ACTUALIZADO!! Producido por el renombrado compositor Archie Fisher ("La Bruja de Westmoreland"), este álbum presenta Silly Wizard haciendo canciones contemporáneas construidas sobre temas tradicionales. La mezcla de canciones originales y los temas tradicionales unidos son convincentes en todas partes, y las canciones contemporáneas tienen la sensación de haber sido escritas hace siglos. Un magnífico Andy M.Stewart en una version diferente de la canción, "If I Was A Blackbird" abre el disco, y la música se hace más hermosa a partir de ahí. "The Pearl", escrita por Phil Cunningham en honor al 30 aniversario de sus padres puede ser uno de los más bellos temas instrumentales jamás compuesta por un grupo de folk moderno. La producción de Archie Fisher y la grabación también dan una imagen maravillosa del timbre distintivo de cada instrumento. ~ Bruce Eder
1. If I Was A Blackbird 2. Pipe Major Donald Campbell / Orphan, The / Kestrel, The / Come Up Alang (Jigs) 3. The Pearl 4. Fishermen's Song, The / Lament For The Fisherman's Wife 5. Hame, Hame, Hame / Tha Mi Sgith (Slow Air) 6. Tha Mi Sgith (Stathspey) / Eck Stewart's March / MacKenzie's Fancy (March) 7. Miss Patricia Meagher 8. A.B. Corsie (The Lad From Orkney) / Ril Bheara / Richard Dwyer's (Reels)
Al Andaluz Project nació en 2006 como un encuentro artístico entre músicos dedicados a la recuperación de la música medieval de distintos puntos del continente europeo: el legado centroeuropeo del grupo alemán Estampie se encontraba con la incursión en la música sefardí de los valencianos L'Ham de Foc, en su momento el grupo español más innovador y reconocido en el ámbito internacional de la "world music".
Paralelamente a la grabación de dos álbumes, "Deus et Diabolus" (2007) y "Al-Maraya" (2010), Al Andaluz Project perfeccionaba su presentación en directo a lo largo de múltiples conciertos por todo el continente.
Al impacto visual de las tres cantantes Iman al Kandoussi , Mara Aranda y Sigi Hausen, en representación de las culturas árabe-andalusí, hispano-sefardí y latino-medieval se suman la musicalidad y el virtuosismo de todos los músicos de la formación.
Esta variedad de culturas, instrumentos y colores sonoros se ve espectacularmente retratada en esta producción audiovisual realizada en un concierto en Múnich en 2011.
01. Morena 02. Nassam Alaina Lhawa 03. Voi Ch'amate 04. Estampie V 05. Los caminos de Sirkeci 06. Dezilde a Mi Amor 07. Non sofre Santa Maria 08. Pandero 09. Desconsolado 10. Gran Dereit 11. Al Garnati 12. El Regateo de las consuegras 13. Trotto 14. A Virgen Muy Groriosa 15. Hijaz
Douga Mansa (2008) es el cuarto disco de Mamadou Diabaté (ganador del Grammy "Best Traditional World Music Album" de 2010), en el que vuelve a trabajar una serie de melodías tradicionales del antiguo reino de Gabú (Guinea-Bissau, Casamance y Gambia), y con el que despliega su virtuosismo en la kora en un disco con el instrumento como protagonista solitario, revelando todos sus misterios y libre de las ataduras que implican la subordinación a los dictados de una orquesta.
Tunga (2000), Behmanka (2005) (nominado al Grammy "Best Traditional World Music Album" de 2006), Heritage (2006) y la estupenda colaboración Strings Tradition (2008), son sus trabajos anteriores. En Douga Mansa Mamadou se enfrenta, por primera vez, a un disco de kora en solitario. Y cuando se escuchan las cristalinas y acrobáticas filigranas que imprime a las veintiuna cuerdas de su arpa africana, el éxtasis surge ante su evocadora y generosa desnudez.
A lo largo de las doce generosas canciones que conforman el disco también se rinde pleitesía a Sunjata Keita y a El Hadji Omar Tall, un afamado guerrero de la etnia fulani, que en pleno siglo XIX unificó gran parte del Oeste africano. No faltan tampoco las canciones que narran escenas de la vida cotidiana ("Joufalassa"), donde se homenajea a los antiguos comerciantes que vendían mercancías, las nueces de kola, el oro y la sal. O se dedican a leyendas ancestrales, como la procedente de Gambia en la que se cuenta como una mujer que es cantante es obligada a casarse por la fuerza ("Taabaara"). El grueso del cancionero aquí presente es de cosecha tradicional, mientras que piezas como "Diyabarana", "Bolomabory" y "Donsoke" son autoría del Diabaté. La única pieza en la que comparte autoría con N´fa Diabaté, su progenitor, es la que da título al disco, disco con el que Diabaté confiesa querer transmitir "la belleza" de su música de tradición a las nuevas audiencias: "Esa es mi intención, enseñar al público el sonido de la kora, su poder, su belleza, su potencia y las habilidades que se requieren para poder tocarlo", reconoce.
01. Toutou Diarra 02. Bi Allah La Ke 03. Douga Mansa 04. Diyabarana 05. Taabara 06. Bolomabory 07. Joulafassa 08. Donsoke 09. Kora Mali 10. Segou Tara 11. Kora Gabou 12. Soundiata
Era perfectamente lógico que Nitin Sawhney, un artista que por entonces había compuesto casi una treintena de bandas sonoras, y que aparecería recurrentemente en tertulias políticas en la televisión británica, decidiese aunar ambas facetas en un mismo álbum. Last Days of Meaning no es una banda sonora, no existe ninguna pieza audiovisual en la que suenen estas piezas, pero sí fue concebida como tal, siguiendo una lógica narrativa. En ese sentido, forma parte de la categoría de las falsas bandas sonoras, aquellas que imitan de manera más o menos rigurosa las peculiaridades de tan codificadas creaciones musicales. También es una obra socialmente comprometida, de las que reciben la discutible etiqueta de ‘políticas’: ¿acaso la música que nos vende un despreocupado mundo consumista no es política también? London Undersound ya ofreció una emotiva y lúcida mirada a los atentados terroristas que sufrió Londres el 7 de julio del 2005, y ésta es una interesante continuación, musical y temática.
Last Days of Meaning, poético título, nos presenta a Donald Meaning, un huraño anciano que se encierra en una habitación con la única compañía de una grabadora enviada por su ex-mujer. En el ocaso de su vida, tiene miedo de lo desconocido, del terrorismo, de los inmigrantes, del mundo exterior en general. Pensad en el personaje interpretado por Clint Eastwood en Gran Torino, sólo que sin la fenomenal evolución. Aquí es el actor John Hurt el que le presta su maravillosa voz a Donald Meaning, cuyas delirantes o demenciales reflexiones escuchamos en hasta ocho interludios. Entre tanto, suena la música de Nitin Sawhney, piezas que se erigen como atractivas respuestas a los dogmatismos y prejuicios del anciano. A sus miedos opone la reflexión, la esperanza, la constatación de que, a pesar de todo, este es un bello universo ante el que merece la pena permanecer ilusionado.
Las letras juegan un papel esencial en ese mensaje, claro está, pero es la música la que más eficazmente apoya su tesis. ¿Qué mejor que las bellas composiciones de Sawhney para creer justamente en ese concepto, en la belleza? Piezas que adquieran mayor fuerza todavía precisamente por el contraste con las palabras de Donald Meaning, a las que John Hurt imprime un extraordinario dramatismo no exento de humanidad. Musicalmente, Last Days Of Meaning es tan ambiciosa como de costumbre, y como suele ocurrir en la discografía de Nitin Sawhney, la variedad está asegurada. Ahora bien, al tratarse de un álbum concepto, loable atrevimiento en una época de consumo de singles, la cohesión es uno de sus alicientes. Sus creaciones oscilan entre el más creativo pop, la reinterpretación modernizada de la música tradicional hindú y composiciones de índole orquestal claramente deudoras de sus compromisos fílmicos. Todo esto en una asombrosa sucesión de vocalistas que colorean estas inspiradas melodías, y sin que la alternancia de fragmentos hablados y piezas musicales arruine la fluidez del conjunto. Espléndido álbum.
Tras escuchar toda esta música en la grabadora que le ha enviado su ex-mujer, alguien llama a la puerta de Donald Meaning. Tras preguntar quien es, se levanta y la abre. Se escucha el viento del exterior y una voz de mujer: “¿cómo estás?”. Fuente
Pistas:
01 - The devil and midnight (feat. Yolanda Quartey)
02 - Reflection 1 (feat. John Hurt)
03 - Confessions from the womb (feat. Tina Grace & Jon Bilbrough)
04 - Reflection 2 (feat. John Hurt)
05 - Say you will (feat. Nicki Wells & Jon Bilbrough)
Blues de Mali, primer album de blues acústico de Lobi Traoré..su voz, sazonada por los años en los clubes de Bamako, se complementa sólo por la guitarra y el ritmo de sus propios solos arenosos pero apasionados, con voz profunda, conmovedora, con solos memorables respaldados por el ritmo efectivo con melodías giratorias que nos acercan y no aflojan, Otra crónica fabulosa en la vida del músico de blues.
1. Maaya: Humanly Ties 2. Bamaku Noe 3. Yoyayo 4. Maa Ti Laban DonL Nobody Knows His End 5. A’ N’ Devie N’ Kungo La: Help Me With My Problems 6. Kono Bird 7. N’Badenw: We Share the Same Mother 8. Janto Yerela: Take Care of Yourself 9. N’aw Ma Dayele: Please Open the Door
Hermosa reunión entre el griot senegalés Ablaye Cissoko y Volker Goetze músico de jazz alemán. En su segundo álbum Amanke Dionti , Cissoko arranca las cuerdas de su kora (arpa-laúd Mandingo) canta con delicadeza y los sueños y las vidas de su pueblo, mientras que Goetze añade el delicado toque de la trompeta.
La improvisación es el corazón de su música. Una química interesante entre dos músicos cuyos antecedentes son completamente diferentes al principio, pero se encontraron en su reto de unir a las raíces africanas espirituales con las modernas ciudades urbanas como París o Nueva York. Una reunión inmortalizada en el Socorro de Notre-Dame du Bon en París, cuya resonancia está resultando ideal para grabar instrumentos acústicos. Un lugar donde la naturaleza mística refleja perfectamente el espíritu de este viaje.
1. Kana Maloundi 2. Amanke Dionti 3. Togna 4. Silo 5. Fleuve 6. Haiti [Bonus Track] 7. Miliamba
La música del guitarrista tuareg Omara "Bombino" Moctar representa perfectamente a su ciudad natal, Agadez (Niger): situada en medio del gran desierto del Sahara, fue durante siglos punto de encuentro de las caravanas nómadas de camellos. Y así es la música de Bombino, un encuentro de sonidos donde se citan sus influencias, desde Tinariwen y Ali Farka Touré hasta Jimi Hendrix y Jimmy Page.
Buena parte de la música de Bombino nace como respuesta a la violenta represión perpetrada por fuerzas gubernamentales nigerianas contra los tuareg para sofocar las revueltas a favor de la independencia que estos protagonizaron. De hecho, Bombino tuvo que exiliarse largos años para huir de la represión. De aquella experiencia y su superación surgen sus composiciones: las notas poderosas que brotan de su guitarra eléctrica capturan el espíritu de resistencia y rebelión, y recuerdan a otros como Tinariwen o Ali Farka Touré.
Disco homenaje a su ciudad natal, Agadez (2011), editado por Cumbancha, ha sido grabado en dos localizaciones muy distintas. Una fue en estudio en los Estados Unidos y la otra recoge parte de una actuación en directo en la ciudad que da título al disco. Los temas aparecen mezclados en el disco y no se especifica cuál está grabado en la comodidad de un estudio o en el desierto sahariano, pero basta escuchar las canciones para darse cuenta rápidamente de donde surge cada una. Las canciones registradas en USA muestran a un Bombino tímido y contenido, mientras que las registradas en directo desprenden una energía electrificante. Ahí están "Tar Hani", "Kammou Taliat" o "Iyat Idounia Ayasahen".
Música repetitiva de muy alto nivel que atrapa desde el principio, en Agadez se pueden escuchar algunos de los riffs más subyugantes de la actualidad. Absolutamente mágica.
01. Ahoulaguine Akaline (I Greet My Country) 02. Tar Hani (My Love) 03. Adounia (Life) 04. Kammou Taliat (You, My Beloved) 05. Tigrawahi Tikma (Bring Us Together) 06. Tenere (The Desert, My Home) 07. Iyat Idounia Ayasahen (Another Life) 08. Azamane (My Brothers United) 09. Assalam Felawan (Peace To You) 10. Tebsakh Dalet (A Green Acacia)
El disco grabado en agosto de 2011, consta de un repertorio de canciones originales creadas en conjunto con los músicos André Filipe Santos (guitarra), Rui Lobato (batería/percusiones y guitarra), Carisa Marcelino (acordeón) y Oscar Torres (contrabajo), donde Teresa ha escrito las canciones.
Salgueiro ofreció una entrevista en la que comentó sobre su nuevo disco: “Estoy en un momento muy importante en mi carrera. Con el grupo Madredeus y en proyectos de participación con otros artistas, siempre había sido una intérprete, ahora estamos creando música, y me ha tomado algún tiempo encontrarme con las personas indicadas, con la misma motivación, dedicación y apertura de espíritu para poder trabajar como lo hemos hecho: un sistema de composición colectivo, con la idea de construir una casa de música, donde cada uno pueda ser el mismo, escoger su propio camino. Teníamos este sueño y fuimos afortunados en encontrarnos”.
“No sabemos nunca lo que la vida nos trae y es difícil mantener un grupo de personas entusiasmado alrededor de una idea. Esto es lo que intentamos hacer, teniendo un lugar para estar, para ser libres y aportar lo mejor de nosotros. La idea es seguir muchos años juntos y este ha sido el primer paso”.
Sobre el proceso de composición comentó Teresa: “Es la primera vez que escribo música y palabras. A nivel instrumental, queríamos que el sonido fuera conectado con nuestra memoria, con la cultura portuguesa, pero también aportar algo nuevo. Así la batería, contrabajo, acordeón, percusiones y la guitarra eléctrica, con sus pedales de efectos, se utilizan de una forma interesante”.
Rui Lobato, percusionista y co productor del proyecto, agrega: “El disco lo grabamos en un convento en Portugal, un mes entero, durmiendo y conviviendo en una montaña. Construimos un estudio de grabación y queríamos que la música fuera más grande que la montaña. Fue muy distinto grabar ahí, que en un estudio de grabación donde se tiene un ambiente frío y controlado, donde llegas a las 10, haces un dos tres y ya quedó. Nosotros no queríamos nada de eso, buscábamos procurar la proximidad entre nosotros — la dimensión humana, como dice Teresa— para poderlo mostrar en el concierto; se trata que el público se “quite del mundo” y abra su corazón, así como nosotros nos apartamos del mundo durante un mes para grabar este disco.
Sobre las letras del disco, Teresa agregó: “Seguramente la inspiración ha venido de toda mi experiencia de vida, mis reflexiones y pensamientos, pero lo que me verdaderamente ha dado la inspiración para escribir ha sido la música que hemos creado (como grupo). Las palabras han venido al final, han sido el último proceso de creación. Pero desde el inicio sabía ya sobre el tema que quería escribir, lo que me sugería la atmósfera”.
O Misterio
Sobre el significado del disco, la cantante dijo: “Lo he llamado O Misterio, porque quería escoger una palabra que pudiera representar todo lo que había sucedido. Pensé que era la palabra ideal porque, en lo que había escrito, hay una reflexión sobre la dimensión humana ante el misterio de la vida, sabiendo que no podemos nunca saber todo sobre nosotros, o sobre el prójimo, o sobre la realidad que nos circunda. Saber que, este misterio es una presencia que la hace parte de la realidad y que siempre nos acompaña. Entonces, eso nos da una conciencia muy determinada de lo que es nuestra dimensión humana, nuestra fragilidad, pero también nuestra fuerza y capacidad. Y a través de la comunicación, respeto, vivencia, amor, sentimientos, de la observación de la naturaleza, del mundo que nos afecta, de las dificultades, pero, sobre todo, a través de nuestras palabras y sobre todo, de nuestros actos, es que tenemos la capacidad de cambiar el mundo”, concluyó la cantante, Teresa Salgueiro.
“La música es un tipo de comunicación que emite total libertad a quien está escuchando para imaginarse lo que quiera, hablamos de un lenguaje que no se puede ver ni tocar, pero que nos toca… Pero, permite a cada uno que la escucha ver lo que quiere ver. A mí, en lo personal, me evoca muchas imágenes”, agregó Teresa Salgueiro. Fuente
Pistas:
01. A batalha 02. O mistério 03. Cântico 04. Ausência 05. Fortaleza 06. A estrada 07. O início 08. Ando entre portas 09. A máscara 10. A fogueira 11. Lisboa 12. Senhora do tempo 13. A paixão 14. A espera 15. A partida
O MISTÉRIO Contraseña (pass): musicmund mp3 a 320 kbps + portadas
Celtic Harp Volume III Creo que es el mejor álbum de Ball: años de giras y grabaciones le hicieron estar completamente a gusto con su instrumento (sus álbumes anteriores tienen algunas asperezas), y la selección de las canciones en su mayoría desconocidas es excelente. Los arreglos son atractivos y variados como para mantener el interés del oyente, y las actuaciones son magistrales sin mancha. Y, como siempre, el arpa de alambre nerviosa tiene una claridad y franqueza que transforma todo lo que se toca en élla. Todos los álbumes de Patrick Ball son buenos, pero este se acerca a la perfeccion. Amazon...
1. Planxty Burke / Bumper Squire Jones 4:30 2. Carrickfergus 3:40 3. Susie McGuire / Briget Geary 4:24 4. Lord Inchiquin 4:11 5. Carolan's Favorite Jig 3:13 6. Song of the Water Kelpie / The Sheep Under the Snow 5:23 7. Planxty Irwin 3:25 8. The Foggy Dew 3:44 9. Squire Wood's Lamentation 4:58 10. Carolan's Concerto 3:38 11. Elanor Plunkett 4:02 12. Dark Woman of the Glen 5:01
Subido por Guayacas. Mariza es una estrella. Cuando canta "Primavera" en este disco es increíble: un ejercicio de peso, casi brutal por el poder, un grito humano extraordinario. Si posee "Fado em mim", su álbum de debut, usted querrá tener este otro, sólo por este tema.
La mayoría de "Fado em mim" consistió en la interpretación de canciones ya conocidas como la "Primavera", que fue grabada originalmente por la legendaria Amália Rodrigues. Se revivió la tradición portuguesa de fado, canción popular y la llevó a una audiencia internacional. Sin embargo, "Primavera" es la excepción en "Fado Curvo". El resto es nuevo material escrito especialmente para Mariza por la flor y nata de la comunidad musical de Portugal. El álbum tiene un enfoque más relajado, más suelto del que se siente en "Fado em mim". Es más ecléctico y experimental, con nuevas ideas, algunas de las cuales funcionan de manera brillante.
Las dos canciones escritas por el pianista Marino Freitas son puntos de alta. "Retrato" con una parte encantadora de cello y "Andis do meu cabelo" es compleja, esquiva, pieza de mal humor que añade un borde oscuro para el estado de ánimo general. Mientras que en contraste "Menino do Bairro Negro" es la luz, dulce y encantadora. Irónicamente, la canción que da nombre al disco es una de las pocas canciones débiles. Y "O deserto" es un experimento interesante con un estilo más tipo jazz que no acaba de salir. Es un poco de buen gusto y tal vez el solo de trompeta con sordina va en un tono demasiado largo.
Por supuesto, si todo fuera tan intenso en este CD como "Primavera" sería demasiado para escuchar en una sola sesión. Pero actuaciones como ésta y "Cavaleiro Monge" que en realidad se pega en su mente. Fuente
Pistas:
01 - O silêncio da guitarra 02 - Cavaleiro monge 03 - Feira de Castro 04 - Vielas de Alfama 05 - Retrato 06 - Fado curvo 07 - Menino do Bairro Negro 08 - Caravelas 09 - Entre o rio e a razão 10 - O deserto 11 - Primavera 12 - Anéis do meu cabelo
Hace siglos, en Finlandia, los campesinos cantaban poemas épicos acompañados de su “kantele” una especie de arpa de diez cuerdas, Recuperando esa costumbre, el grupo finlandés Värttinä apuesta por la música tradicional para crear un estilo propio. La pureza de las voces femeninas y los sonidos del acordeón, el ancestral kantele y la percusión se aúnan en “Vihma”, su producción discográfica año 1999, que afirma su evolución hacia terrenos pop-folk.
Deolinda son un grupo de música popular portuguesa, inspirado por el fado y por sus orígenes tradicionales, pero dejando de lado clichés: sus letras no son serias, ni tristes ni fatalistas. Dois Selos e um Carimbo (2010) es su segundo álbum, tras recibir el premio "Artistas revelación" en los "Songlines Music Awards 2010", en colaboración con la BBC, por su primer disco.
Con una música inspirada tanto en la música popular portuguesa (Madredeus, José Afonso, Amália Rodrigues…), como en el rebetiko griego, la ranchera mexicana, la samba, el jazz y el pop, sus letras giran en torno a la vida cotidiana de Portugal y la forma de ser de su ciudadanía. De hecho, el nombre de Deolinda se refiere a un personaje de ficción que vive en un barrio social de Lisboa y que protagoniza buena parte de sus canciones.
El proyecto musical surgió en 2006, cuando los hermanos Pedro Da Silva Martins y Luis José Martins invitaron a su prima, Ana Bacalhau, para cantar cuatro canciones que tenían preparadas, dándose cuenta que su voz se adecuaba a la perfección a las mismas. Invitaron, también, a Zé Leitão (contrabajista del grupo Lupanar) a sumarse a los tres, naciendo así Deolinda. Junto con la preciosa voz de Bacalhau, el grupo incorpora el cavaquinho, el guitalele, la guitarra braguesa, la guitarra clásica y el bajo.
Su primer disco Cançao ao Lado (2008) se convirtió en disco de platino en Portugal. Dois Selos e um Carimbo es un delicioso álbum con una magnífica voz de Ana Bacalhau que se acerca a Teresa Salgueiro o Cristina Branco (lo que es muy bueno), un excelente álbum que representa la consolidación de uno de los mejores proyectos nuevos de la música portuguesa.
01. Se Uma Onda Invertesse A Marcha 02. Um Contra O Outro 03. Não Tenho Mais Razões 04. Passou Por Mim E Sorriu 05. Sem Noção 06. A Problemática Colocação De Um Mastro 07. Ignaras Vedetas 08. Quando Janto Em Restaurantes 09. Entre Alvalade E As Portas De Benfica 10. Canção Da Tal Guitarra 11. Patinho De Borracha 12. Há Dias Que Não São Dias 13. Fado Notário 14. Uma Ilha
Hace unos dias encontre en los encantes viejos un album del pianista Googie Rene grabaciones de los años 60 Reeditadas en 2003. Wham Bam: Lo mejor de el Combo Googie René (As 987). Lanzado en 2003, 26 pistas. Esta es la primera reedición de Googie René, en LP o CD. Notas de Stuart Colman.
El personal: Googie René (piano, órgano); Plas Johnson (saxo tenor), René Hall (guitarra), Earl Palmer (batería).
Eumir Deodato nace en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1943, de padres Italianos y Portugueses. Músico autodidacta, comenzó con el acordeón a la edad de 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestrales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años. Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante la escena del bossa-nova, y escapó junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar en Brasil, mudándose a Nueva York y trabajando con Luiz Bonfá y, más tarde, con el productor Creed Taylor como arreglista y tecladista. Su primer álbum en los Estados Unidos, Prelude, al público en 1973, fue considerado con un estilo de Big Band y música Latin Jazz y atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky de la obra de Richard Strauss, Also Sprach Zarathustra le valió el premio Grammy por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, en 1974. Ganando el lugar No. 2 en el Billboard de Estados Unidos y el No. 7 en el Reino Unido y fue usada en la película 2001, una odisea espacial. Wikipedia.
Tracklist: 1. Also Sprach Zarathustra (9:04) 2. Spirit Of Summer (4:07) 3. Carly & Carole (3:43) 4. Baubles, Bangles, & Beads (5:23) 5. Prelude To The Afternoon Of A Faun (5:16) 6. September 13 (5:24)
