Zenet - Los Mares de China [jazz, España]

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Los Mares de China es el primer trabajo discográfico de Toni Zenet. Editado en 2009, Zenet fué premiado como Artista Revelación en la "XVI Edición Premios de la Música" en España (2010). Y no es para menos: es un Sinatra con acento malagueño que siente como Chavela Vargas… “un viaje por el mundo lleno de canciones que huelen a barrio andaluz, a malecón cubano y a callejón de Nueva York”. Jazz, copla y swing… difícilmente etiquetable.

Dicen de él que es un “crooner andaluz”, pero realmente es lo que se proponga, porque arrastra su faceta de actor hasta el escenario. De hecho, se diplomó en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Su historia artística es una fábula de supervivencia. Tras el primer conato de éxito al dar vida al joven Picasso en una serie de televisión de los noventa (y participar en películas como "Morirás en Chafarinas", "Mensaka" y "El Camino de los Ingleses"), Toni ha sido casi todo: mimo, profesor de teatro, entrenador de actores y regidor. También pintor de brocha gorda, albañil, animador en barcos de recreo, comerciante en mercadillos medievales ambulantes y vendedor de filtros de agua, teléfonos y de enciclopedias.

Ahora, tras trabajos de subsistencia y algún intento fallido con su anterior grupo de funk andaluz, "Sur S. A.", ha llegado la recompensa. No en el cine, sino en la música. Zenet conoció hace cuatro años al compositor y poeta Javier Laguna en un bar. Laguna, que firma todos los textos de su primer disco, le animó a seguir y se convirtió en el sastre musical que le ha confeccionado este traje a medida. El resultado se llama Los mares de China, su primer disco, acompañado de su inseparable José Taboada y con música del propio Zenet. Algo nuevo con vocación de convertirse en clásico. Música de toda la vida que no se ha hecho hasta ahora. Casi ná.

Más información: El "joven Picasso" conquista los garitos

Web oficial: Zenet

01. Soñar contigo
02. Estela
03. Un beso de esos
04. En el mismo lado de la cama
05. Entre tu balcón y mi ventana
06. Yo que un día te quise siempre
07. Dientes de rata
08. Agua de Levante
09. Las causas perdidas
10. Ná de ná (Non Je Ne Regrete Rien)

Los Mares de China

Lokua Kanza - Nkolo [R.D. del Congo]

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Lokua Kanza encarna la antítesis de la imagen que tenemos en occidente de la música africana. Su estilo es intimista, acústico, de percusiones delicadas y sonidos puros. Su origen es congoleño, de padre mongo y madre tutsi. Después de vivir un tiempo en París, donde hizo un gran trabajo en producción para otros (incluido nuestro Pedro Guerra) y para sí mismo, desde hace un par de años se ha establecido en Brasil, atraído por su crisol cultural.

Desde Brasil lanzó su sexto trabajo en 2010, Nkolo. La música africana, las estructuras del jazz y algún que otro ritmo brasileño se dan la mano en él. Lokua es un erudito de la música contemporánea y este conocimiento le permite crear uniendo la belleza, el encanto y la fascinación que produce las diferentes músicas del mundo juntas. Ambientes tranquilos y relajados, sonidos creados con singulares instrumentos como la sanza, la cuica, un Ondas Martenot, un Cristal baschet e incluso un precioso coro de niños dominan la obra. Voces claras que cantan las letras de sus canciones en lingala (su lengua materna), swahili, francés, un idioma inventado y por supuesto el portugués de acogida.

Ha reunido a excelentes colaboradores como a Kool Matope y a una joven promesa llamada Fally Ipupa; además de su propio hermano René Lokua; un coro de 55 niños de Kinshasa, antes nombrados, en la canción “Famille”; Sylvain Luc, uno de los mejores guitarristas del mundo; Thomas Bloch, un virtuoso del Ondas Martenot, y del Cristal baschet y, sobre todo, destacar la colaboración del cantante Vander Lee en “Vou Ver”.

El resultado es este esperado Nkolo que no defrauda las expectativas creadas. Una gozada para el oído y especialmente para el sosiego del espíritu tan necesario en estos tiempos agitados. (Fuente: "Crisol de Músicas")

01. Elanga Ya Muinda
02. Dipano
03. Mapendo
04. Nakozonga
05. Famille
06. Nkolo
07. Loyenge
08. Soki
09. Vou Ver
10. On veut du soleil
11. Yalo
12. Oh Yahwe

Nkolo

Kailash Kher - Yatra (Nomadic Souls) [India,World Music]

ACTUALIZADO!!
En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene ha sacos llenos.



Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Kailash Kher, llamó la atención en 2002 con su éxito, Alá Ke Bande. Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que realiza en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, grabó más de 400 sintonías de radio y televisión y se presentó Indian Idol y otros programas de televisión.

Además de esto, Kher, de alguna manera ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.

Así que se trata como una pequeña sorpresa (sobre todo después de éxito mundial Slumdog Millionaire's) que el trío trataría como un avance con su lanzamiento internacional en primer lugar, Yatra (Nomad Souls). Una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados, Yatra es una excelente introducción a la música de la India contemporánea.



La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, Yatra se eleva por encima de la música del mundo genérico.

A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí el resultado son hipnotizantes canciones como Dilruba, Kaise Main Kahoon y Jhoomo Re.

Otros temas sobresalientes incluyen la influencia árabe en Taubah Taubah y una impresionante versión acustica de Teri Deewani, una oda a los delirios del amor cantadas desde la perspectiva femenina, y posiblemente una de las canciones más sentimentales en hindi de la última década.

Igualmente loable es el uso de los hermanos Kamath "del rock y las influencias electrónicas que dirigen el álbum claramente de la Indi-pop convencionales a sonidos que a menudo se producen cuando los artistas asiáticos adaptan su música para una audiencia occidental. En cambio, sus arreglos musicales superiores aumentan la sensibilidad popular Kher a escrto las letras de manera significativa para hacer una exploración de la condición humana y las complejidades del amor.
Fuente

Kailash Kher (vocals)
Tapas Roy (mandolin, oud, saz)
Sunil Das (sitar)
Ashwin Srinivasan, Naveen Kumar (flute)
Jaipur Kawa Brass Band (trumpet, French horn, trombone, tuba)
Naresh Kamath (keyboards, background vocals



01. - Kaise Main Kahoon (International Version)
02. - Dilruba (International Version)
03. - Guru Ghantal
04. - Turiya Turiya
05. - Chaandan Mein
06. - Kar Kar Main Haara
07. - Tauba Tauba (International Version)
08. - Bheeg Gaya Mera Mann (Cherapunji)
09. - Piya Ghar Aavenge
10. - Na Batati Tu
11. - Rang Rang Ma
12. - Jhoomo Re (International Version)
13. - Teri Deewani (Unplugged)
14. - Joban Chalke (Unplugged)

Kailash Kher - Yatra (Nomadic Souls)

Habib Koité & Bamada - Afriki [Malí]

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Habib Koité es una de las mayores estrellas de la música de Malí, y su reputación como guitarrista ha llegado a ser casi mítica. Afriki, editado en 2007, trajo de regreso al músico seis años después de su última entrega discográfica, Baro, colmando las expectativas puestas en Habib Koité que, acompañado de Bamada, narra en los once temas de este disco la peripecia de sus compatriotas en su viaje emigratorio a Europa o Estados Unidos.

Afriki, África en el idioma bambara malinense, ofrece la oportunidad para hacerse una idea de la riqueza cultural de Malí. La diversidad étnica y cultural se refleja en los estilos musicales peculiares de cada región a los que suelen ceñirse la mayoría de artistas locales. Sin embargo, Habib Koité integra en sus composiciones el amplio patrimonio musical existente, recorriendo a lo largo de los once temas del disco su vasta geografía y no apartándose en demasía de la tradición, utilizando instrumentos tradicionales africanos en desuso (como, por ejemplo, los cuernos de antílope) que, junto a las percusiones y los cantos, envuelven los temas de un aire ancestral capaz de convencer a cualquiera sobre la conveniencia de conservar la herencia del folklore musical. Por otra parte, Koité muestra su habilidad con la guitarra a la que confiere un sonido personal utilizando los acordes y el estilo de los instrumentos tradicionales de cuerda de la región.

Sus letras, en consonancia con su concepto musical, insisten en la importancia de conservar las raíces sin renunciar a las aportaciones de nuevas influencias, lanzando también un mensaje a la gente de su país para que luche junta por un futuro mejor sin dejarse envolver por las falsas promesas que les lleva a emigrar hacia otros continentes.

Sitio oficial: Habib Koité

1. Namania
2. N'tesse
3. Africa
4. Fimani
5. N'ba
6. Mali Ba
7. Barra
8. N'Teri
9. Nta Dim
10. Massake
11. Titati

Afriki

Sara Tavares - Balancê [Portugal]

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Sara Tavares, cantante, guitarrista y compositora, es el fruto genuino del mestizaje afro-portugués: nacida en Lisboa en el seno de una familia de Cabo Verde, funde sonoridades de las islas atlánticas con un formato de cantautora lusa.

Inicialmente conocida como intérprete de góspel, funk y soul, gradualmente ha ido incorporando su faceta más africana a sus composiciones. Su segundo álbum Mi Ma Bo (1999) fue producido por el congoleño-parisiense Lokua Kanza. La mezcla de ritmos africanos y canciones de música pop melódicas le hizo alcanzar un gran éxito en su Portugal natal. En Balancê (2006), Sara compone todas las canciones (además de tocar casi todos los instrumentos) y logra combinar, de forma sutil y honesta, aires caboverdianos, portugueses y brasileños con melodías contemporáneas. Este trabajo le supuso la nominación a los “BBC Radio 3 Awards for World Music”.

01. Balancê
02. Bom Feeling
03. Lisboa Kuya
04. Ess Amor
05. One Love
06. Poka Terra (feat. Melo D)
07. Amor é
08. Dam Bô
09. Guisa
10. Planeta Sukri (feat. Boy Gê Mendes)
11. Novidadi
12. Muna Xeia
13. De Nua (feat. Ana Moura)

Balancê

Sara Tavares - Xinti [Portugal]

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El último álbum de Sara Tavares, Xinti (2009), rebosa de toques de guitarra caboverdiana, ritmos angoleños y cálidas voces portuguesas. Su dulce voz acrecienta su belleza gracias a los magníficos arreglos que consigue, haciendo que las canciones de Xinti suenen luminosas, espléndidas y sugerentes.

“Este álbum no es sobre una canción, es algo para sentir. La vida tiene que girar y girar, como el mar. Tiene que borbotear, como una sopa; tienes que removerla para hacerla sabrosa. La vida a veces tiene que ser dura, para lograr algo puro...” (Sara Tavares, extraido de “Crisol de Músicas”)

01. Quando Dás Um Pouco Mais
02. Sumanai
03. Ponto de Luz
04. Caminhanti
05. Pé na Strada
06. Bué (você é...)
07. Di Alma
08. Keda Livre
09. Só Imagina
10. Minino
11. Voz Di Vento
12. Exala
13. Fundi Ku Mi
14. Manso Manso

Xinti

Rachid Taha - diwân y diwân 2 [árabe, raï]

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Rachid Taha fué uno de los pioneros del rock árabe en los años 80 del siglo XX, momento de nueva conciencia política entre hijas e hijos de inmigrantes, particularmente de Argelia, que comenzaban a reclamar espacio propio en la ciudadanía francesa. Músico prolífico, originario de Orán (la capital del raï), desde sus comienzos sus canciones han sido un intento de hermanar el folklore mediterráneo con el rock, agitando conciencias contra las formas de exclusión a través de su música, que apuesta por el mestizaje y la fusión.

Diwân (1998) y Diwân 2 (2006) son dos de sus trabajos más representativos. Producidos por Steve Hillage, en ambos discos revisa grandes compositores e intérpretes de la canción árabe como Farid El Atrache (de Egipto), Abderrahmane Amrani (Dahmane El Harrachi), autor del hit "Ya Rayah", y otros clásicos de Marruecos y Argelia como Mohamed Mazouni, estrella de la canción franco-árabe de los años 70 con el tema "Ecoute Moi Camarade". "Agatha", tema del camerunés Francis Bebey, es una de las mejores canciones contra el racismo, salpicada de ironía y humor, donde la utilización de un instrumento tradicional de la cultura mandinga como la kora da un toque rítmico y armónico espectacular.

Las canciones están cantadas en francés y árabe, utilizando instrumentos tradicionales como el oud, flautas, darbukas… que recuerdan el ambiente ahumado de los cafés de Orán y El Cairo. Al hipnotismo que produce su escucha contribuye la participación de The Cairo String Ensemble, el virtuoso intérprete de laúd Hakim Hamadouche, la cantante de origen marroquí Amina Alaoui y el percusionista egipcio Hossam Ramzy.

Imprescindibles.

Sitio web oficial: Rachid Taha


Diwân (1998)

01. Ya Rayah
02. Ida
03. Habina
04. Bent Sahra
05. Ach Adani
06. El H´Mame
07. Enti Rahti
08. Menfi
09. Bani Al Insani
10. Malheureux Toujaurs
11. Aiya Aiya

diwân

Diwân 2 (2006)

01. Ecoute Moi Camarade
02. Rani
03. Agatha
04. Kifache Rah
05. Joséphine
06. Gana El Hawa
07. Ah Mom Amour
08. Mataouel Dellil
09. Maydoum
10. Ghanni Li Shwaya

diwân 2

Youssou N´Dour - Immigrés/Bitim Rew

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Immigrés-Bitim Rew (1984) fue el primer disco editado en estudio de Youssou N´Dour, disco considerado como uno de los pilares de la música africana y que la crítica musical ha incluido entre los 1000 discos de todos los tiempos. Distribuido en 1989 bajo la colección de Earthworks de Virgin, situó a Youssou N'Dour como el más valorado en Occidente de entre todos los músicos africanos que comenzaron a ver su obra difundida más allá del continente a partir de los años ochenta.

Immigrés es un álbum de concepto infrecuente para oídos educados en el pop-rock. En primer lugar, por la distribución: cuatro temas muy largos para un disco muy corto y, sobre todo, por la necesidad de adaptar nuestro oído para el disfrute pleno de una polisemia rítmica que difiere radicalmente de las formas mucho más básicas a las que el rock nos había habituado hasta el momento.

En estas canciones (con letras que evocan historias tradicionales de su país), los ingredientes parecen gozar de una vida propia e independiente. Circulan por su carril, se entrecruzan con otras secciones o ritmos, las melodías se intuyen y desaparecen apenas esbozadas; se dejan barrer por los teclados, son devueltas o no por la guitarra, y todo bajo la apariencia de una jam impredecible entre Youssou y su gente de Le Super Etoile de Dakar, que acaban tomando una férrea y secreta coherencia.

Immigrés: tres temas hechos de endiabladas sucesiones de ritmos y una canción (si así podemos llamar a "Pitche Me") de apariencia mucho más ceremoniosa y donde la bellísima voz de N'Dour nos deja noqueadas a base de arabescos imposibles. Una llamada a sus compatriotas emigrantes y una muestra de su esfuerzo por llevar su música al resto del mundo.

01. Immigrés/Bitim Rew
02. Pitche Mi
03. Taaw
04. Badou

Immigrés-Bitim Rew

Okna Tsahan Zam-Shaman Voices (2004) [Kalmukia, Rusia]

Okna Tsahan Zam es un ejecutante excepcional de las personas Kalmyk épicas, sólo los budistas en Europa, deportados por Stalin en la década de 1940. 

Él ha acompañado a la dombra , un laúd en forma de pera con un mango largo y se redujo de dos cuerdas hechas a vibrar con los dedos. Hay dos tipos de dombra de diferentes alturas. 

Otros dos instrumentos Kalmyk aquí se utilizan: huuchir (anteriormente conocido como biwa , su caja de resonancia estaba formado por una vejiga) es un día de campo de edad en el tubo de sonda, equipada con dos (o, a veces cuatro) secuencias. El bloqueo de su arco de bambú se divide en dos partes, se utiliza la vibración (de la) cuerda (s) baja (s) y el otro (los) cable (s) alta (s). El lavado varía la tensión del cabello con un dedo con el fin de variar los colores de tono. 

El djinguenuur es una cítara trapezoidal cuyas cuerdas son golpeadas por los coros de dos palos de luz. La cítara es un nativo de Irán, donde dio a luz a el salterio Europea. Esto fue llevado a China ( yangqin ) por los misioneros católicos italianos y franceses, antes de extenderse a Asia Central y Mongolia ( yoochin ). 

Otros instrumentos (aparte de los de Europa) se juegan en Mongolia, que comenzó con la icónica huur Morin , el viejo caballo. Su caja trapezoidal está rematada con un mango largo de dos cuerdas que colgaban aguda y grave, respectivamente, la yegua de pelo y el caballo. Lacrosse es en forma de cabeza de caballo. Cuenta la leyenda que el primer instrumento fue construido por el Namjil cuco héroe con los huesos, la piel y el pelo de su caballo alado, Jonon Har (el Príncipe Negro), asesinado por una mujer celosa. 

El Shanz , también llamado shudraga , es un laúd de cuello largo, montado con tres cuerdas, la caja de resonancia y de la plaza inferior de la resonancia son de piel de serpiente. La flauta, llamado limbo de los calmucos y los miembros de los mongoles, cuenta con seis hoyos de juego de construcción tradicional de bambú o de cobre, ahora se hace a menudo de un tubo de plástico. Los mongoles distinguir dos tipos de lámina de las mujeres ( EM ) - tiene el agujero estrecho y jugó en voz baja - y un macho ( c ), una flauta corta y juega con vigor. Los músicos suelen utilizar la técnica de respiración circular ( bituu am'sgal ), que le permite reproducir frases largas sin interrupción.

Sin embargo, el principal instrumento Okna Tsahan Zam es la voz. Es un maestro particular de höömii , canto de armónicos. Esta técnica, común en el oeste de los pueblos de Mongolia, es un tema fundamental al mismo tiempo un tono más serio que sirve como un zumbido de tono alto y la generación de una melodía armónica. Los mongoles saben seis técnicas, la höömii la nariz, la garganta, el pecho, el abdomen, la narración, la isgereh (o "la voz de flauta de nariz"). Esta técnica extraordinaria, que ha fascinado a muchos músicos occidentales, probablemente se relaciona con el universo chamánico. Y creemos que tiene efectos beneficiosos sobre los caballos y el ganado. Para Okna: "Estos sonidos nos conectan con el espacio, con las almas de nuestros antepasados, es la acumulación de energía, la revelación de la conciencia.". Henri Lecomte.
Fuente




01. Intro
02. EDJIN DUUN - Firecamp in the steppe
03. KHMEI (solo) - Chanz musician in the distance
04. AKHNER DUNER - Wolves in the windy slope
05. MOUKHNA TSAHAN - Djinguenuur ambience, Deportation train
06. SIBIR - In the village
07. EDJIN DUUN - Horses (acoustic)
08. STRING DUET
09. SAMARINE - Under the stars
10. KNOMEI (3 voices)
11. MOUKHNA TSAHAN - Thunder in the steppe (Featuring BAVAUSH)
12. DJANGAR - After the storm
13. AR BUMBIN ORN - Meditation
14. KHOMEI (choir)
15. Outro
Bonus Tracks Urban Remixes
16. DAVOUR GHALZEN
17. DAVOUR GHALZEN (Radio RMX by D.DALCAN) 

Dedicado a Zaram, que creo le gusta el "throat singing"

320 kbps + small covers

Okna Tsahan Zam-Shaman Voices

a disfrutarlo!

The Chehadé Brothers - The Bridge Over The Mediterranean [folk/fusion, Palestina]

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The Chehadé Brothers son dos hermanos palestinos, de Jerusalén, virtuosos de, prácticamente, todos los instrumentos árabes conocidos de cuerda, viento y percusión.

Formados en la música oriental y en el arte poético del zajal, ghazal, hija´a (formas antiguas) y del taqsim, comenzaron siendo conocidos a través de los más importantes circuitos culturales interpretando folklore palestino. En Beirut se unieron a la legendaria Oriental Roots Orchestra, una big-band compuesta por los mejores músicos del mundo árabe y encabezada por el polifacético artista y compositor libanés de origen griego Michel Eléftériades.

Es, precisamente, con Michel Eléftériades como productor con quien lanzan, en 2005, su primer trabajo The Bridge Over The Mediterranean. Las letras llenas de humor, escritas en su mayor parte por el poeta Elia Azar, junto con la experiencia de Eléftériades, fusionando world music, dan como resultado un estilo personalísimo que puede ser descrito como “light popular tarab”, con influencias griegas, balcánicas y turcas. Un trabajo hermoso, divertido y a la vez riguroso que evoca, como su título mismo, toda la esencia de la cultura mediterránea.

Sitio web: Michel Eléftériades


01. Sitti - Granny
02. Darawish - We Are Not Rich
03. Al Nashal - The Day Pickockets
04. Niyal Albou - Lucky Man
05. Hasrah - Positive Thinking
06. Sigara - A Cigarette
07. Bahhar - The Sailor
08. Aarkal - Traffic Jam
09. Sahra - Antipthy
10. Kif El Hal - How Are You
11. Sitti Instrumental
12. Al Nashal Instrumental

Bridge Over The Mediterranean

forró etc. Music of the Brazilian Northest

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Brasil tiene un riqueza musical extraordinaria y personalísima. El crisol humano que constituyen sus habitantes, mezcla heterogénea de razas blanca, india y negra, ha dado como resultado un sinfín de músicas propias o, cuando menos, de adaptaciones propias de ritmos foráneos. En Brasil la música está en todas partes. Y el forró es la música de la fiesta, fuertemente identificado con las celebraciones de junio (San Juan, San Antonio, San Pedro), música europea, africana, india pero, sobre todo, brasileña.

Varios de los estilos musicales de Brasil que se congregan bajo el termino genérico de forró, cuyo origen proviene del Nordeste de Brasil, derivan de los bailes populares del siglo XIX: arrasta-pé, en el que las parejas bailan arrastrando los pies contra el suelo; xote (análogo, por así decirlo, al “chotis” madrileño, un baile en parejas) y xaxado, un baile en linea. El sonido base del forró gira en torno a tres instrumentos básicos: el acordeón, el triángulo y la zabumba (zambomba).

forró etc. music of the brazilian northeast es una recopilación de David Byrne, para Luaka Bop, con objeto de dar a conocer intérpretes y conjuntos clásicos de estos estilos. El LP original es de 1991, y la edición que se presenta es una remasterización de 2006, con cuatro temas extra. Las notas sobre los temas y artistas seleccionados/as, contenidas en el LP, se encuentran en la página de Luaka Bop.

1. O Fole Roncou - Luiz Gonzaga (forró/xaxado)
2. Festa Do Interior - Gal Costa (frevo/arrasta-pé)
3. Tum-Tum-Tum - Jackson do Pandeiro (forró/samba)
4. Danado de Bom - Luiz Gonzaga (forró)
5. Querubim - Dominguinhos (xote)
6. O Sucesso da Zefinha - Anastácia (arrasta-pé)
7. É de Dar Água na Boca - Nando Cordel & Amelinha (arrasta-pé)
8. Vou Com Você - Dominguinhos (arrasta-pé)
9. Asa Branca - Gonzaguinha (arrasta-pé)
10. Recordação de Vaqueiro - Clemilda (aboio-toada/forró)
11. Bom Demais - Jorge de Altinho & Dominguinhos (arrasta-pé)
12. Tarde Nordestina - Marinalva (forró)
13. A Feita de Caruaru - Luiz Gonzaga (forró/xaxado)
14. Aniversário do seu Vavá - Genival Lacerda (forró/samba)
15. Chiclete com Banana - Jackson Do Pandeiro (forró/samba)
16. Rejeição - Trio Nordestino (forró)

forró etc.

Dadawa - Seven Days [china, folk, new age]

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Dadawa es el nombre artístico de Zhu Zheqin, cantante de reconocido prestigio tanto en China como en Occidente, referida como la “Enya o Björk china” por la crítica, y la primera cantante china en vender un millón de discos en su país.

Descubierta por el compositor He Xuntian, profesor de música de Shangai que durante veinte años se dedicó a recopilar música tibetana, fué el mismo Xuntian el que le introdujo en el Tibet y su cultura. Su primer trabajo grabado en China, Yellow Children (1992), fue muy bien acogido en su país. La experiencia tibetana se refleja tanto en Sister Drum, publicado en 1995, como en Voices From The Sky (1998), que se convierten en éxitos internacionales y le llevan a ser considerada como estrella de la música china. No obstante, el uso del folklore tibetano como base de sus grabaciones no les eximieron de polémica, tanto a Dadawa como a su productor He Xuntian, en el contexto de la ocupación del Tibet por parte de China. En su defensa, Dadawa reivindica su amor por la música y la cultura del Tibet más allá de cuestiones políticas.

Después de unos años de paréntesis, en agosto de 2006 lanza su álbum Seven Days (nominado en los "BBC World Music Award in 2007"), con un concepto musical más dirigido hacia las canciones tradicionales de origen chino, en el que conserva referencias líricas a las ideas budistas, pero conservando “su marca registrada”: melodías maravillosamente cantadas, percusión asiática e instrumentación clásica y electrónica.


1. Flown Away
2. Fragrant Nirvana Tree
3. In the Setting of the Sun
4. Already Song
5. Satori
6. Passing by the Earth
7. Seventh Day

Dadawa - Seven Days

Beirut – The Flying Club Cup (2007) [USA]

Zachary Francis Condon (nacido en Santa Fe, Nuevo México) tenía solamente veinte años cuando creó el grupo Beirut en el 2006. La inspiración le vino cuando, tres años antes, viajó a Europa y se hizo familiar con la música popular de la península balcánica (más precisamente con la de Goran Bregovic y la orquesta de Boban Markovic).

Su primer disco “Gulag Orkestar” fue lanzado al mercado en mayo del 2006, parte gracias a la ayuda brindada por Jeremy Barnes (de Neutral Milk Hotel y Hawk and a Hacksaw) y Heather Trost (Hawk and a Hacksaw). En este CD, Zachary fusiona de una forma espléndida música folk, mezclado con melodías de Europa del este y de México.

El segundo álbum, “The Flying Club Cup“, fue lanzado en octubre del 2007. Condon habría de comentar sobre este albúm que su inspiración vino en parte por el compositor belga Jacques Brel y la “chanson” francés. Contando con 13 canciones, hasta el día de hoy es su álbum más popular y ha sido alabado por críticos alrededor del globo.

Un dato verdaderamente curioso a tener en cuenta: Beirut apareció cierta vez en una mini-serie brasilera llamada “Capitu” y, desde ese momento, ha tenido un éxito rotundo en dicho país. Esto inspiró de tal forma a los músicos brasileros que no tardó en organizarse el “Beirutando na Praça” (Beiruteando en la plaza) que ocurrió en agosto del año pasado. Allí, bandas se juntarían a hacer covers de Beirut por las calles, inclusive agregándole un “toque” brasilero para adaptarlas a su cultura.

Resumiendo: “The Flying Club Cup” es un popurrí musical y podría ser el mejor ejemplo (hasta el momento) de lo que la banda puede lograr. Uno no puede evitar escuchar alguna de sus canciones e imaginarse caminando por alguna calle de Albania o Rumania. Culturalmente variado, Beirut es música para todos y es un grupo que nadie debería perderse.

Fuente

Lista de canciones:
1. A Call to Arms
2. Nantes
3. A Sunday Smile
4. Guyamas Sonora
5. La Banlieue
6. Cliquot
7. The Penalty
8. Forks and Knives (La Fête)
9. In the Mausoleum
10. Un Dernier Verre (Pour la Route)
11. Cherbourg
12. St. Apollonia
13. The Flying Club Cup

320 kbps + covers

Beirut – The Flying Club Cup

a disfrutarlo!

Ibrahim Ferrer - Mi sueño

Subido por Marhali.

Mi sueño es el álbum póstumo, de 2007, de Ibrahim Ferrer, el gran vocalista cubano y cantante de Buena Vista Social Club y constituye el proyecto con el que el artista soñó toda su vida: un tributo al estilo musical cubano más romántico, el bolero. Está compuesto por 12 temas grabados en el Teatro Nacional de Cuba, en La Habana, y son nuevas a partir de canciones tradicionales, recreadas con el estilo personal de Ibrahim Ferrer. La producción del álbum corrió a cargo de Nick Gold y Roberto Fonseca.

Mi sueño forma parte de la colección Buena Vista Social Club presenta, y en él colabora Rubén González al piano en el tema “Melodía del río” producido por Ry Cooder, y Omara Portuondo cantando a dúo en “Quizás, quizás'. En cuanto a los músicos que acompañan a Ferrer, son: Roberto Fonseca, al piano; Orlando “Cachaito” López, al bajo; Manuel Galván, a la guitarra; y Ramsés Rodríguez, en la percusión.

Ibrahim Ferrer, conocido en todo el mundo por su participación en el disco Buena Vista Social Club (que ganó un Grammy y resucitó el interés por la música tradicional cubana), comenzó su carrera musical a los 14 años, identificada por una mezcla de sus raíces chinas y afroantillanas. En la década de los 50 del siglo XX se integró al conjunto de Pacho Alonso y Enrique Bonne, y fue también artista invitado en orquestas que hicieron leyenda como la Chepin y la de Benny Moré. Sin embargo, en los años 80 se retiró y se alejó de toda actividad musical hasta que el guitarrista estadounidense Ry Cooder lo redescubrió y su voz recorrió el mundo a partir de 1997 de la mano del disco Buena Vista Social Club, en el que Ferrer grabó 12 de los 14 temas incorporados a la producción, uniendo su nombre a otras glorias del son cubano como Omara Portuondo, Compay Segundo, Rubén González, y el guitarrista Galbán, entre otra gente.

1. Dos almas
2. Si te contara
3. Melodia del río
4. Cada noche un amor
5. Deuda
6. Uno
7. Convergencia
8. Quiéreme mucho
9. Perfidia
10. Copla Guajira
11. Quizás, Quizás
12. Alma Libre

Mi sueño

Goran Bregović - Alkohol, Šljivovica & Champagne

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El gran difusor del folclore balcánico, Goran Bregović, presenta en 2009 Alkohol, Šljivovica & Champagne con su Banda de Bodas y Funerales, en el que vuelve a combinar los sonidos del folklore tradicional con el rock.

Dividido en dos capítulos, el primero se titula Šljivovica, en honor a la bebida tradicional yugoslava, una especie de brandy de ciruela, grabado en directo en Guca (Serbia) durante el verano de 2007, en un festival anual de bandas de metales y que atrae a unas 150.000 personas que, bajo unas tiendas que les protegen del sol abrasador, comen carne a la brasa y chucrut cocinado a la manera serbia, y beben y escuchan música y vuelven a beber… durante siete días. Las canciones grabadas en Guca nunca han sido publicadas antes y están pensadas para ser escuchadas y bailadas con el acompañamiento de bebidas fuertes.

El segundo capítulo, Champagne, es un concierto para violín, una banda balcánica de metales, seis voces masculinas y un quinteto de cuerda. El violín se toca aquí de tres maneras distintas: de la manera clásica en la que se toca en la tradición europea y cristiana; de la manera en la que se toca en la tradición judía (Kletzmer), y a la manera oriental. Para esta segunda parte, Goran recomienda disfrutar de las canciones con alcoholes menos fuertes y luces difuminadas…

Sitio Oficial: Goran Bregović


01. Yeremija
02. Paradehtika
03. Venzinatiko
04. On the back-seat of my car
05. Imagine
06. Truckers´ Song
07. Gas Gas Gas (Shantel vs. Bregovic)
08. Ruzica (Rose)
09. For Esma
10. Streets are drunk
11. Kerna mas
12. Na 'tan Ixara Olikopedo
13. Tis Agapis Sou To Risko

Alkohol, Šljivovica & Champagne

Jazz Playground

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Jazz Playground (2010), dentro de la colección “Putumayo Kids”, es una nueva selección de jazz internacional destinada tanto a familias como a personas que quieran introducirse en el tema. Desde el bebop y el swing, pasando por el jazz latino, el jazz gitano, la bossa nova brasileña y el jazz africano, este multicultural disco celebra la vibrante diversidad global del jazz, mostrándonos cómo artistas en Sudamérica, Europa, Asia, África y Oceanía han adoptado el jazz incorporándole sonidos propios.

Como acostumbra Putumayo, el libreto se presenta con deliciosas ilustraciones para cada tema de Nicola Heindl, con la introducción en inglés, castellano, francés y alemán.

01. Lewis Franco & The Missing Cats - Stomp, Stomp (USA)
02. Chris McKhool - Spider-man (Canada)
03. Jose Conde - Cumbamba (USA/Cuba)
04. Triocéphale - Sur Le Pont d'Avignon (France)
05. Oran Etkin with Charenee Wade - Little Lamb Jam (Israel/USA)
06. Kinderjazz - Gazooba (Australia)
07. Barbara Morrison - Sing a Song of Sixpence (USA)
08. Trapperdetrap - Zuignapje (The Netherlands)
09. Selloane with Famoro Dioubaté - Shortnin' Bread (South Africa/Guinea)
10. The Mighty Buzzniks - Agree & Disagree (Australia)
11. Gui Tavares - Dois Meninos (Brazil)
12. Modern Conya - Oyatsu no Jikan (Japan)
13. Ingrid Lucia - This Little Light of Mine (USA)

Jazz Playground

Buika - El último trago [jazz, cubano, España]

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Chucho Valdés y Concha Buika han llegado a la excelencia de la música por caminos diferentes, pero signados por el origen africano de sus ancestros y por la pasión, la espontaneidad y lo impecable de la entrega. Buika, una de las más particulares intérpretes españolas del momento, y una verdadera revelación para los que consideraban que el flamenco no tenía ya demasiado que aportar a la canción española y al jazz; Chucho Valdés, con un inmenso talento y unas manos privilegiadas que le han convertido en una leyenda del jazz y de la música en general.

En abril de 2009 se reunieron en los estudios Abdala de Cuba para grabar un nuevo álbum, de la mano de Javier Limón, que salió en el mismo año, en octubre. El trabajo, que lleva por título El último Trago rinde tributo a Chavela Vargas en su 90 cumpleaños, y recoge el repertorio que la acompañó a lo largo de toda su carrera. “Las ciudades”, “Las simples cosas”, “Sombras” y “Luz de Luna” son algunas de las canciones que Chavela paseó por los escenarios de todo el mundo.

01. Soledad
02. Sombras
03. Las ciudades
04. Cruz de olvido
05. El andariego
06. En el último trago
07. Se me hizo fácil
08. Un mundo raro
09. Las simples cosas
10. Somos
11. Luz de luna
12. Vámonos

El último trago

Anouar Brahem Trio - Astrakan café

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Astrakan café (2000) es un excepcional trabajo de fluidez entre el sonido suave del laúd de Anouar Brahem, la percusión de la darbuka o del bendir de Lassad Hosni y el clarinete de Barbaros Erköse.

Se consigue un sonido particular y relajante, místico (quizás por haber sido grabado en el Monasterio de St. Gerold de Austria) pero, sobre todo, árabe (hay versiones de clásicos de la tradición árabe otomana), norteafricano y mediterráneo (visita la fusión indisoluble entre la cultura ibérica y maghrebi), y también influenciado por el jazz, con numerosos solos instrumentales, pero sin romper jamás la línea rítmica y melódica. Ideal para degustar con un buen té moruno.

01. Aube rouge à Grozny
02. Astrakan café
03. The Mozdok´s train
04. Blue jewels
05. Nihawend Lunga
06. Ashkabad
07. Halfouine
08. Parfum de gitane
09. Khotan
10. Karakoum
11. Astara
12. Dar es Salam
13. Hijaz pechref
14. Astrakan café (2)

Astrakan café

Live 8 En el Eden: Africa Calling (2006) [Africa/Inglaterra]

Este álbum es un registro de un día único, en la celebración de la música y el espíritu de África, con Youssou N'Dour, Siyaya, Angelique Kidjo, Mariza, Tinariwen, Daara J, Mapfumo Thomas, Ogada Ayub y muchos más!

Esta recopilación especial fue compilado con cariño de muchas horas de grabaciones desde el concierto Live 8 Africa Calling en el Eden, el 2 de julio de 2006 con el principal objetivo de representar los aspectos más destacados musicales de ese día tan especial.

Incluye 8 pistas no publicadas anteriormente de este evento.

[quote]".... Probablemente el mejor día de la música africana ha visto en el Reino Unido. Los artistas se han superado, proporcionando una sorpresa tras otra ". (Froots)[/quote]

1. Set by Youssou N’Dour Et Le Super Étoile De Dakar
2. Beyeza by Shikisha
3. Agolo by Angelique Kidjo
4. Barco Negro by Mariza
5. Louanges by Akim El Sikameya
6. Amassakoul (Africa Calling Mix)Tinariwen
7. Lumbul by Modou Diouf And O Fogum
8. Kuvarira Mukati by Thomas Mapfumo and The Blacks Unlimited
9. Lapwony by Geoffrey Oryema
10. Mbani by Siyaya
11. Lei Lei (I Feel Alone) by Maryam Mursa
12. Billi by Kanda Bongo Man
13. Gua by Emmanuel Jal
14. Na Menguele by Coco Mbassi
15. Changamire by Chartwell Dutiro
16. Lori Swela by Ayub Ogada and Uno
17. Exodus by Daara J
18. New Africa by Youssou N’Dour Et Le Super Etoile De Dakar

320 kbps + covers

AFRICA CALLING

a disfrutarlo!

Richard Bona - Tiki

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Si hay una persona a la que se la pueda considerar virtuosa, esa es Richard Bona. Vocalista, multi-instrumentista y compositor, con un acervo musical impresionante, Bona es uno de los músicos africanos que mejor ha sabido fusionar los sonidos y tradiciones musicales de su África natal, la influencia europea y el mejor jazz americano, generando grandes canciones. Y su virtuosismo procede, precisamente, de su bagaje experiencial: su abuelo era un destacado percusionista y su madre cantante, empezó a cantar con cinco años y en su infancia construía flautas, instrumentos de percusión e, incluso, guitarras; en sus primeros años en Francia estudió música y composición, empapándose de Miles Davis, Chet Baker y Ben Webster, y trabajando con Didier Lockwood (violinista), Marc Ducret (guitarra), Manu Dibango (batería) y Salif Keita. En sus primeros años en Nueva York acompañó a músicos tan diversos como Paul Simon, Chucho Valdés, Harry Connick Jr., Eddie Palmieri, Pat Metheny, Herbie Hancock, Branford Marsalis y Bobby McFerrin, llegando a ser director musical de la banda de Harry Belafonte.

Sus dos primeros trabajos en solitario, Scenes From My Life (1999) y Reverence (2001) son un auténtico resumen de lo que es capaz de hacer este bajista, tocando jazz ambientado en la música africana, con funky y un poco de cumbia latinoamericana. En 2003 publicó su tercer trabajo discográfico, Munia The Tale, que es un disco con creaciones que Bona fue recopilando en su carrera y con un registro que va desde el jazz a la música de raíz, acompañado por una excelente banda interracial. En el año 2004, se unió al antillano Gerald Toto y al congoleño Lokua Kanza para grabar el disco Toto Bona Lokua.

En Tiki ("Tesoro", 2005) tampoco olvida esos acordes e influencias brasileñas que siempre pueblan sus canciones y emplea las armonías vocales que ha heredado de sus antepasados. Es decir, auna su maravillosa técnica con el bajo con una conexión que transita, en viaje de ida y vuelta, a través de Camerún, Brasil, Estados Unidos y Cuba. Junto a las melodías y cadencias de su zona natal afloran ritmos de bossa y cha cha chá, funky, rhythm & blues, arreglos de jazz y una instrumentación meticulosa, con espacios para el lucimiento individual de los invitados.

Se ha dicho de él: "Si Jaco Pastorius hubiera nacido en el Camerún, se llamaría Richard Bona".

01. Tiki
02. Dipama
03. Kivu
04. O Beta O Siba
05. Esoka Bulu (Night Whisper)
06. O Sen Sen Sen
07. Manyaka O Brazil
08. Three Women
09. Ba Senge
10. Ida Bato (Ancient Song 1789)
11. Akwa Samba Yaya
12. Calçabão de Copacabana
13. Samaouma
14. Nu Sango

Tiki

Omar Sosa - Sentir [jazz, afrocuban]

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Información web: Omar Sosa - Sentir

Sentir (2002)

01.Opening for Elegguá
02.Sucesión en Blanco
03.Rojo Changó
04.Manto Blanco
05.Toridanzón
06.Azul Yemayá
07.Oda al Negro
08.Sister in Yellow
09.Cielo y Mar Azules
10.Tres Notas en Amarillo
11.Rojo y Negro
12.Eggun
13.Sentir

Sentir

Omar Sosa - Afreecanos [jazz, afrocuban]

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Omar Sosa es uno de los artistas de jazz más versátiles del panorama actual: compositor, productor, pianista, percusionista, arreglista y líder de diversas formaciones. En su música fusiona un amplio espectro de las músicas del mundo y elementos de electrónica contemporánea con sus raíces afro-cubanas para crear un sonido urbano, fresco y original, y todo con base de latin jazz.

Y es que su propio mundo afro-cubano (nació en Camagüey, Cuba) le dió las claves para que desarrollara, a lo largo de su vida, un recorrido que lo llevó a conectar con países de África en los que estuvo en los años 80 (como Angola, Congo o Etiopía), o con su actividad artístico-cultural que desarrolla desde sus comienzos en el Conservatorio de Música de Camagüey y luego, a comienzos de los 90, con la experiencia de vivir en Ecuador y descubrir la música de la comunidad de origen africano. También los grandes del Jazz como Peterson, Hancock, Corea, Jarret, Coltrane, o Parker tuvieron su influencia en su forma particular de expresión, sobre todo cuando al finalizar sus estudios entró en contacto con la música de Thelonius Monk.

En Afreecanos (2008), Omar Sosa vuelve a mostrarnos su visión personal del jazz afrocubano, desarrollando componentes de la cultura de raíz africana. Sosa comparte su música con artistas de países como Mozambique, Senegal, Mali, Guinea o Marruecos, que aportan sus riquezas a las grabaciones, estrechando también estos lazos con artistas de cultura de raíz africana (como Cuba o Brasil) e incluyendo a músicos de países multiculturales por excelencia como Francia o Estados Unidos.

Según sus palabras, “Afreecanos es una oda a África. Éste trabajo expresa que somos hijos de una misma madre y siempre, aunque nuestros sonido provengan de diferentes lugares, estaremos conjuntados en una esencia, concepción y origen. Es por esto que no existe dificultades para unir a los muchos artistas que han contribuido con su propio lenguaje musical... manifestación de la gran África viva”.


01. Prologo
02. Ollu
03. Nene La Kanou
04. Yeye Moro
05. Babalada
06. Light In The Sky
07. D'Son
08. Tres Negros
09. Mon Yalala
10. Tumborum
11. Why Angà?

Afreecanos

Putumayo - Calypso

Subido por Marhali.

Calypso es una colección que recoge clásicos del Calipso y canciones populares de la era dorada de la música caribeña.

En los años 50, el calipso y otros estilos folclóricos caribeños tuvieron repercusión internacional, tras el lanzamiento de "Calypso" de Harry Belafonte en 1956, uno de los discos más vendidos de la historia. A partir de entonces, artistas de Barbados, Trinidad, las Bahamas, Jamaica y otras islas del Caribe se interesaron en esta nueva audiencia. Fue así que los ritmos, las melodías pegadizas y las letras con doble sentido propias de la música caribeña llegaron a millones de hogares norteamericanos.

El presente álbum nos trae una selección de clásicos de la legendaria ART Records, así como otras joyas de diversos períodos de la historia musical caribeña. Calypso nos remonta medio siglo atrás, a una romántica era que parecía haber estado perdida en el tiempo.

1. Don't Touch Me Tomato - George Symonette - Bahamas
2. Yes, Yes, Yes - Calypso Mama - Bahamas
3. Take Me Back To Jamaica - The Jolly Boys - Jamaica
4. Crazy Like Mad - Leslie Scott & Irene Williams - Bahamas
5. Peas And Rice - Blind Blake And His Royal Victorians - Bahamas
6. Linstead Market - Lord Composer - Jamaica
7. No More Rocking And Rolling - King Sparrow - Grenada
8. Goombay Drum - The Percentie Brothers - Bahamas
9. Fed-A-Ray - Lord Beginner - Trinidad
10. Kim - Lord Shorty - Trinidad
11. Little Nassau/Bahama Mama - Andre Toussaint – Haiti/Bahamas
12. Barbados Carnival - Mighty Panther - Trinidad
13. J.P. Morgan - The Percentie Brothers - Bahamas
14. The Limbo Song - Frankie Anderson - Bahamas
15. It's Always Springtime In Nassau - Delbon Johnson - Bahamas

Calypso

Maria Bethânia - Tua [Brasil]

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Los dos últimos discos de la mejor cantante brasileña de todos los tiempos, leyenda viva por el singular color de su potente voz de contralto y la intensidad de sus interpretaciones, han sido editados en 2009. Tua es un disco basado en canciones románticas, la mayoría de ellas hermosas baladas, como el precioso tema que da título al álbum, que es de Adriana Calcanhotto, una de lasactuales divas de la música popular brasileña. Encanteria recoge la tradición de la canción folclórica de inspiración religiosa.

En ambos discos los arreglos son del guitarrista Jaime Alem, y hay predominio de obras del compositor bahiano Roque Ferrerira, entre ellas la bellísima “Domingo” que cierra el disco Tua, con Bethânia acompañada únicamente por el piano de Joao Carlos Assis. En los dos trabajos se destaca también el acordeón de Toninho Ferragutti.
Podemos destacar en Tua el dúo con Lenine en “Saudade”, como uno de los mejores momentos del disco, al igual que “E o amor outra vez”, aunque la soberbia voz e interpretación de María Bethânia siguen en su mas alto nivel.

01. E o amor outra vez
02. Tua
03. A mão do amor / O que eu nâo conheço
04. Até o fim
05. Remanso
06. Fonte
07. Dama, valete e rei / Você perdeu
08. Guariatã
09. Saudade – con Lenine
10. Lamentação / O nunca mais
11. Domingo

Tua