Ikuko Kawai "La Japonesa" es una violinista de renombre internacional que nació en Japón, Si bien el foco principal de su carrera se basa firmemente en la musica clásica esto no impide que esta mujer talentosa se aventurase en otras formas de música. Por lo tanto, la exuberancia y la naturaleza con estilo de Ikuko Kawai puede trascender muchos estilos de música.
Otra cosa importante que pone de relieve la naturaleza humanitaria de Ikuko Kawai es su participación en el trabajo por los derechos humanos. En el pasado, ella visitó a los refugiados de Myanmar en Tailandia y claramente el impacto de esta experiencia le abrió los ojos a la realidad de la pobreza, las guerras internacionales, la falta de oportunidades, y así sucesivamente. Su visita hizo maravillas en ambos sentidos, porque en un mundo de belleza, extravagancia y de libertad para muchos, también hay otro mundo de la opresión, la alienación, la falta de oportunidades, y otros aspectos negativos.
Ikuko Kawai comenzó su trabajo con ACNUR en 2007 y la visita a los refugiados de Myanmar, la recaudación de fondos, atrayendo la atención internacional a la crisis en Darfur, y otras áreas importantes, significó que esta señora de gracia era ahora también la conexión con el "mundo real" que permanece distante para la mayoría de la gente pobre.
Ikuko Kawai comentó que los ojos de los niños brillaban cuando estaban escuchando mi violín. Inspirada por su reacción viva, realmente disfruté tocando en frente de ellos. A través de mi violín quería hacer sentir a los niños refugiados algo más allá de su vida cotidiana. Yo quería estar más cerca de ellos y animarlos....Estoy contenta de sentir que he sido capaz de comunicarme con ellos a través de la música. http://moderntokyotimes.com/2012/01/27/ikuko-kawai-is-an-internationally-acclaimed-violinist-elegant-and-caring/
01. Wuthering Heights 02. Piano Concert No 2 in C Minor 03. Mizu Hyakkei 04. Eternally 05. Exodus 06. El Choclo 07. Last Tango in Paris 08. Scarlet Confession 09. The Way We Were 10. Sinno Me Moro 11. Jealously 12. Sun Flower 13. Air 14. Dear Heathcliff
La ambición de Laïla Amezian es la de crear vínculos entre Oriente y Occidente, el viejo y el nuevo misticismo y la música. TriOde (2012) es el resultado de esta ambición, un proyecto que es toda una oda al arte de cantar y en el que se combinan el árabe, el jazz y la música clásica a cargo de un trío de mismo nombre: tres artistas con talento e innovación.
Al igual que Natacha Atlas, Laïla Amezian nació en Bélgica de familia de origen árabe (marroquí). Y al igual que Atlas, ha pasado muchos años cantando en diferentes géneros, incluyendo chanson, folk, jazz, rock, electro dance, fusión y música árabe. Y habiendo abordado todos estos géneros con bandas como Jaune Toujours y Arabanda, su segundo álbum en solitario (el primero es Initial, 1999) es un disco fantástico en el que despliega una monumental seguridad y madurez abordando versos centenarios sufíes y letras del poeta místico libanés Khalil Gibran, con un soporte austero pero maravilloso que combina elementos de la composición árabe, clásica y del jazz. En su mayor parte, su voz sinuosa se acompaña de poco más que del cello de Anja Naucler y de la inventiva percusión de Stephan Pougin, y de un poco de trompeta que entra y sale de alguna que otra pista junto con algún efecto de guitarra eléctrica en un par más.
La pieza central (aunque en realidad cierra el álbum) es un tema de casi once minutos que aborda un fragmento del libro de Gibran, "El Profeta". Con el cello de Naucler reverberando sonidos de atmósfera árabe, Amezian entrega las letras con un aplomo fascinante que invoca, de forma mágica, el presagio místico de las palabras de Gibran. Y en el disco nos encontramos, también, con una particularísima versión de "Strange Fruit". Frecuentemente descrito como uno de los temas de los estándares del jazz de más difícil interpretación para transmitir el horror de los terribles acontecimientos que describe, la fascinante interpretación de Amezian no se queda atrás de las versiones más conocidas de Billie Holiday y Nina simone. Impresionante, en todos los sentidos.
01. Tirhab 02. Daatakoum 03. Love Song 04. Imaani 05. Samaoutou 06. Strange Fruit 07. Ka-abatin - part I 08. Ka-abatin - part II 09. Muwashah 10. The Gift
The Sahara Sessions was recorded deep in the desert. Sheltered only by an animal-skin tent and the vast canopy of midnight stars, Etran Finatawa played their guitars and sang straight from the heart. Each poignant song and every slap of the calabash drum articulating the deep-set divisions in the Sahel region that are threatening their Nomad way of life.
Track List
Matinfa (5:54) Gonga Timouhar (5:43) Icheraid Azaman (5:32) Wa Oyan A Wa Imouss I Bastila (1:42) An Mataf Germanawen (4:00) Eldam (6:15) Ahewalan (4:35) Bakuba (4:40) Atherkal (3:44) Djojaréré (4:24) Issuad (2:14) Is Ler Is Salan (4:50) In De Hallad (4:03) Im Raharan (4:58) Taborilit (1:23) Toumast (5:10)
Au fil de l'Air, le label du festival des temps chauds fête ses 10 ans de chansons du monde. Les musiciens, en véritables passeurs de musiques et d'espoir, amènent les enfants aux confins de ces chansons où l'on entre dans un monde oublié, méconnu, étranger... On découvre le yiddish avec TALILA et le TEDDY LASRY TRIO. On imagine avec les tziganes de Budapest SENTIMENTO et JAG VIRAG. Au final : un album intégré à la collection durable « Au fil de l air », des concerts et des chansons interprétées par les artistes et les enfants. Un mélange culturel et musical exceptionnel. Textes des chansons
01. Talila et le Teddy Lasry Trio: Ay, Ay, Ay… (Israel Rosenberg / Joseph Rumshinsky; arr. Teddy Lasry) 3:05 02. Sentimento: Megkötöm lovamat (trad.) 3:44 03. Jag Virag: Ávilem (trad.) 3:29 04. Talila et le Teddy Lasry Trio: Belz (Jacob Jacobs / Alexandre Olshanetsky; arr. Teddy Lasry) 4:53 05. Talila et le Teddy Lasry Trio: Di Mamè hot mikh gèshikt (trad. / arr. Teddy Lasry) 2:34 06. Jag Virag: Lá Pócsáki khánghéri (trad.) 3:45 07. Sentimento: Sűrűn esik az eső (trad.) 2:22 08. Talila et le Teddy Lasry Trio: Der alef-beys (Mark Warshavsky / arr. Teddy Lasry) 2:59 09. Jag Virag: Van egy botom… (trad.) 3:25 10. Sentimento: A csitári hegyek (trad.) 5:15 11. Sentimento: Az a szép (trad.) 2:07 12. Talila et le Teddy Lasry Trio: Bay mir bistu sheyn (Jacob Jacobs / Sholem Secunda; arr. Teddy Lasry) 2:53
Lo que distingue a Zé de otros artistas de su generación como Gilberto Gil o Caetano Veloso es que su aproximación a los sub-géneros de música brasileña (a varios de los cuales ha "estudiado" a lo largo de su carrera) es, sin desmerecer a aquellos gigantes, menos "serio" (sin dejar de lado el rigor, ojito), más juguetón y experimental, no interpretándolos de manera tradicional sino dándole un enfoque más personal y añadiéndole algunos elementos nuevos en el camino. Algo de eso ocurre en Estudando O Samba, en el que el género más jubiloso y exultante de la MPB es abordado en muchos instantes de forma lúdica, tanto en sonoridad (acústico en gran parte, pero con el agregado de coros femeninos, vientos exuberantes y arreglos de cuerda) como en la lírica y en la parte vocal (a veces más clásica y en otros más espontánea), sin perder el atractivo que podría suponer para los no iniciados en este tipo de música.
Un buen ejemplo de lo que digo es "Toc", en la que a un hipnótico arpegio de la acústica, se le superponen fraseos de viento y sonidos extraños varios, aunque eso no significa que Zé le rehuya a momentos más tradicionales (que son los más, haciendo cuentas), aunque no por eso menos atractivos y es de destacar la inclusión de algunos temas reposados como "Mãe (Mãe Solteira)" (de hermosa carga dramática), "Só (Solidão)" y "Se" que, además de ser muy bien cantados y tocados, crean un balance perfecto que hace de Estudando o Samba un álbum más que recomendable para cualquier melómano minimamente interesado en los sonidos que se hacen en otros paises de América Latina y en el sumergirse en la obra de este autor peculiar y más que indispensable. Fuente: LesterStone
1 Mã – Tom Zé – (Tom Zé) (3:56) 2 A Felicidade – Tom Zé – (Tom Jobim & Vinicius de Moraes) (3:18) 3 Toc [Instrumental] – Tom Zé – (Tom Zé) (2:59) 4 Tô – Tom Zé – (Elton Medeiros & Tom Zé) (2:50) 5 Vai (Menina Amanhã de manhã) – Tom Zé – (Tom Zé & Perna) (2:19) 6 Ui! (Você Inventa) – Tom Zé – (Tom Zé & Odair) (3:02) 7 Doi – Tom Zé – (Tom Zé) (3:33) 8 Mãe (Mãe Solteira) – Tom Zé – (Tom Zé & Elton Medeiros) (3:43) 9 Hein? – Tom Zé & Vicente Barreto – (Tom Zé & Vicente Barreto) (3:42) 10 Só (Solidâo) – Tom Zé – (Tom Zé) (4:27) 11 Se – Tom Zé – (Tom Zé) (2:30) 12 Índice – Tom Zé & Osório – (Tom Zé, José Briamonte & Heraldo Do Monte) (1:26)
Etran Finatawa is a Niger-based band, formed in 2004 during the Festival au Désert near Timbuktu, Mali. The music of Etran Finatawa blends the traditional music of the Wodaabe and Tuareg people with western instruments such as the electric guitar. Since 2005 they have toured extensively in Europe, the United States, Canada and Australia.In 2007, their debut album Introducing Etran Finatawa (2006) was nominated for a BBC Radio Award for World Music. They released their follow-up, Desert Crossroads, in 2008, and in 2010 released Tarkat Tajje/Let's Go. In 2013, the band released their fourth album, "The Sahara Sessions". The name of the band means "the stars of tradition". http://en.wikipedia.org/wiki/Etran_Finatawa
Etran Finatawa’s hypnotic desert blues are as captivating and distinctive as the band themselves. They are the only group in the world to combine the cultures of the Wodaabe and Touareg people from Niger, and together they create a wholly unique blend of nomadic blues. Niger has served as a crossroads between the Arabs of North Africa and the sub-Saharan traditions for thousands of years. Located south of Algeria and north of Nigeria, it is an area of incredibly rich musical and cultural heritage. The Touareg (renowned around the world as desert nomads) and Wodaabe (distinctive in their colourful traditional dress and striking face paints) are just two of eleven tribes in the area. Despite different heritages and languages, Etran Finatawa, meaning ‘the stars of tradition’, are the first ever group to use the songs and music of the Wodaabe in a modern context. The Wodaabe traditions add an incredible vibrancy to the music, with distinctive polyphonic singing and mesmerizing percussion adding another layer to the Touareg traditions. Together, they draw on their shared experience as nomads of the Sahelian savannah to produce an explosion of desert blues, full of acoustic percussion and haunting melodies. Formed in 2004, Etran Finatawa quickly became popular in Niger and were invited to perform at festivals in Mali and Morocco. They released their BBC Award-nominated debut, Introducing Etran Finatawa, in 2006, and released a second album, Desert Crossroads – a nostalgic look at life in the desert – in 2008. Since their creation they have toured all over the world, including stops in Australia, New Zealand, the USA, Singapore, South America and Europe.
Tarkat Tajje/Let’s Go!
I visited the band in Niamey, Niger, in February 2009 to listen, for the first time, to the new songs for this album. Before I arrived, they had told me that I would be surprised, and they were not wrong! What an incredible new groove, new arrangements, mature voices and sophisticated lyrics… They had begun to write and compose much more closely together. In the process, they had created a more unique sound with which to voice their ideas and concerns regarding their endangered traditional way of life. It felt that this album would be a new step on the road of their exciting musical journey. It was not until July – in the middle of a hectic tour of the USA and Europe – that the five herdsmen began recording Tarkat Tajje/Let’s Move! in England. Bagui was explaining the lyrics of ‘Duuniyaaru Dillii’ to me and I was struck by the maturity that Etran Finatawa have reached since they first began making music together: Life is always changing, life is so strange and sometimes it seems unreal It makes one frightened We want to work, to study, we want to make relationships, get to know everything and to feel good But life is always surprising and sometimes misleading and always changing Etran Finatawa use music as a means to communicate their thoughts and philosophies. Their last album, Desert Crossroads, was an exploration of the realities of being a nomad in a changing society, but this new album reaches a whole new philosophical level. They have begun to explore their role as human beings and cultural ambassadors in a society of continuous global change. This album is more than a statement. It is an appeal to a global consciousness and to the decision makers and reactors all over the world. As Alhousseini says in ‘Imuzaran’: Those who are leading the world pay attention to the tears of the children of this world that you are spending every morning and the tears of the women and the men. Because you are responsible for wars and the men dying. Children have lost their fathers and wives their husbands. Pay attention to this because it is you sending those men to wars. You are responsible for the tears falling every morning. Etran Finatawa are sending out a powerful message. They demand to be heard, and when I’m listening to them recording the poignant ‘Ummee Ndaaren’ (‘Stand Up And Go For The Right Thing’), I feel that it would be nigh on impossible not to listen… Sandra van Edig
Wang Wei, es un famoso compositor, productor de música independiente, pianista, pionero en China en la producción de música por ordenador y experto en investigación en una serie de ámbitos de la música, como el jazz, la música clásica, la música new age, la música popular y tradicional, es un compositor moderno y versátil. Actualmente, es editor de música en la Radio y Television de Nanjing, Profesor Adjunto de la Facultad de Nanjing Art Institute de la música pop, la Sociedad Acústica de la provincia de Jiangsu, provincia de Jiangsu Asociación Músicos y miembro del comite y compositor de la ceremonia de apertura de los 13ª juegos Paralímpicos de Beijing en 2008
Después de los Juegos Olímpicos de Beijing en 2008, y despues de casi un año de trabajo, Wang Wei junto a jovenes musicos Chinos, lanza el album Equilibrium, Una joya de la fusion Oriente-Occidente....el tema que abre el album es una fusion maravillosa de culturas, el Guquin instrumento tradicional de China y el Duduk armenio, junto con solos de guitarras electrizantes que te transportan a......Escucha el Video...
01. Pregnancy of Haze 02. The Vault 03. Ark 04. Devices of Equilibrium 05. Vertical and Horizon 06. Leaning 07. Eternity 08. The Plough 09. Parallel Lines 10. Ashes of Ruins
De acuerdo con el "Dai Nam Thuc Luc tien bien", el primer Dan Bau se hizo en 1770, sin embargo, muchos estudiosos estiman su edad de hasta mil años de antiguedad. Una leyenda popular de su inicio habla de una mujer ciega que tocaba en el mercado para ganarse la vida para su familia mientras su marido estaba en la guerra. Si esta historia se basa en el hecho o no, lo cierto es que el Dan Bau históricamente ha sido interpretado por músicos ciegos. En su primera aparición, fue un instrumento muy simple formado por una sección de bambú, una varilla flexible, una calabaza o la mitad de un coco. Después de un proceso de evolución y mejora, la forma actual de la Dan Bau es un poco más sofisticado, sin embargo, sigue siendo bastante simple. Hasta hace poco, su volumen suave limitado el contexto musical en el que podría ser utilizado. El Dan Bau, se toca en solitario, es fundamental para la música popular vietnamita, un género que hoy en día sigue siendo popular en el país. Su aplicación tradicional es como acompañamiento de lecturas de poesía.
La palabra "monocorde" significa literalmente "una cuerda". En el monocordio, una sola cuerda estirada sobre una caja de resonancia. La cadena se fija en ambos extremos, mientras que un campo de puente móvil la altera. Originalmente, el Dan Bau era de sólo 4 partes: un tubo de bambú, una varilla de madera, una media cáscara de coco, y un cordón de seda. La cadena se encadena a través del bambú, atada en un extremo de la varilla, que es perpendicular unido al bambú. La cáscara del coco se adjuntó a la barra, que sirve como resonador.
En los últimos años, el Dan Bau se hace con mucho cuidado para asegurar la calidad estética y el sonido. Cuando se toca en público, se utiliza a menudo con un amplificador electrónico. Se ha logrado éxito en la amplificación del sonido, provocando un aumento en el volumen y la distancia que el sonido se propaga, sin dejar de preservar la calidad del sonido. El instrumento se toca en solitario o para acompañar un recital de poesía. Durante los últimos años, ha tomado un papel en el acompañamiento orquestal en la Cheo y Cai Luong ópera.
La ejecución del Dan Bau es simple pero requiere una gran precisión. El dedo meñique de la mano derecha suavemente golpea la cuerda en uno de los siete nudos de uso general, mientras que los otros dedos pulsan la cuerda con una púa larga. Con la mano izquierda, el musico puede empujar la varilla flexible hacia el instrumento con el dedo índice para disminuir el tono de la nota, o puede tirar de la varilla de distancia del instrumento con el pulgar para elevar el tono de la nota. Esta técnica se utiliza tanto para tocar las notas no están disponibles en un nodo, así como para añadir vibrato a cualquier nota.
Pham Duc Thanh Pham Duc Thanh is a world-renowned musician known for his masterful ability on the Vietnamese one-stringed instrument (Dan Bau). He was born in 1958 in Ninh Binh , Vietnam . His talent was fully apparent from his youth: he was adept at the Chèo drumming style at age 4, he learned the mandolin at age 5, and he had begun playing Dan Bau (monochord) and Dan Nhi (2-string fiddle) at the age of 5. In 1974, Duc-Thanh left Hanoi to join the largest Cheo opera troupe in Vietnam and officially became a professional Dan Bau performer. At the end of 1978 he was the only Dan Bau musician of the Cheo opera stage to attend the national Dan Bau competition of Vietnam in Hanoi ; soon after, he went to Saigon to study further the music of central and southern Vietnam . In October of 1983, he graduated with top honors from the Center for Musical Research of Vietnam. It was here that he became recognized as one of the rising musicians on Dan Bau in traditional as well as modern music. He and his family moved to Canada in 1996. Today, he is an adored performer in Montreal . Beyond the traditional music of Vietnam , he has used the Dan Bau to integrate seamlessly with the sounds and rhythms of various ethnic sounds from around the world, following in the words of the poet Van Tien Le: http://www.phamducthanh.com/
One string with all words light and heavy Half a gourd containing a world of sound.
En Estudando a Bossa, al igual que en grabaciones anteriores (Estudando o Samba y Estudando o Pagode; discos lanzados en 1976 y 2005, respectivamente), sus composiciones se nutren de la base rítmica y armónica de uno de los géneros más representativos de Brasil, la bossa nova, justamente para poner en evidencia de manera irreverente el convencionalismo y los múltiples clichés que pesan sobre este género musical.
Mientras que Caetano Veloso y Gilberto Gil –dos de los cantautores que en 1968 grabaron junto a Tom Zé el manifiesto musical Tropicalia ou Panis et Circencis– siguieron un camino más cercano al pop, éste último prefirió crear a contracorriente del tropicalismo –movimiento que fue catalogado de vanguardista en su mejor momento– y buscar su propio lenguaje por la vía de otro gran cliché: el artista marginal. Con esos antecedentes biográficos, Zé demuestra una abierta intención por revisitar y deconstruir los múltiples géneros musicales del país del orden y el progreso; pero en este caso, su objetivo es la bossa nova: género predilecto del imaginario turístico de Río de Janeiro y que tal vez sea su principal producto cultural de exportación. Tom Zé se rebela contra esas imágenes estereotipadas de a cidade maravilhosa que circulan en torno a las postales del atardecer en la playa de Copacabana, la cachaça y las mulatas caminando bajo el sol, y por eso titula uno de sus temas como Brazil, Capital Buenos Aires. Leer mas: http://nuevomundo.revues.org/61020
1. Introdução: Brazil, Capital Buenos Aires / Rio Arrepio (Badá-Badi) 2. Barquinho Herói 3. João nos Tribunais 4. O Céu Desabou 5. Síncope Jãobim 6. Filho do Pato 7. Outra Insensatez, Poe! 8. Roquenrol Bim-Bom 9. Mulher de Música 10. Brazil, Capital Buenos Aires 11. Amor do Rio 12. Bolero de Platão 13. Solvador Bahia de Caymmi 14. De: Terra; Para: Humanidade
Anna Sato nos arrastra a un lugar donde nunca has estado antes, se trata de un nuevo mundo de sonido asiático, en su voz, vive el espíritu de las Islas Amami.
Anna nació en las Islas Amami, flotando en el Mar Oriental de China. Ella ha estudiado en la isla técnicas vocales "Shimauta" desde la tierna edad de tres años. Esta es una técnica vocal tradicional, que ha sido transmitida de generación en generación. Ella ha dominado esta técnica única, y libremente pinta los colores de los espíritus cantando con eficacia en falsete. Es como si su voz evocara antiguos recuerdos de los días anteriores a la civilización, es casi imposible de describir su expresión vocal con palabras, tal vez "prehistórica" ancestral. Es la voz de un espíritu puro, alimentado con el instinto y la vida, antes de que las palabras nacieran.
Anna Sato has been singing Shimauta from the tender age of three, and has won many Shimauta contests. She marked her CD debut in 2005 from Pacific Moon Records. Since then, she has released 7 CDs, collecting international attention with her unique singing technique. Her album Shimauta has been released in the United Sates also. She is the official vocalist for Cirque Du Soleilh from 2010. Pacific Moon.
Traditional harp music of Britain & Ireland Farewell to Lough Neaghe is a solo instrumental recording using both gut and wire–strung harps. This is the first CD to feature some of the most important ancient Gaelic wire–strung harp music on a harp constructed with a one–piece willow soundbox.
1. Pibddawns Y Tant/Yr Ysgubau/Y Blodau 2. Roslin Castle/The Lea-Rig 3. Captain O'Neil/Colonel O'Hara/Sir Festus Burke 4. Bryd One Brere/Foweles In The Frith/Edi Beo Thu Hevene Quene/Sumer Is Icumen In 5. Late Hour/The Clock's Back Reel, The 6. Meillionen 7. Maille Bheag O 8. Kilburn Jig/Diarmuid's Well/The Wild Irishman, The 9. Childgrove/Daphne/'Twas Within a Furlong of Edinburgh Town/the Oak and the Ash 10. Farewell To Lough Neaghe 11. Pant Corlan Yr Wyn/Pibddawns Jones/Pwt Ar Y Bys 12. Her Mantle So Green/In Aonar Seal 13. Port 4th/Air By Fingal No. 1/Air By Fingal No. 3/Port 5th 14. When She Cam Ben She Bobbit 15. Planxty Drew/Mary O'Neill/Edmond MacDermott Roe/The Maids of Derry 16. Caismeachd Mhic Iain 'Ic Sheumais/Marbhna Cathaoir Mhic C ba 17. An P ist¡n Fionn/Se n O'Duibhir An Ghleanna 18. Port Priest/Port Atholl 19. I Was Not... Since Martinmas/An Muileann Dubh/The Highlandman/Kissed His Mother 20. Cumha Mhic Guidhir/T im I Mo/Chodhladh Is N Duisigh M‚ 21. Maggy Lauther/Bonie Jean Makis/Meikill of Me
El mundo de Comelade es atípico y su inspiración proviene de fuentes muy diversas, desde la música contemporánea a los Cramps, haciendo de él uno de los artistas más creativos y originales de nuestro tiempo. En la encrucijada de muchas formas de arte diferentes, nunca esta dónde se espera, nunca deja de sorprender a su público, llevando al oyente por caminos poéticos de la percepción primitiva. “El Pianista Del Antifaz” es el último disco de la galaxia de Comelade.
La portada es obra del ilustrador holandés JOOST SWART
Tracks a1 | O DANCING DEL GRAN FUMISME a2 | ZE CRYPTO-SITU COW-BOY RIDES AGAIN a3 | HYDROPATHES MARCHANT SUR LES OS a4 | FRIKI SERENATA a5 | FLAN SIN NATA INZENIGHT a6 | SPINOZA WAS A SOUL GARAGIST a7 | EL PIANISTA DEL ANTIFAZ a8 | EL BOLERO DEL RAVAL a9 | PORTRAIT DE L'ARTISTE AVEC DES LUNETTES POUR VOIR LES FEMMES À POIL b10 | LA BELLA DORITA b11 | I SCREAM ICE CREAM b12 | PETITA ESCENA NOCTURNA b13 | SARDANA MECÀNICA b14 | THE SKATALAN LOGICOFOBISM b15 | WALTZIN' 8 ERRORS SYSTEM (1) b16 | WALTZIN' 8 ERRORS SYSTEM (2)
Tuff Lion is an artist, himself, who could well be described as a ‘modern classic’. The very fact that you and I are existing in a frame of life which happens to not only coincide with this man’s own, but this man making music at the height of his powers is something really special. Long a fixture on the Virgin Islands Reggae scene, the Lion has played for just about every remotely prominent and gifted Reggae artist from out of the VI as a producer, a musician, an arranger, a writer and pretty much just everything you could want. In 2007, the master guitarist from out of St. Croix released his very own debut album, the very well received ”Utterance”, which actually featured him taking things to the mic and singing throughout the very strong affair. The very next year, however, he outdid himself and did so in the most natural and organic way that he possibly could without uttering a single syllable on one of the finest albums the region has ever produced. “Ten Strings”
On an album like this, besides the quality of a particular sound and song (which is unquestionable in this case), everything is left to the individual perceiving that sound. What I mean is that, when I analyze these songs, where there’re no lyrics, I’m likely (and hopefully) to get something out of them which you won’t and which Tuff Lion didn’t when he made the songs. The album was pushed by I Grade Records, and was, essentially, Tuff Lion’s own musical efforts on some of the riddims from I Grade - Basically placing music where there is generally lyrics. The results were outstanding and probably pretty difficult to analyze. I think I’ll try it anyway. (Fuente: achisreggae.blogspot.com.ar)
1. Yad Along 2. Vibes Presentation 3. Majestic Honor 4. Coming Home 5. Indigo Tides 6. Burning Bush 7. Kindred Spirit 8. Ivahlasting 9. A Different Iration 10. Lalibella 11. Love Is All 12. Zion Awake 13. Firm Foundation 14. Set Dem Free 15. Fly Away 16. Carry On 17. Blessed Feeling 18. Ancient Trees
Con un respaldo musical que va desde la electrónica más sofisticada, el jazz o el pop al folklore palestino, la cantautora y arreglista de Nazareth Rim Banna canta textos propios, o de otras y otros poetas palestinos contemporáneos como Mahmoud Darwish o Zuhaira Sabbagh, sobre las esperanzas, temores y sentimientos de un pueblo que sufre, dejando claro que la música es una herramienta importante para la autoafirmación cultural.
Recibida con entusiasmo por el mundo árabe y por la comunidad internacional, los conciertos de Rim Banna presentan una forma post-moderna de música árabe, que conecta la tradición de las canciones folk de Palestina con los sonidos más contemporáneos. Con estudios en canto moderno y dirección de conjuntos corales realizados en el Gnessin Pedagogical Institute of Music de Moscú, Rim Banna era ya una estrella en su juventud, cuando sus grabaciones de canciones infantiles dieron la vuelta al mundo árabe, siendo grandes éxitos de ventas en países como Líbano, Siria, Dubai o los Emiratos.
Tras sus estudios en Moscú, Rim empieza a desarrollar una carrera más madura, en la que da gran importancia a los textos y a la música, creando canciones nuevas o haciendo versiones de temas tradicionales, siempre buscando una conexión entre las melodías tradicionales y las formas musicales contemporáneas. Su compromiso con la causa palestina le hace ganadora del "National Prize for the Arts of the Palestinian Authority" del año 2002, premio que recibe de las mismas manos de Yasser Arafat, poco antes de su muerte.
Su participación en el álbum colectivo Lullabies from the Axis of Evil (Las nanas del eje del mal, 2003), en donde artistas de diversos países cantan canciones de cuna junto con estrellas del pop europeas o americanas como Nina Hagen, Sarah Jane Morris, Lila Downs y otras, le abre las puertas a un merecido reconocimiento internacional. Tras ese álbum, publica The Mirrors of My Soul (2005), con emocionantes canciones vinculadas a la realidad social y política palestina, y más recientemente Seasons of Violet (2007, una recopilación de adaptaciones de canciones de amor) y April Blossoms (2009), dedicado a la infancia, especialmente a la de Ghaza.
La dedicatoria de The Mirrors of My Soul dice "Este álbum está dedicado a todos los árabes y palestinos detenidos en prisiones de Israel, para reconocer y honrar su esfuerzo y su lucha por la libertad y la independencia". Acompañada por cuatro reconocidos músicos de la escena noruega, hay canciones que denuncian la situación de los niños palestinos detenidos y mártires, hay poemas de su madre, temas tradicionales, composiciones propias junto con su marido (el artista ucraniano Leonid Alexeienko), de los poetas Majed Abugosh y Tawfik Zayyad, y una bellísima canción (con letra de éste último), "The voice, the fragrance and the figure", en homenaje a Yasser Arafat.
01. The mirrors of my soul 02. The Carmel of my soul 03. Malek 04. Ya Jammal 05. Masha'al 06. Sarah 07. The moon glowed 08. The top of the mountain 09. Fares Odeh 10. The grandma with a limp 11. The voice, the fragrance and the figure
En este album de 2009 el pianista Febian Reza Pane se salió de los sonidos y melodías sofisticadas, y el trabajo de sesiones en varios géneros, jazz, clásica, etc, aqui Febian Reza nos ofrece algo más simple con un delicado toque de piano, 15 canciones que son conocidos estándar de la musica popular Brasileña, escucha la calidad del piano con la calidez acústica, mientras disfrutas de un café como en las tardes de verano, sentado disfrutando de la brisa y del sonido fresco, sin presión para fundir el calor del verano.
01. Triste 02. Ela e Carioca 03. Samba de Verao 04. Insensatez 05. Samba de Uma Nota So 06. Corcovado 07. Wave 08. Agua de Beber 09. The Shadow of Your Smile 10. Meditacao 11. Chega de Saudade 12. Fly Me to The Moon 13. Garota de Ipanema 14. Estate 15. Desafinado
