible región situada en el lado occidental de Francia) por Denis Péan y el violinista Richard Bourreau, desde 1982 Lo´Jo desarrolla un proyecto a base de chanson francesa, dub reggae, sonidos arábigos, africanos y balcánicos con una sensibilidad poética y jazzística.

Cinéma el Mundo es su decimotercer álbum, y recoge las experiencias vividas en sus viajes por el amplio mundo: desde el sur del Sahara -donde organizaron la primera edición del Festival del Desierto en 2001 y sirvió para lanzar a los tuareg Tinariwen-, al Cáucaso, Isla de Reunión (Océano Índico), transitando por las ciudades de varios continentes, urbes como Agadir, Adelaide, Chicago, Nueva York, Buenos aires, Katmandú… Como indica su título, el disco es una presentación de la vida a ritmo cinematográfico en una producción única, con un arreglo de sonidos que captan el brillo melódico y la calidez de los ritmos de todo el mundo, así como la ternura de sus letras, y la profundidad de una poesía que se remonta al eco de los tiempos. Súmese a esto la perfección de voces e instrumentos, y las contribuciones de artistas como Robert Wyatt, Vincent Segal e Ibrahim de Tinariwen.

Piezas luminosas, ritmos cálidos, melodías que envuelven la poesía de las palabras… El resultado: un disco inolvidable.

01. At the Beginning
02. Tout est fragile
03. La Marseillaise en créole
04. Deux Bâtons
05. Magnétik
06. Au temps qui passe
07. Cinema El Mundo
08. Zetwal
09. Alger
10. Lila
11. El cabo blanco
12. Comète algébrique
13. Vientiane
14. African Dub crossing The Fantôms of an Opera
15. Au début

Taraf de Haidouks - Band of Gypsies (2001)

Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judet) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era postcomunista.

Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi literal sería "Banda de los hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lautari (músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen búlgaro, que significa "bandolero"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa).

La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceausescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranta Radulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.
http://es.wikipedia.org/wiki/Taraf_de_Ha%C3%AFdouks

En 2001 se unieron a la orquesta de vientos macedonia Koçani Orquestar para editar el disco “Band of Gypsies” (Crammed Discs), donde sintetizan esa irrepetible combinación de sonidos que recorren los Balcanes desde el Adriático hasta Turquía, con secciones de brass funky y ritmos modernos que se entremezclan con el folk centroeuropeo.
http://www.fronteramusical.com.ar/notas/taraf-de-haidouks.html

Los nombres históricos del grupo:
    Nicolae Neacsu ("Culai"), violín y voz, murió en septiembre de 2002
    Dumitru Baicu ("Cacurica"), pequeño cymbalom y voz, murió en septiembre de 2007
    Ion Manole ("Saica" ou "Bosorogu"), violín y voz, fallecido
    Ilie Iorga, voz, originario de Mârsa cerca de Clejani
    Paul Giuclea ("Pasalan"), violín y voz, originario de Mârsa
    Constantin Boieru Lautaru ("Costica"), violín y voz, originario de Mârsa
    Gheorghe Anghel ("Caliu"), violín
    Gheorghe Falcaru ("Fluierici"), flauta, contrabajo
    Marin Manole ("Marius"), acordeón
    Ionitsa Manole, acordeón

Integrantes invitados ocasionalmente:
    Constantin Sandu ("Dinu"): pequeño cymbalom y voz
    Florea Pârvan: contrabajo, acordeón y voz
    Marin Sandu: ("Tagoi"): contrabajo, acordeón y voz


Discografia:
1994: Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye
1994: Gypsy Music from Romania
1998: Dumbala Dumba
1998: Musiques des Tziganes de Roumanie
2001: Band of Gypsies
2007: Maškarada (sobre reinterpretaciones de la música rumana de Béla Bartók).

Värttinä - Aitara

Estas mujeres de tez blanquecina probablemente sean el elemento más exótico de un verano musical que apuesta por los trópicos. Representan la nueva ola de Finlandia, un país independiente desde hace menos de un siglo, de cuyos habitantes se dice que son los latinos de Escandinavia. A partir de las tradiciones de unas tierras cercanas al círculo polar, el grupo Värttinä ha logrado crear una música original y apasionada.

Värttinä, cuyo disco, Aitara, ocupó durante meses las listas europeas de música étnica. Värttinä, vieja palabra que designa el huso de una rueca "tiene que ver con la mujer y va bien con la música que hacemos, que gira muy rápido", dicen riendo, se fundó hará unos doce años en un pueblecito de Karelia. "Unas chicas se reunían para leer poemas y cantar canciones tradicionales. Más adelante pidieron a varios instrumentistas que les acompañaran", cuenta Sirpa Reiman, una de las cuatro vocalistas del grupo. "De acuerdo con las costumbres de hace cien años o más, mujeres y hombres solían cantar por separado. Las canciones cumplían una función, social. Las mujeres cantaban mientras lavaban la ropa y los hombres no se ocupaban de las tareas domésticas. Desde entonces las cosas han cambiado mucho", explica el violinista Kari Reiman. "Aquello tenía que ver con nuestra tradición del Kalevala, un tipo de poesía y una manera de contar historias, de instrumentos como el kantele [una especie de arpa de cinco cuerdas] y escalas pentatónicas, que, bajo el dominio de los suecos, se mantuvo tan solo en Karelia".

En cada entrevista surge inevitablemente el nombre de Karelia. Y les toca dar una clase de geografía e historia. Se lo toman con buen humor. "Es una región al este de Finlandia. Tras la Segunda Guerra Mundial, se trazaron nuevos límites, y una parte de ella, la más extensa, quedó dentro del territorio de la Unión Soviética. Pero la gente mantuvo su idioma. Ahora que la frontera está abierta, estamos más, en contacto unos con otros.

De Karelia viene esa extraña forma de cantar que Värttinä está llevando por el mundo. "Sari, la fundadora, quería que las chicas cantasen alto y fuerte y así precisamente cantaban las mujeres antaño. Estamos marcadas por voces como las búlgaras, por el setu estonio [armonías disonantes con intervalos de segunda y cuarta] o el róntyska ingrio [que se canta al unísono]. Finlandia ocupa una posición privilegiada, porque tenemos influencias de Oriente, de Occidente y del Sur".
http://elpais.com/diario/1995/07/02/madrid/804684261_850215.html

 

Vangelis and Irene Papas - Odes

Odes is an album of Greek folk songs by Irene Papas and Vangelis. All of the songs are traditional, except two which are original compositions by Vangelis. Recorded in Nemo studios, London 1979, the entirety of the album is performed and produced by Vangelis, with the addition of a five-people choir in the opening track and of course, Irene Papas' lead vocals. First issue of the album on compact disc was in Greece only (Polydor 833 864-2). A remastered edition was released by Universal Music in 2007.http://en.wikipedia.org/wiki/Odes_%28album%29

Contents

• 1 Track listing
• 2 Notes
• 3 References
• 4 External links

Track listing

1. "Les 40 Braves" (Gr: Σαράντα Παλικάρια; En: The 40 Young Men) – 5:19
2. "Neranzoula" (Le Petit Oranger) (Gr: Νερατζούλα; En: The Little Orange Tree) – 5:53
3. "La Danse du Feu" (Gr: Ο χορός της φωτιάς; En: Dance of fire) (Original Composition) – 6:06
4. "Les Kolokotronei" (Gr: Οι Κολοκοτρωναίοι; En: The Kolokotronis Family) – 3:20
5. "Le Fleuve" (Gr: Το Ποτάμι; En: The River) – 6:46
6. "Racines" (Gr: Οι ρίζες; En: The roots) (Original Composition) – 8:52
7. "Lamento" (Gr: Μοιρολοϊ; En: Lament) – 8:31
8. "Menousis" (Gr: Ο Μενούσης; En: Menousis) – 6:37

• Tracks 3 & 6 composed by Vangelis
• Tracks 1, 2, 4, 5, 7 & 8 were traditional, arranged by Vangelis with lyrics by Irene Papas and Arianna Stassinopoulos

Notes

"Les 40 Braves" describes 40 young men on their way to conquer the city of Tripolitsa during the Greek War of Independence. During their marching, they meet an old man, asking them where are they going and their answer is "to conquer the city of Tripolitsa"
"Neranzoula" is a description of a small orange tree, which is analogous for the state of Greece during Ottoman occupation.
"Dance of fire" is a small trilogy. In the first part, we are introduced in the Greek folk dance "Πυρίχιος", the second and third part describe rural landscapes of Greece, presumably seen through a shepherd's point of view (the 3rd part showcases the sound of Greek flute, which is usually being played by shepherds, during the herd's eating in the meadow)
"Les Kolokotronei" were one of the most important Greek families in the Greek Resistance and Independence movements. The lyrics describe the shame they feel from Turkish occupation of their land, in the amount that they never set foot on the land, until it's being freed. They do everything, riding on their horses. Fighting, going to church, celebrating etc.
"The river" talks about the overwhelming beauty of Jannes, a famous Greek river in Messinia, Peloponessos.
"The roots" is an expanded version of the aforementioned Greek country landscape. Here, Vangelis uses a similar arrangement, which at the same time has a strong resemblance to his older composition "we were all uprooted" from his "Earth" album.
"Lamento" is sung by a mother who has lost her daughter, described in the lyrics as a little boat, decorated for departure. The song describes the mother's pain at her loss and her daughter's denial to leave the world of the living.
"Menousis" describes the events of a character in folk tale (who was probably a real individual), who in his drunkenness kills his wife because of her supposed infidelity.

References

1. Jump up ^ Odes (album) at AllMusic. Retrieved January 27, 2012.
2. Jump up ^ Scaruffi, Piero (1999). "Vangelis". pieroscaruffi.com. Retrieved September 10, 2013.

External links

• Lyrics in English
• Lyrics in Greek
•  http://en.wikipedia.org/wiki/Odes_%28album%29

VA - Festival In The Desert

Created in January 2001, the Festival Au Desert is held every year in the North of Mali, usually in Essakane, two hours from Timbuktu; sometimes directly at Timbuktu. It is organized by AITMA and EFES Associations together with Essakane Production. This festival seeks its origin in the big traditional Touareg festivities, as Takoubelt in Kidal and Temakannit in Timbuktu, which represented for a long time a place for decision making and exchange of information among the different communities. At the beginning, there were songs and touareg dances, poetries, camel rides and games.
Today, the Festival is opened to the external world and welcomes artists from other Malian regions, other African countries, but also from Europe and the rest of the world. During three days, around 30 artistic groups are invited from all around the world to present their art. "It's one of the few honest things I have been part of in a long, long time. It's amazing to play out in the sand. There are no doors, no gates and no money. It reminded me of why I sang in the first place. It's not commercialized." Robert Plant (Rolling Stone/March 6, 2003)
The Touaregs, nomads from the south of the Sahara, have a longstanding tradition of coming together for annual meetings called Takoubelt in the Kidal region or Temakannit in the Timbuktu region. These meetings allowed them to reconnect with each other (after the nomadic season), have fun, resolve conflicts between individuals or groups and to exchange ideas about the challenges that they were facing at the moment. These encounters are what “Le Festival au Désert” is built upon. “Le Festival au Désert”, in its present form was born in January 2001, at the dawn of the third millennium, following a meeting between Touaregs from Mali and European musicians.
The organization of the Festival, with its focus on combining modernity and tradition, is driven by a strong desire to open its doors to the outside world, while still preserving the cultures and traditions of the desert; for some this signifies being listened to and then recognized, for others it is a way to discover the desert through the inhabitants’ values of hospitality and tolerance. In the beginning, the Festival was nomadic in its nature: the first Festival took place in Tin Essako in 2001 and then it moved to Tessalit in 2002 in the Kidal region (North-East Mali). However, after the 3rd year in 2003, when the Festival was held in Essakane close to Timbuktu, the organizers had to start envisioning a fixed location for the Festival in light of the enormous preparation required and the ever-growing public interest and attendants. It’s in this way that we decided to make Essakane the permanent site of the Festival in order to begin building durable installations that could be used in the context of tourism promotion.
“Le Festival au Désert” is also a way to celebrate “La Flamme de la Paix” (The Flame of Peace), a name that was given to the ceremony where more than 3000 firearms were burned (and transformed into a monument) in 1996 in Timbuktu, putting a solemn end to the rebellion that, for years, shrouded northern Mali in gloom. Until today, this act still constitutes an example of how to manage conflicts, a model that ignites inspiration throughout the world. The major position that culture has taken in occidental economies prefigures the position that culture will have in the southern economies in a few years. Thus, “Le Festival au Désert” would like to become a factor in job creation in the near region, thereby promoting local development as well as bringing together the people of the earth.http://www.festival-au-desert.org/

01 - Takamba Super Onze (Mali) - Super 11
02 - Afel Bocoum (Mali) - Buri baalal
03 - Tartit (Mali) - Tihar bayatin
04 - Robert Plant &Justin Adams (UK) - Win my trainfare home
05 - Sedoum Ehl Aïda (Mauritania) - Ya moulana
06 - Lo 'Jo +Django (France /Mali) - Jah kas cool boy
07 - Oumou Sangaré (Mali) - Wayena
08 - Ali Farka Touré (Mali) - Karaw
09 - Tinariwen (Mali) - Aldachan manin
10 - Adama Yalomba (Mali) - Politique
11 - Tidawt (Niger) - Ariyalan
12 - Ludovico Einaudi &Ballaké Sissoko (Italy /Mali) - Chameaux
13 - Kel Tin Lokeine (Mali) - Ihama
14 - Kwal +Foy-Foy (France /Mali) - Le juge mant
15 - Tindé (Mali) - Wana
16 - Aïcha Mint Chigaly (Mauritania) - Koultouleili-khalett là
17 - Igbayen (Mali) - Oubilalian
18 - Baba Salah (Mali) - Fady yeïna
19 - Blackfi re (USA) - What do you see
20 - Django (Mali) - Laisse-moi dire

VA - Beginner's Guide to World Music (3CD)

This is the first ever 3CD box on Nascente which will also to coincide with Nascente's impending 100th release and the 11th succesful year for the label. The album acts as a sampler for Nascente and features the best of the albums on the Nascente label over the last few years. To make the box-set a little more interesting we have compiled it in a "moods-themed" format crossing geographical boundaries at every opportunity!







♦ CD1 - World Party (00:41:16)
♦ CD2 - World Cafe (00:46:28)
♦ CD3 - World Chill (00:52:05)


Disco: 1
1. Eddie Palmieri - Ay Que Rico [Puerto Rico/USA]
2. Kanda Bongo Man - Zing Zong [Congo]
3. Ray Barretto - New York Soul [Puerto Rico/USA]
4. Mongo Santamaria - Lady Marmalade [Cuba/USA]
5. Mahlathini & The Mahotella Queens - Melodi Ya Lla [South Africa]
6. Celia Cruz - Bemba Colora [Cuba/USA]
7. Joe Bataan - Subway Joe [Puerto Rico/USA]
8. Big Sky - Las Temporadas [Scotland]
9. Marcos Valle - Para De Fazer [4 Hero Remix] [Brazil]
10. Beny More - Babarabatiri [Cuba]

Disco: 2 
1. Compay Segundo - Macusa [Cuba] 
2. Youssou N'Dour - Mercy [Senegal] 
3. Fania All Stars feat. Celia Cruz - Bamboleo [Puerto Rico/USA/Cuba] 
4. Pepe Kalle & Nyboma - Eve Matako [Congo] 
5. Tito Puente - Safari [Puerto Rico/USA] 
6. Baaba Maal - Demgalam [Senegal] 
7. Hamid Baroudi - Caravan To Baghdad [Algeria] 
8. Omara Portuondo - La Ultima Noche [Cuba] 
9. Los Zafiros - Bossa Cubana [Cuba] 
10. Mauricio Pereira - Imbarueri [Brazil]

Disco: 3 
1. Ladysmith Black Mambazo - Homeless [South Africa] 
2. Habib Koite - Wassiye [Mali] 
3. Nusrat Fateh Ali Khan - Sab Vird Karo Allah Allah [Pakistan] 
4. Suba - Felicidade [Brazil] 
5. Grupo Raison - Guajira Guantanamera [Cuba] 
6. Renato Braz - Do Pila [Brazil] 
7. Songhai 2 - Pozo Del Deseo [Spain/Mali/UK] 
8. Cheikh Lo - Ne La Thiass [Senegal] 
9. Ali Farka Toure - Hawa Dolo [Mali] 
10. Winston Mankunku Ngazi - Yakhal' Inkomo [South Africa]

Alkistis Protopsalti & Goran Bregovic - Paradextika (1991)

The Great Greek diva Alkistis Protopsalti and Goran Bregovic, Greece and the Balkans united by music. The fusion of Alkistis' voice interpreting Balkan songs in Greek tradition and instrumental base half-Balkan half-Greek. The result is a delight for the senses. The combination of this union in this album achieves a stunning level of transmission. I hope you enjoy it.

My next album was a significant milestone on my musical journey. It was summer and a friend of mine, Costas Cotoulas, suggested that I see Emil Kusturitsa’s film “THE TIME OF THE GYPSIES” mainly to hear Goran Bregovic’s songs and music. It was love at first sight. The experiences we lived through with the gypsies are unforgettable. Their unconventional way of life, their inconsistency, their nonexistent professionalism all faded as soon as they entered the studio.

Their passion, energy and talent not only flooded the recording studio but also our hearts. Goran Bregovic is charismatic. So is Lina Nikolakopoulou whose lyrics achieved the absolute in expression. Aristidis Moschos playing the sandouri in his orchestra perfectly blended the Greek and the Gypsy souls. Sealing this collaboration Moschos gave me the song SAGAPO GIATI EISAI ORAIA which he had written many years ago for the sole companion of his life, Mrs. Angelika.



 En una entrevista Alkistis Protopsalti dice:
Mi álbum Paradextika fue un hito importante en mi viaje musical. Era verano y un amigo mío, Costas Cotoulas, me sugirió que viera la película de Emir Kusturica "El tiempo de los gitanos", principalmente para escuchar las canciones y la música de Goran Bregovic. Fue amor a primera vista. Las experiencias que vivimos a través de la musica de los gitanos son inolvidables. Su forma no convencional de la vida, su inconsistencia, su inexistente profesionalidad todo se desvaneció tan pronto como entramos en el estudio.
Su pasión, la energía y el talento no sólo inundaron el estudio de grabación, sino también a nuestros corazones. Goran Bregovic es un personaje carismático.
Lina Nikolakopoulou con sus letras ha logrado la absoluta belleza en la expresión.
Moschos Aristidis tocando el sandouri con su orquesta, combinan perfectamente el griego y las almas gitanas.

Alkistis Protopsalti: Voice
Ferus Mustafof: Saksofono - Klarino
Kazim Agusev: Trompeta
Dear Mendy: Drums - tarampoula
Mahmut Muzafer: zournas - tapan
Usein Suat: Kithara
Dragan Vucic: Mpaso - Kithara
Damir Imeri: Synthesaiser - akordeon
Goran Bregovic: Kithara - krousta- mpaso

1. Mauro xioni
2. Venzinadiko (Kustino Oro)
3. Theos an einai
4. Paradextika
5. Orkos
6. Toy Ai Giorgi (Ederlezi)
7. Natan i xara oikopedo (Borino Oro)
8. Triantafillaki
9. S'agapo
10. Pira xari

Melina Moguilevsky - Arbola [Argentina]

Y un día, la botánica amorosa hizo florecer una voz finita finita. La voz finita que está detrás del disco Arbola.
Arbola es un soundtrack que hay que tratar con cariño. Llevarlo al campo. Hacerlo sonar sobre el pasto, bajo el sol, o de noche, bajo las estrellas. Un disco perfecto para primaverear. Para esperar que llegue el calor, pollerita blanca a la sombra, pies descalzos. Para que desde atrás, o desde el fondo, suenen también los pájaros. Es un poco triste, sí. Por eso es mejor hacerlo florecer al aire libre.
Arbola es el primer disco de Melina Moguilevsky y tiene, por ejemplo, esta canción, que dice esto:

    
  “Por los campos va la niña
    perdida en la dicha
    por los campos va la niña
    amarilla
    ...
    Con los ojos más ligeros
    va la niña
    ...
    Va la niña y ella no sabe
    que la tarde será del río.”

Y hay más. La voz finita finita también aparece en Imantás:

    “El tiempo se fue se fue de mí
    doy gracias que
    mi voz se quedó aquí
    en mí y en ti
    ...
    Doy gracias que
    vos te quedaste
    en mí en mí.”

Y todavía hay más. Arbola tiene, entre su docena de hermosas y luminosas canciones, una adaptación de un poema de Alejandra Pizarnik (“Canción para el yacente”), otra variación sobre el poema “La Cama” de Juan Gelman (“Mis manos, tu rostro”) y versiones muy personales de “8 de Octubre” de Hermeto Pascoal, y de ” Loro” de Egberto Gismonti.
http://www.clarin.com/discos/Debutantes-Melina_Moguilevsky_0_784721716.html
http://www.melinamoguilevsky.com.ar/
http://melinamoguilevsky.bandcamp.com/


Músicos
Melina Moguilevsky Voz, piano y composición
Nicolas Ospina Piano y voz
Ezequiel Dutil Contrabajo
Mario Gusso Percusión

Músicos Invitados
Marcelo Moguilevsky Armonica en tema 6, Claron en tema 10 u Duduk en tema 12
Jonatan Szer Triangulo en tema 8

Damián Verdún - Aguarriba [Argentina]

El folclore y los instrumentos estrechamente vinculados a la música argentina tuvieron una presencia permanente en la vida de Damián Verdún. Hijo de músicos, fue acercándose a distintos estilos musicales a través de diversas herramientas hasta que, en 2006 y después de un período alejado de los pentagramas, se reencontró con el charango. Desde entonces, el rosarino se lanzó a la búsqueda de una voz propia mediante la interpretación de un repertorio poco vinculado al instrumento.

Según relata Verdún, la relación con su instrumento está emparentada "con la raíz familiar". Y fue precisamente junto a sus padres con los que, en 2006, emprendió un viaje que resultaría clave para retomar ciertos vínculos: "Para abril de ese año fui con mis viejos a Jujuy, a un evento que se hace siempre para Pascuas en Tilcara, cuando se lleva una virgen a Punta Corral, donde la gente va caminando y van tocando las bandas de sikuris. Después de ahí nos fuimos a Humahuaca, a la peña de Ricardo Vilca, que era amigo de mis viejos. En ese momento yo no estaba haciendo nada con la música, me había alejado por unos años, no sabía qué hacer. Pero cuando volví a ese paisaje, a lugares a los que había ido de chico y me habían impactado mucho, cuando volví a la casa de Vilca, toqué con él, compartimos su música, y me volvieron recuerdos y sensaciones muy lindas. Más que nada con la música de Ricardo Vilca, una música que me emocionaba mucho de chico".

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-23094-2010-04-09.html
http://www.damianverdun.com/#692/wordpress
http://damianverdun.bandcamp.com/album/aguarriba-dami-n-verd-n

Taksim Trio - Taksim Trio 2 (2013)

Desde Estambul Turkia...
De nuevo el mago del clarinete Hüsnü Senlendirici con su agrupacion Taksim Trio

Hüsnü Senlendirici (clarinete)
Aytaç Dogan (cítara)
Ismail Tunçbilek (saz)

Oneira -Tâle Yâd

En ces temps agressifs, où l’on nous assigne une cure, une peine, et presque un destin rétréci, les propositions poétiques d’ONEIRA – à mille lieues d’un distrayant lyrisme New Age – offrent une nourriture émotionnelle qui permet de croire au monde plutôt que le comprendre. Cette innocence banale, si on y réfléchit bien, se révèle incroyablement mobilisatrice : loin d’abstraire de la réalité, elle réveille en nous la palpitation vitale, par cette audace dont Goethe rappelle qu’elle renferme en elle génie, pouvoir, et magie.
Ainsi va la musique d’ONEIRA, audacieuse par son branchement de la tradition sur l’invention. Ainsi va TÂLE YÂD (Mémoire d’étoile en persan), une collection de chansons semblable à une noce villageoise au cœur de la belle saison, riche en rencontres et en partages.
Nourri au sérail familial de la percussion iranienne, Bijan CHEMIRANI est l’initiateur de ce projet hors du commun. Attentif et valorisant les apports de chacun, Bijan confirme des talents brillants d’arrangeur.
Maryam CHEMIRANI et Maria SIMOGLU offrent par la modulation de leurs voix tant de variables simultanées qu’il faut souligner le mérite des ingé-sons de les avoir toutes restituées ! Tantôt chœur vibrant, véritable essaim d’abeilles en surchauffe qui allument l’ensemble instrumental sur de furieuses cadences (Ferdows Dami et On se tend). Tantôt sur des mélodies qui rendent grâce ou des mélopées plus graves : dans Sorcière, traditionnel Finlandais, c’est un petit miracle d’ONEIRA qui harmonise et laisse distinguer, au cœur d’un univers méditerranéen, la scansion sèche et la sauvagerie du Joik de Laponie. http://lamaisonjaune53.wordpress.com/2012/02/18/tale-yad-la-memoire-invisible-doneira/

01. Ferdows Dami
02. Apopse Ta Mesanyhta
03. On Se Tend
04. Sorciere
05. Rah
06. La Bourdique
07. Hassan - Chabi Majnoun
08. 21
09. Filoi Mou Sa Tha Vriskeste
10. Negar
11. Mou'pe Mia Magissa
12. Sanama
13. Brumes
14. To Fileman
15. Dins Leis Auras
16. Deep Blue