En diciembre de 2010 salió el último disco de Imam Baildi, The Imam Baildi Cookbook (Recetario de Imam Baildi). Sus sonidos nos recuerdan a una orquesta griega de los años 50 revisitados e interpretados a través de instrumentos actuales y modernos.
Imam Baildi se creó en 2005 por los hermanos Orestis y Lyssandros Falireas, los cuales empezaron a mezclar melodías griegas de los años 1940, 50 y 60. El primer disco fue producido por Imam Baildi y con su propio sello (Kukin Music) y fue publicado por EMI Grecia. El segundo disco del grupo alcanzó el puesto 5 del Europa World Music Charts y permaneció en las listas más de 5 meses.
El toque de las antiguas melodías griegas y la música balcánica sirven de base para un sonido rítmico con percusiones, hiphop, rumba y ritmos de samba, todo ello aderezado por el saxo, clarinete, trompeta y solos de gaita además de la presencia del bouzouki típico e imprescindible del rembetiko y toques de guitarra zingara. No se puede olvidar la voz: MC Yinka anima a la multitud con su ragga jovial, y Rena Morfi llega a los corazones del público con su voz conmovedora. El resultado, un disco que procede principalmente de sus potentes directos, de composiciones recientes y de música balcánica, un trabajo para hacer bailar a todo el mundo.
01. Carantino Manouche 02. Busca Ritmo 03. Akroyialies Dilina (Akrogialies Dilina) 04. La Rumba No Miente 05. Loyia Adallaxame Varia (Logia Adallaxame Varia) 06. To Diko Sou To Marazi (To Diko Sou To Marazi) 07. Thlipsi (Thlipsi) 08. Kaϊxis (Kaixis) 09. Egypt Strut 10. Aryile Moth Yiati Svinis (Argile Mou Giati Svinis) 11. Ena Hasaposerviko (Hasaposerviko) 12. Ki Allo Hasaposerviko (And Another Hasaposerviko) 13. Ta Pedia Tis Gitonias Sou (Ta Paidia Tis Gitonias Sou) 14. Ta Hartina (Ta Hartina) 15. Lullaby
Odes is an album of Greek folk songs by Irene Papas and Vangelis. All of the songs are traditional, except two which are original compositions by Vangelis. Recorded in Nemo studios, London 1979, the entirety of the album is performed and produced by Vangelis, with the addition of a five-people choir in the opening track and of course, Irene Papas' lead vocals. First issue of the album on compact disc was in Greece only (Polydor 833 864-2). A remastered edition was released by Universal Music in 2007.http://en.wikipedia.org/wiki/Odes_%28album%29
"Les 40 Braves" describes 40 young men on their way to conquer the city of Tripolitsa during the Greek War of Independence. During their marching, they meet an old man, asking them where are they going and their answer is "to conquer the city of Tripolitsa" "Neranzoula" is a description of a small orange tree, which is analogous for the state of Greece during Ottoman occupation. "Dance of fire" is a small trilogy. In the first part, we are introduced in the Greek folk dance "Πυρίχιος", the second and third part describe rural landscapes of Greece, presumably seen through a shepherd's point of view (the 3rd part showcases the sound of Greek flute, which is usually being played by shepherds, during the herd's eating in the meadow) "Les Kolokotronei" were one of the most important Greek families in the Greek Resistance and Independence movements. The lyrics describe the shame they feel from Turkish occupation of their land, in the amount that they never set foot on the land, until it's being freed. They do everything, riding on their horses. Fighting, going to church, celebrating etc. "The river" talks about the overwhelming beauty of Jannes, a famous Greek river in Messinia, Peloponessos. "The roots" is an expanded version of the aforementioned Greek country landscape. Here, Vangelis uses a similar arrangement, which at the same time has a strong resemblance to his older composition "we were all uprooted" from his "Earth" album. "Lamento" is sung by a mother who has lost her daughter, described in the lyrics as a little boat, decorated for departure. The song describes the mother's pain at her loss and her daughter's denial to leave the world of the living. "Menousis" describes the events of a character in folk tale (who was probably a real individual), who in his drunkenness kills his wife because of her supposed infidelity.
Nuestro hombre de Odessa (OMFO para abreviar) ha decidido combinar el folclore de Europa del Este y la electrónica kitsch, para una suplantación del título de uno de los más conocidos Lps de Kraftwerk. La canción de Trans Balkan Express en realidad comienza con los acordes ascendentes de "Trans-Europe Express" que desempeña un acordeón sobre un traqueteo del tren como loop. La pista rápidamente elige su propio camino, dominado por una melodía de estilo balcánico, pero el espíritu sigue siendo de Kraftwerk en el acompañamiento electrónico, y este tipo de humor impregna todo el disco. Acordeón, duduk, cymbalom y arpa Judia, melodías de plomo en canciones de bodas extravagantes desatadas sobre ritmos beatbox. O.M.F.O. de vez en cuando agrega tratamientos dub para enfatizar aún más su fusión entre las culturas. Ninguna cultura europea está a salvo de bien intencionados robos de OMFO: Moravia, Rusia, Macedoni y Turkia (y probablemente algunos más!) "Gutsul Electro" es una revisión de Giorgio Moroder. "Chupino" y "Drimba'n' Bass" son tonadas populares disfrazadas de himnos retro-futuristas. El acordeón se le da una característica especial en el tercio central del álbum, el cual tiende a ralentizar el ritmo (no por el ritmo, pero la diferencia en variedad) y no siempre se dan resultados convincentes, como en "Sirtaki en Marte ", pero ese es el único caso en que la receta de OMFO falla. Todo lo demás es maravillosamente variado, alegre, imprevisible, y de buen humor. "Space Dub Hora", con su flauta entrecortada, proporciona un toque de luz más lento, mientras que "Electro Gutsul", "Chachak", "Drimba'n' Bass" y la pista del título destacan como todas irresistiblemente. A pesar de su alto valor de entretenimiento, Trans Balkan Express va más allá de la exitosa novedad, este es el tipo de álbum que podía apreciar durante mucho tiempo. ~ François Couture
OMFO is German Popov's stage name. He was born in 1966 in the port city of Odessa, USSR. Growing up in the biggest country in the world and being brainwashed by communist propaganda he proudly marched through the glory and misery of Soviet reality until all this came to an end. Unable to endure the pain inflicted by Perestroika G. Popov headed for the west, arriving in multicultural Amsterdam - a city associated with tolerant cannabis policy and frivolous behaviour.
This is the album for present day shepherds. You can enjoy it listening alone, immersed in your own shepherd fantasies or dancing with a fellow shepherd or shepherdess. These incessant rhythmic pulsations, captivating tone colors and sound effects of electronic and acoustic instruments, as well as unpretentious and plain melodic patterns, create an uncommon but contemporary feeling. Even your flock of sheep might experience a cosmically unreal and transient state, resulting in good production of milk'n'wool. http://www.omfo.net/
El músico camerunés Francis Bebey es verdaderamente único en su clase. Entró en la escena musical con sus composiciones africanos para guitarra clásica. Dio recitales mientras que una carrera en el periodismo y luego como funcionario internacional. El mismo impulso creativo también lo llevó a escribir canciones pop, y algunos de los cuales (basada en las novelas que había escrito) se convirtieron en grandes éxitos en África y en el mundo francófono. Pero pocas personas saben que en los años 70, Francis Bebey se adentró en la música electrónica. Los teclados electrónicos, los órganos de primera y cajas de ritmos le ofrecía nuevas posibilidades de controlar totalmente sus composiciones. Abrazó a la técnica de sonido en la grabación de sonido (grabación de varias pistas, de forma secuencial yuxtapuestas en la misma cinta). Esta nueva etapa en su carrera musical incluyó la producción de varios registros (Savannah Georgia, New Track, Haití), rarezas, tanto para sus exploraciones creativas, así como sus manifestaciones en vinilo. Este fue un período particularmente rico para él, como lo probaron las ilimitadas posibilidades del medio, e hizo uso de instrumentos sorprendentes y novedosos.
01 New Track 08:18 02 La Condition Masculine 03:24 03 Wuma Te 05:28 04 Divorce Pygmee 05:28 05 Fleur Tropicale 03:53 06 Tiers Monde 03:26 07 Agatha 07:06 08 Pygmy Love Song 03:50 09 Catching Up 02:37 10 Sahel 05:08 11 The Coffee Cola Song 05:06 12 Super Jingle 09:18 13 Savanah Georgia 03:32 14 Il Ny A Pas De Crocodiles A Cocody 02:39
Serpent's Garden combines the traditional sounds of the Middle East, North Africa and Central Asia with a hip, modenr twist on ethnic dance music. Mosavo collaborates with world music greats such as the Al-Ahram Orchestra, Mohamed Ali Ensemble, Naked Rhythm, Amer Ammouri and Setrak Sarkissian
1. Mystic Caravan 2. Goddess Chant 3. Serpent's Rapture 4. Teasing Ways 5. Sapurey's Mantra 6. Havasi the Minstrel 7. Drum Seduction 8. Spellbound 9. Rumi's Passion 10, Lonely Star by the Sea 11. Cirque Du Flame 12. Across the Bosphorus
Kongar-ol Ondar (Tuvan: Ондар Коңгар-оол) is a master Tuvan throat singer and a member of the Great Khural of Tuva. Ondar was born in 1962 near the Khemchik River in western Tuva. Considered a living treasure by the Republic of Tuva, Ondar is granted a stipend and an apartment for the musical skills he possesses. Jovial and personable, Ondar is probably the best-known face of khöömei (Tuvan: хөөмей) throat singing to Westerners, appearing on the Late Show with David Letterman and in interviews for CNN and other networks. In the Central Asian tradition of self-fulfilling child naming, Kongar-ol literally translates to "loud boy." Ondar is also known outside Tuva for inviting American blues musician Paul Pena to Tuva. Pena, who had learned throat singing before coming to Tuva, was the subject of the documentary Genghis Blues in which Ondar was also featured. He also appears on the Béla Fleck and the Flecktones albums Outbound, album/DVD Live at the Quick, and Jingle All the Way. He released one album on Warner Bros. Records titled Back Tuva Future.+WIKI
La sabiduría, la iluminación y el calor de las antiguas culturas de Asia se combinan bien con arreglos innovadores y productivos. Más que nunca los sonidos asiáticos están anclados en lo que llamamos música de club occidental. El creciente movimiento de los inmigrantes en Europa y América traen los sonidos tradicionales del sudeste asiático a las culturas occidentales. Estos sonidos se mezclaban con vibraciones de escenas populares de clubes locales. Esto resultó un triunfo global de estilos de nuevo desarrollo, los sonidos orientales se integran en su cosmos y lo llevan a la pista de baile. Red Buddha se convirtió en uno de los cazadores más importantes y coleccionistas de esta música y también un productor fantástico, en la compilacion de "China Lounge", pone su amor por Asia.
01. Bai Kwong - Waiting 4 You (5:40) 02. Dubdiver - Night Tides (6:22) 03. The Shanghai Restoration Project - Pudong New District (4:42) 04. Li Xiang-Lan - Plum Blossom (2:58) 05. Red Buddha - White Bamboo (6:55) 06. Remix By Ian Widergy - Remind Me (4:35) 07. Sow Keng Poon - Lover's Tears (5:47) 08. TMSK Ensemble - Jade Love (2:57) 09. The Shanghai Restoration Project - Miss Shanghai (3:16) 10. Remix By Ian Widergy - Let Your Bird Free (6:37) 11. Linda Wong - Tongli Water Garden (6:28) 12. TMSK Ensemble - Yi's Dance (6:13) 13. Red Buddha - Spirit Of Ladakh (6:30)
Marc-George Andersen y Steffen Aaskoven (Bliss) forman uno de esos grupos de ambient con toques étnicos que se iniciaron a principios de la década. Desde entonces han vendido más de 100.000 álbumes y aparecen en más de 300 ocasiones en compilaciones como Buddha Bar, Hotel Costes, Luftkastellet o Cafe del Mar. De "Kissing", su tema más conocido, se han vendido más de 4 millones de copias, en parte, gracias a ser uno de los temas principales de la BSO de "Sex and the City - La película", y el álbum que lo contenía, Quiet Letters (2003), llegó al número 1 de iTunes en USA.
Y con "No One Built This Moment" la historia sigue como si el tiempo no hubiera pasado. No ha habido apenas evolución. ¿Pero quién la quiere cuando suenan tan bien? Seguimos encontrando las melodías pausadas, toques indios, piano, violines y sensuales vocales femeninas. Si bien esta vez Bliss ha contado con la colaboración destacada de Boy George (Culture Club), que pone la voz al tema "American Heart" junto a Alexandra Hamnede, siendo, además, single de lanzamiento. Y es que el álbum está repleto de colaboraciones, Lisbeth Scott, Ane Brun, Merethe Sveistrup o Sophie Barker, vocal de Zero7, que canta en un total de seis temas, y que ya estuvo presente en Quiet Letters.
Con este nuevo trabajo Bliss ha añadido varias nuevas joyas a su colección particular. Si antes eran "Kissing", "Remember My Name", "Sleep Will Come", "Breathe", "Song for Olabi" o "Wish you were here", ahora podemos añadir, sin duda alguna, "Calling", "Trust in Your Love" - tremendo tema con Ane Brun -, "Stop Me" o "Light To Your Life". http://www.onlyhousemusic.org/Bliss-No-One-Built-This-Moment-ra268.html
TrackList 01. People Among Us 02. Calling [feat. Sophie Barker] 03. Trust In Your Love [feat. Ane Brun] 04. Overture [feat. Sophie Barker & Merethe Sveistrup] 05. So Still [feat. Sophie Barker] 06. American Heart [feat. Boy George & Alexandra Hamnede] 07. Mivahetsek [feat. Lisbeth Scott] 08. Bascar Azad [feat. Lisbeth Scott] 09. Stop Me [feat. Sophie Barker] 10. Light To Your Life [feat. Sophie Barker] 11. The Hope [feat. Sophie Barker, Lisbeth Scott & Merethe Sveistrup]
São Paulo Confessions is an album by the Serbian-born musician Suba—his musical account of life in that humid, foggy, and manic megalopolis. Core musicians on the album are then 21-year-old vocalist Cibelle, and veteran percussionist João Parahyba; additional musicians include mangue band Mestre Ambrósio, and guitarists Roberto Frejat, Edgar Scandurra, and Andre Geraissatti, and vocalists Katia B., Taciana, Joana Jones and Arnaldo Antunes. Para este álbum, Suba contó con la colaboración de la mencionada Cibelle (que ya ha emprendido su carrera en solitario), del maestro percusionista João Parahyba, de los vocalistas Katia B., Taciana, Joana Jones y Arnaldo Antunes, así como de los guitarristas Roberto Frejat, Edgar Scandurra y Andre Geraissatti, una pequeña formación que, bajo la batuta del yugoslavo (que interpreta el piano), crean unas melodías y acompañamientos con la gracia y frescura de la mejor música brasileña, aunque buena parte de esta frescura resida ya en sus inspiradas composiciones. A esto él añade (aunque esta palabra no es muy acertada porque eso es justamente lo que no es, un añadido, contrariamente a lo que sucede con muchas propuestas electrónicas) un uso magistral de las máquinas, de los samples, los loops y la programación. Gracias a Suba la acústica y la electrónica no son dos elementos separados a los que se obliga a unirse en el estudio, sino que van de la mano con la naturalidad y armonía de una pareja de enamorados. http://en.wikipedia.org/wiki/S%C3%A3o_Paulo_Confessions
01. Tantos desejos (So many desires) 02. Você gosta (I know what you like) 03. Na neblina (In the fog) 04. Segredo (Secret) 05. Antropofagos (Cannibals) 06. A felicidade (Happiness) 07. Um dia comun (A normal day) 08. Sereia (Mermaid) 09. Samba do gringo paulista (Paulista Gringo's Samba) 10. Abraço (Embrace) 11. Pecados de madrugada (Sins bifore dawn) 12. A noite sem fim (The endless night)
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida". Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo. A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público. "Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur. Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie. http://es.wikipedia.org/wiki/Mike_Oldfield
01- Guilty 02- Family Man 03- Five Miles Out 04- Moonlight Shadow 05- Shadow On The Wall 06- To France 07- Etude 08- Magic Touch 09- Islands 10- Heaven?s Open 11- Tattoo 12- The Song Of The Sun 13- Summit Day 14- Lake Constance 15- Broad Sunlit Uplands 16- The Doge?s Palace 17- Amber Light 18- Angelique 19- On My Heart
Airtist is a unique music project that creates the atmosphere of electronic dance music with ancient instruments and human voice. The Didgeridoo, the Jew’s harp and the human beatbox together create an unmatchable soundworld that is so typical to Airtist. The band don’t use any electronically produced sound. Only the natural vibration of their instruments is what makes people dance. This music could have been played thousands of years ago the same way. “These three guys just went up on the stage with nothing that seemed to be an instrument. One of them had a big wooden stick -a didjeridoo- in his hand, the other held a little piece of iron between his teeth -probably a Jew’s harp- and the third guy had nothing but his voice. But after the first seconds of their concert the audience experienced the most energyful, dancable, ancient party music ever. The whole crowd started dancing within a minute. The incredible sounds produced without any electronic equipment blew our mind and moved our body for the entire concert and after…” – Komlós István Airtist is a result of fortunate encounters of three musicians. In a magical moment at the Israeli Didgeridoo Festival Markus Meurer didgeridoo player and Áron Szilágyi Jew’s harpist performed together with the beatboxer Inon in 2006. All of a sudden an emotional and acoustic storm dragged more than a thousand people to dance. This had to be carried on, so Markus and Áron kept their eyes and ears open to find a great beatboxer in Europe to join them. A few months later Áron met the perfect third, Döme the virtuoso beatbox champion who was eager to join the guys and make Airtist complete. Áron Szilágyi: Jew’s harps Markus Meurer: Didgeridoo Döme: Human beatbox “Our aim is to make the most elementary dance music with the most ancient instruments using the oldest element: air. We make music that sounds electronic, although it could have been played the same way thousands of years ago, too. No samples, no computers, no loops, only human voice, didgeridoo, Jew’s harp and air.” http://www.records.aural.hu/e.htm
Ganga Giri mixes red natural elements with fat tribal beats and dirty funky bass lines to create a unique tribal-technological deep earth dance experience. Explosive and pulsating, at times ambient and flowing, the music is a pumping percussive multi-layered experience of complex grooves and raw, deep natural sound.
“Ganga Giri is a wonderful musician. I first heard him at a Womad festival, and loved the mix of his ancient and primitive instrument with a wide range of great dance grooves. Ganga is really taking the didjeridu to places it has never been before and developing a unique style of music.”<<<Peter Gabriel>>>
http://www.gangagiri.com While Ganga Giri now mixes techno-rock and other forms of pop music into his didgeridoo compositions, Termite Grooves is an absolute CLASSIC to many afficionados. This is the CD that had us absolutely captivated with Ganga Giri’s original style.While his newer music is gaining him fans across most of Europe and in his home of Australia, this CD is worth getting for its more traditional style. We listen to this CD more often than many other didge albums and never, ever get tired of it. Didgeridoo is an instrument that falls into the classification of aerophone, like the alpenhorn, and a monotone–that is, it has one basic droning note. But the virtuoso player can make it yelp, sing, howl, beat out a rhythm and hum marvelously. It is supposed to have healing properties. And of course, it is sacred to the Aborigines of Arnhem Land and other parts of the Australian Outback. The didge is popular in Europe, especially Germany and Switzerland, where it has been taken up with great skill and enthusiasm. It is less popular in the US, but its time will come. Listen to Termite Grooves. If you love World Music or New Age, you will really enjoy this album.
1 Didge Dance 2 Haha Kookaburra 3 Storm Coming 4 Night Flight 5 Earth Funk 6 Old Henry Mulga 7 Ant Dance 8 Flinstones
Era perfectamente lógico que Nitin Sawhney, un artista que por entonces había compuesto casi una treintena de bandas sonoras, y que aparecería recurrentemente en tertulias políticas en la televisión británica, decidiese aunar ambas facetas en un mismo álbum. Last Days of Meaning no es una banda sonora, no existe ninguna pieza audiovisual en la que suenen estas piezas, pero sí fue concebida como tal, siguiendo una lógica narrativa. En ese sentido, forma parte de la categoría de las falsas bandas sonoras, aquellas que imitan de manera más o menos rigurosa las peculiaridades de tan codificadas creaciones musicales. También es una obra socialmente comprometida, de las que reciben la discutible etiqueta de ‘políticas’: ¿acaso la música que nos vende un despreocupado mundo consumista no es política también? London Undersound ya ofreció una emotiva y lúcida mirada a los atentados terroristas que sufrió Londres el 7 de julio del 2005, y ésta es una interesante continuación, musical y temática.
Last Days of Meaning, poético título, nos presenta a Donald Meaning, un huraño anciano que se encierra en una habitación con la única compañía de una grabadora enviada por su ex-mujer. En el ocaso de su vida, tiene miedo de lo desconocido, del terrorismo, de los inmigrantes, del mundo exterior en general. Pensad en el personaje interpretado por Clint Eastwood en Gran Torino, sólo que sin la fenomenal evolución. Aquí es el actor John Hurt el que le presta su maravillosa voz a Donald Meaning, cuyas delirantes o demenciales reflexiones escuchamos en hasta ocho interludios. Entre tanto, suena la música de Nitin Sawhney, piezas que se erigen como atractivas respuestas a los dogmatismos y prejuicios del anciano. A sus miedos opone la reflexión, la esperanza, la constatación de que, a pesar de todo, este es un bello universo ante el que merece la pena permanecer ilusionado.
Las letras juegan un papel esencial en ese mensaje, claro está, pero es la música la que más eficazmente apoya su tesis. ¿Qué mejor que las bellas composiciones de Sawhney para creer justamente en ese concepto, en la belleza? Piezas que adquieran mayor fuerza todavía precisamente por el contraste con las palabras de Donald Meaning, a las que John Hurt imprime un extraordinario dramatismo no exento de humanidad. Musicalmente, Last Days Of Meaning es tan ambiciosa como de costumbre, y como suele ocurrir en la discografía de Nitin Sawhney, la variedad está asegurada. Ahora bien, al tratarse de un álbum concepto, loable atrevimiento en una época de consumo de singles, la cohesión es uno de sus alicientes. Sus creaciones oscilan entre el más creativo pop, la reinterpretación modernizada de la música tradicional hindú y composiciones de índole orquestal claramente deudoras de sus compromisos fílmicos. Todo esto en una asombrosa sucesión de vocalistas que colorean estas inspiradas melodías, y sin que la alternancia de fragmentos hablados y piezas musicales arruine la fluidez del conjunto. Espléndido álbum.
Tras escuchar toda esta música en la grabadora que le ha enviado su ex-mujer, alguien llama a la puerta de Donald Meaning. Tras preguntar quien es, se levanta y la abre. Se escucha el viento del exterior y una voz de mujer: “¿cómo estás?”. Fuente
Pistas:
01 - The devil and midnight (feat. Yolanda Quartey)
02 - Reflection 1 (feat. John Hurt)
03 - Confessions from the womb (feat. Tina Grace & Jon Bilbrough)
04 - Reflection 2 (feat. John Hurt)
05 - Say you will (feat. Nicki Wells & Jon Bilbrough)
Bob Holroyd is one of those musicians you hear without knowing it. He spends a lot of his time producing library albums, and generic music used for commercials, films, and industrial presentations. He writes to a nonspecific mood and other people put it to imagery. Every couple of years he surfaces with an engaging ambient album, and A Different Space is his latest. It finds him taking a techno-tribal turn, using lots of global instrumental and vocal samples from Africa, the Middle East, and Asia, and putting it on top of propulsive dance grooves à la Deep Forest. Then he tosses in live players like trumpeter Kevin Robinson doing a Hugh Masekela-style solo on "Drumming Up a Storm" or Dirk Campbell weaving in uilleann pipes and ney flute. It's all been done by Deep Forest, Loop Guru, Banco De Gaia and others, and Holroyd adds little to the form, but there's no denying the slick, sonically rich landscapes he creates. But like his library music it has the feel of formula. In fact, the more he gets away from his loops, such as "Dark Waters" (with its live guitar, percussions, and bass), the more lively and "authentic" his music gets. --John Diliberto. Fuente
