ACTUALIZADO!! La artista Christina Pluhar, que con el arpa y la tiorba ha demostrado al mundo el potencial de los instrumentos del Barroco, se aleja de ese periodo en su último trabajo con un proyecto "mucho más libre", que recorre las tradiciones de la llamada "frontera del olivo".
"Mediterraneo", ofrece un viaje de descubrimiento musical que zarpa de los cantos greco-salentinos y hace escala en las costas griegas, italianas, francesas, españolas e incluso turcas y portuguesas.
El resultado, es un proyecto "muy colorido", que le ha permitido darse cuenta de que el lenguaje musical es mucho más abierto que el verbal y facilita que músicos de cualquier cultura puedan reconocerse en los otros en cuanto suenan las notas.
El mestizaje de este último álbum cuenta con las voces de la portuguesa Misia, las sopranos españolas Raquel Andueza y Nuria Rial, las voces también del italiano Vincenzo Capezzuto y de la griega Katerina Papadopoulou, y la maestría de los músicos turcos Aytaç Dogan e Ismail Tunçbilek.
A ese conjunto llegó cuando la sorpresa de esos cantos greco-salentinos, de raíces italianas pero cantados en griego, la dejó con ganas de explorar otras "pasarelas" que tuvieran el Mediterráneo como punto en común.
"Me he alejado del Barroco. Creo que es la primera vez que lo hago, porque en los otros (discos) seguía buscando fuertes conexiones con la música italiana del siglo XVII. Este álbum es un proyecto mucho más libre, pero creo que como artista tengo la libertad de evolucionar hacia otras ideas", sostiene.
Pluhar (Graz, Austria, 1965) defiende que en canciones tradicionales de Italia, España o Portugal se puede hallar una base barroca, pero no así en las griegas o turcas, lo que provoca que las 19 canciones escogidas sean más heterogéneas que en discos como "Los pájaros perdidos", "Los impossibles" o "La Tarantella".
Y un día, la botánica amorosa hizo florecer una voz finita finita. La voz finita que está detrás del disco Arbola. Arbola es un soundtrack que hay que tratar con cariño. Llevarlo al campo. Hacerlo sonar sobre el pasto, bajo el sol, o de noche, bajo las estrellas. Un disco perfecto para primaverear. Para esperar que llegue el calor, pollerita blanca a la sombra, pies descalzos. Para que desde atrás, o desde el fondo, suenen también los pájaros. Es un poco triste, sí. Por eso es mejor hacerlo florecer al aire libre. Arbola es el primer disco de Melina Moguilevsky y tiene, por ejemplo, esta canción, que dice esto:
“Por los campos va la niña perdida en la dicha por los campos va la niña amarilla ... Con los ojos más ligeros va la niña ... Va la niña y ella no sabe que la tarde será del río.”
Y hay más. La voz finita finita también aparece en Imantás:
“El tiempo se fue se fue de mí doy gracias que mi voz se quedó aquí en mí y en ti ... Doy gracias que vos te quedaste en mí en mí.”
Anette Askvik has been described as «a Norwegian treasure who sings like an angel. Her songs will haunt you after only one listen.» Anette weaves mysterious melodies that are a curious blend of pop, rock, jazz, folk, electronica, and classical music. In 2011 she released her debut album «Liberty» on her own label; «BIRD». On the recording she collaborated with producer and pianist Øystein Sevåg, Audun Erlinen on bass, Rune Arnesen on drums, Petter Wettre on saxophone, the string quartet Katharsis among others.http://no.wikipedia.org/wiki/Anette_Askvik
Anette Askvik: el-piano and vocals Øystein Sevåg: pads, piano Audun Erlinen: bass Rune Arnesen: drums Petter Wettre: saxophone Julie Falkevik Tungevag: piano Elisa Herbig: cello Rune Arnesen: percussion
1. Liberty (5:45) 2. The Bird Song (3:41) 3. April (4:00) 4. Under the Tallest Tree (4:32) 5. Blue Lights (5:53) 6. Time to Move On (3:17) 7. Bring Her Home (5:19) 8. Without Permission (5:44) 9. You Shoot Me (4:17) 10. Days Like This (4:06)
Virgínia Rodrigues se ganó durante años la vida como manicura y empleada del hogar en Salvador de Bahía. En Mares profundos ha grabado los afro-sambas que Baden Powell y Vinicius de Moraes escribieron en los años sesenta.
Para su tercer disco, Mares profundos, Virgínia Rodrigues ha elegido los afro-sambas del guitarrista Baden Powell y el poeta Vinicius de Moraes, que ya los grabaron en enero de 1966. Se trata de una serie de canciones Canto de Ossanha, Canto de Iemanjá, Lamento de Exú... que cuentan historias de orixás, las divinidades del culto sincrético de origen africano, a través de sambas de roda, pontos rituales de candomblé y toques de berimbau. El disco original se grabó, según contaba Baden Powell, en dos pistas estéreo, un día que diluviaba. El agua había entrado en el estudio y ellos cantaban y tocaban instalados sobre cajas de cerveza y whisky que habían vaciado previamente entre todos los músicos. Fuente: El Pais
Virginia Rodrigues, Caetano Veloso (vocals) Luiz Brasil (guitar, 12-string guitar, tenor guitar, berimbau) Jaques Morelembaum (cello) Carlos Malta (soprano saxophone) Alfredo Moura (piano) Jorge Elder (bass) Thamyma Brasil (percussion).
Virgínia Rodrigues (Salvador de Bahía, 31/3/1964) es una cantante brasileña. Discografía: Sol Negro, 1997 Nos, 2000 Mares profundos, 2003 Recomeço, 2008
Virginia Rodrigues tuvo un comienzo de los que podríamos llamar difíciles. Nació, en 1964, en un barrio pobre de Salvador de Bahía, en el caluroso nordeste brasileño.
Desde muy joven, Virginia se identificó con lo poco que oyó de canto lírico y sacro, y encontró familiaridad entre su timbre de voz y los cantantes de spirituals. Aprendió a cantar en los coros de las iglesias católicas y protestantes de la ciudad, áunque ella profesa la religión candomblé. Durante su juventud y hasta el comienzo de su carrera profesional, cantó en varios de estos coros.
El director del Teatro Olodum de San Salvador, Márcio Meireles, la escuchó en un coro y la invitó a cantar en el teatro. Bastó un solo ensayo de Virginia en esa sala, que Caetano Veloso presenció, para que él se sintiera cautivado por su voz. Cuando la escuchó por primera vez, ella cantaba en latín. Dijo a propósito de ese momento: "oír ese canto, de una voz celestial que salía del cuerpo rollizo de una negra sólida, me conmovió profundamente". La idea de hacer un disco con Virginia fue de Márcio Meireles, y Caetano le pidió que grabara para su sello, Natasha Records.
Su primer disco se llamó "Sol Negro". En él sobresale una versión muy espontánea del tema "Adeus Batucada" de Sinval Silva; Virginia lo interpreta sin haber conocido la famosa grabación que hizo Carmen Miranda del mismo tema. El disco fue grabado de manera muy modesta, en la sede de Natasha Records.
Allí se improvisó un estudio de grabación, y la voz de la bahiana fue grabada como si ella estuviera en su propia casa, cantando despreocupadamente y sin muchas repeticiones. "El único lujo que nos permitimos fue tener a Djavan, Gilberto Gil y a Milton Nascimento", dijo Caetano. http://www.estaciontierra.com/artistas/artista.php?id=64
1. Blackness Of The Night 2. Moon, Moon, Moon, Moon 3. Goodbye Dance Hall 4. Carnival Dawn 5. Veronica 6. Stormy Night 7. Dry Land 8. Nobility 9. Black Sun 10. Cherubim 11. Israfel
Para profundizar un poco más en la esencia de la cultura negra de Salvador de Bahía – Brasil, Virginia Rodrigues, es una buena guía. Con su segundo CD "Nos", ofrece un paseo por las raíces de un pueblo de orígenes africanos. Por segunda vez consecutiva, Caetano Veloso ha apostado por ella haciendo la dirección musical, acompañándole con su voz en dos temas de este CD "jeito faceito ; ilê e impar /depois que o ilê passar". E imprimiendo su sello personal. Se ha convertido en la "varita mágica " de esta cantante. La voz de esta mujer te transporta a una atmósfera de culto, ejerce de sacerdotisa de Candomblé (religión traída a Brasil por los esclavos africanos), canta a los Orishàs - a los dioses, a las fuerzas sobrenaturales, al carnaval.
Virginia es originaria de un barrio humilde de Bahía, cantaba en los coros de las iglesias católicas y protestantes de la ciudad. Desde su primer CD "Sol Negro" ha creado espectación tanto en su país como fuera de él. Ha conseguido fascinar a grandes figuras de la música aparte de Caetano , David Byrne ... ¿conseguirá atraparte a ti?
Nos " es una propuesta digna de ser oída, intimista, apta para ser escuchada en soledad, en momentos de sofisticada trascendencia.
Virginia Rodrigues, Caetano Veloso, Ile Aiye (vocals); Celso Fonseca (guitar, calimba, tamboura, bells, lyre, bottles, background vocals); Mauro Senise (flute, bass clarinet); Ze Canuto (flute, alto saxophone); Dirceu Leitte (clarinet); Daniel Garcia (tenor saxophone); Henrique Band (baritone saxophone); Vikor Santos (trombone); Philip Doyle (horn); Ramiro Musotto (berimbau, calimba, percussion); Robertinho Silva (percussion); Adriana Maciel, Thiago Braga, Milton Guedes, Gabriela Azevedo, Gui Rodriquez, Bruno Levinson, Patricia Maranhao, Eduardo Prado, Nair Candia, Elisa Quieroz, Bettina Graziani, Evaline Hecker (background vocals).
1. Canto Para Exu 2. Uma Historia de Ifa 3. Salvador Nao Inerte 4. Afrekete 5. Jeito Faceiro 6. Ile E Impar 7. DePois que O Ile Passar 8. Oju Oba 9. Raca Negra 10. Deusa Do Ebano 11. Deus Do Fogo E da Justica 12. Male Debale 13. Mimar Voce 14. Reino de Daome
De Senegal a Setesdal combina la calidez africana y el frio nórdico en una colaboración única. La vocalista Noruega Kirsten Braten Berg y los solistas africanos Solo Cissokho y Sereba Kouame mezclan sus tradiciones en un sonido fresco y atemporal que va desde canciones populares para violín hasta melodías de canciones de cuna. Aunque predomina el sonido de Noruega, África sigue siendo la especia suficiente para que De Senegal a Setesdal sea un híbrido sin estudiar. Kirsten Braten Berg tiene una de las más bellas, voces puras del planeta, y vaya que si suena bien enmarcado por la magnífica kora y percusión africana proporcionada por sus colaboradores. Una experiencia encantadora, divertida de escuchar, hermosa que demuestra que la música es realmente el lenguaje universal
En 1987 el compositor Michael McGlynn de Dublín fundó Anúna. El nombre deriva del término colectivo para los tres tipos antiguos de la música celta, Suantraí (canción de cuna), Geantraí (canción alegre) y Goltraí (lamento). Uno de los objetivos declarados del coro es el de explorar y redefinir la música. Anúna con sede en Dublín, es un coro a capella que llevan a cabo entre once y catorce cantantes. El grupo está dirigido por Michael McGlynn y su hermano gemelo John.
Invocación un título apropiado, como la palabra invocación significa "el acto de...un llamamiento a un espíritu...en busca de inspiración". Este álbum, al igual que todos los demás de Anuna, invocan al espíritu de Irlanda, que llega a través de los siglos, la combinación de fragmentos de textos celtas medievales y modernos con la armonización coral y los arreglos vocales, hábilmente diseñados y ejecutados por el compositor de Anuna el director Michael McGlynn. Con todo el respeto, de acuerdo con las críticas que categorizan a Anuna como "Celtic-New Age". Esta música no se parece a nada de lo que se ofrece en la música coral contemporánea en todo el mundo, y, al ser tan innovador, que desafía la categorización si pudiera ponerlo en una categoría, sería "una moderna Capilla de Música Coral con un toque irlandés antiguo". Esté preparado para una experiencia auditiva que inspirará su imaginación, el desafío que musicalmente, llegara a tu corazón.
"Invocación" ofrece un respiro Independientemente de la espiritualidad personal o sistema de creencias, música coral etérea, llena de tradiciones medievales y cantada en gaélico.
Aunque todas las pistas de este CD son una joya, es el último el que tal vez mejor resume la esencia de la "Invocación". Titulado "El viento en el mar", el texto del poeta místico Glungel Amergin del siglo Sexto proclamó, "Yo soy el viento que sopla sobre el mar Yo soy la ola en el océano ¿Quién sino yo puede arrojar luz sobre la reunión de las montañas? ¿Quién sino yo voy a llorar en voz alta los cambios de la luna? ¿Quién sino yo puede encontrar el lugar donde se esconde el sol?"
1. The Rising Of The Sun 2. Sleepsong 3. The Last Rose 4. Hin Barra 5. Winter, Fire And Snow 6. Under The Greenwood 7. Heia Viri 8. Song Of Oisin 9. Quis Est Deus 10. Peperit Virgo 11. Siuil, A Ruin 12. Goltrai 13. Innisfree 14. Wind On Sea
Passionaria es un disco que se destaca por el trabajo vocal que se enraiza en el formato trío y se anima a las más sutiles combinaciones tímbricas instrumentales. Soema Montenegro junto a Jorge Sottile (arreglos, bandoneón y percusión) y Marcos Cifuentes (contrabajo), encuentran en la calidez de lo acústico un singular juego capaz de transformar los límites de lo popular y lo folclórico. "Investigando y explorando la voz día a día, el canto se renueva completo, se mueve", escribió Soema en una acertada declaración de principios que encabeza su portal de Internet y esa sentencia se aprecia plenamente en este trabajo, continuador del también inquietante Uno, Una, Uno.
Aunque hay arreglos y dirección musical del multiinstrumentista Sottile, Montenegro ejecuta también en este álbum la guitarra, el cuatro y la caja.Passionaria será presentado en agosto en Francia y Suiza, mientras se confirma una gira por Marruecos. Además, Montenegro ya tiene confirmadas fechas para presentarlo en septiembre en Estados Unidos.
1 Leyenda Del Cururú 2 Flores Del Desierto 3 Cuando Pasa 4 Milonga De La Ensoñada 5 Río Arriba 6 Colibrí 7 Invocación A La Passionaria 8 El Camalote 9 Profundidades 10 Canción Del Dragón 11 En El Viento 12 Molecularmente
JAMESETTA HAWKINS, (1938 – 2012) poderia figurar, na mídia internacional, ao lado de Aretha Franklin, também como a Rainha do Soul e do Rhythm & Blues. Etta James (Jamesetta, escrito ao contrário) teve uma vida pessoal atribulada: mestiça, sem saber que era o pai, obesidade, drogas, amores mal resolvidos, problemas existenciais, etc... Tudo o que foi citado, levou a alternar períodos de intensa exposição, com períodos de obscuridade. Esta alternância a privou de uma maior exposição midiática, que a tornaria tão ou mais famosa que Aretha. Etta sempre foi considerada uma cantora “cult”. Qualidade artística, ela tinha de sobra, que o digam os seus admiradores (eu, por exemplo). Felizmente obteve o reconhecimento em vida, os anos 2000 foram pródigos em homenagens e prêmios. Seu melhor período vai de 1954 (início da carreira) até 1970. Especiais foram os anos das gravadoras Chess e Cadet (década de 1960) de onde surgiram seu dois “big hits”: “At last” e “Tell Mama”. O disco que apresento aqui, é deste período. Além da óbvia “Tell Mama”, há jóias como “Security” , “Misty”( que não constava no LP original) e “I got you babe” (edição original apenas em single), que desde 1968, me fez esquecer para sempre a versão de sua lançadora: Cher. É muito, soul, muito blues, e até rock. Etta transitava por esses gêneros, sem preconceitos, sempre com aquela interpretação forte e marcante. Para que gosta de soul dos anos 60, que influenciaram (e muito!) Amy Winehouse, por exemplo, é um “prato cheio”
Gorda, ou magra. Jovem, ou idosa. Brilhante, ou obscura. Etta simboliza, como poucas, o melhor da música, seja dos Estados Unidos(e por que não?, ou do mundo.
MÚSICAS 01 - TELL MAMA 02 - I'D RATHER GO BLIND 03 - WATCH DOG 04 - THE LOVE OF MY MAN 05 - I'M GONNA TAKE WHAT HE'S GOT 06 - THE SAME ROPE 07 - SECURITY 08 - STEAL AWAY 09 - MY MOTHER-IN-LAW 10 - DON'T LOSE YOUR GOOD THING 11 - IT HURTS ME SO MUCH 12 - JUST A LITTLE BIT 13 - DO RIGHT WOMAN, DO RIGHT MAN 14 - YOU TOOK IT 15 - I WORSHIP THE GROUND YOU WALK ON 16 - I GOT YOU BABE 17 - YOU GOT IT 18 - I'VE GONE TOO FAR 19 - MISTY 20 - ALMOST PERSUADED 21 - FIRE 22 - DO RIGHT WOMAN, DO RIGHT MAN
The Bulgarian Voices Angelite Estas voces búlgaras fenomenal por primera vez en Alemania en 1987 en la ciudad de Bremen. En los años siguientes, una carrera sin precedentes que tuvo en todo el mundo - desde Alaska hasta Japón, desde México hasta la India. Ellos han cantado en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en Oslo (1996) y de un maharajá indio, han colaborado en conciertos con el japonés y tambores Kodo produce grabaciones con cantantes fascinante matiz de Tuva. Ellos grabaron música de la Iglesia Ortodoxa y "Pasión Balcanes", un proyecto con invitados internacionales hasta Maria Farantouri, Sezen Aksu, Fanfare Ciocarlia o una austriaca de producción de televisión "Voces de Dios", con André Heller. En 2002 se realizó con la Orquesta Sinfónica de Nuremberg y, junto con Bobby McFerrin von Aire ZDF Classic Open en Leipzig.
Moscow Art Trio El Trío de Arte de Moscú es una de las formaciones más interesantes del jazz de Nueva. Junto al compositor Misha Alperin - que se considera "una especie de pianista improvisando" no hay Arkadi Shilkloper, una trompa de formación académica y la cantante de folk y el clarinetista Sergey Starostin. Para el trío de las fronteras entre el jazz, el folk y la música clásica se han convertido en irrelevantes. Con un sentido del humor juguetón, elementos de muy diferentes orígenes se han transformado en algo totalmente nuevo. Como el Frankfurter Rundschau señaló: "composiciones Alperin no se pueden clasificar según el género... Se deben tanto a Bartok y Schnittke como lo hacen con Chick Corea y Keith Jarrett."
Con Misha Alperin JARO fue capaz de contratar uno de los vagabundos más creativos de hoy entre el jazz, la música clásica contemporánea y popular. En el centro de su trabajo como compositor e intérprete, es el trío de Arte de Moscú, fundado en 1990. Alperin nació en Ucrania en 1956 y creció en Besarabia rural en la parte oriental de Moldavia. Ha tocado con músicos de folk, mientras que también está estudiando composición y piano. Alperin se trasladó a Moscú en 1983, donde se reunió con el corno francés y flugelhorn Shilkloper virtuoso Arkadi. Alperin comenzó de forma experimental, hacer referencias cruzadas entre los elementos de las músicas gente rusa y rumana de Moldavia región, con su comprensión subjetiva de la tradición del jazz. Desde 1993 vive en Noruega Alperin y enseña en la Academia de Música del Estado Noruego. Se ha convertido en una figura central en la nueva música improvisada del extremo norte. Alperin también lleva a cabo proyectos con otros músicos y toca el piano en solitario. Él lanzó varios álbumes con el sello ECM. Compone música para el cine, la música para ballets y ha hecho arreglos para el proyecto intercultural con Huun-Huur-Tu y angelita. Misha Alperin es el director artístico de la Historia de Montaña proyecto.
Huun-Huur-Tu El matiz incomparable conjunto de Tuva Huun-Huur-TU o la garganta cantando, desarrollado originalmente por la gente de la estepa, es una de las técnicas vocales más fascinantes conocidos. Permite que el cantante a cantar hasta tres tonos simultáneamente. Las canciones son acompañadas por los instrumentos tradicionales. En los EE.UU., donde han sido invitados a colaborar con el Kronos Quartet, Frank Zappa, The Chieftains y L. Shankar, su éxito fue abrumador, casi inmediatamente. Tuvinian cultura se asemeja a la cultura mongola mostrando un profundo respeto por la naturaleza. La música tiene un carácter ritual, pasajes meditativos son underlayed por fuertes estructuras rítmicas. Con todo, hay una cualidad misteriosa a la música HHT, que se mantiene constante en sus grabaciones y actuaciones. HHT se han dedicado a aprender viejas canciones y melodías, sus resultados reflejan los valores de la innovación tanto como la tradición.
Trio Esperança es un conjunto vocal formado en Río de Janeiro en 1958 por los hermanos Mario y Evinha Regina.
Integrado por otra hermana, Marisa, el grupo grabó el LP "Hope Trio" en 1970, con la primavera (Casiano y Rochael), "La esperanza Trio" en 1971, durante el almuerzo (Melchor), "La esperanza Trio" en 1974 con la sandalia Arrastre (Correia y Roberto Lemos John) y "Esperanza Trio" en 1975, con Marambaia (Henricão y Rubens Campos), todo ello a EMI-Odeón.
Que residen en Europa, las hermanas Eva, Regina Mariza y, todavía hoy. miembros
Mario Correia José María (Río de Janeiro, 1948) Regina José Maria Correia (Río de Janeiro, 1946) Eva María José Correia, el Evinha (Río de Janeiro, 1951) Marisa Correia José María, (Río de Janeiro, 1957)
Durante más de cuarenta años, las voces de Ladysmith Black Mambazo han casado los ritmos y armonías de las nativas tradiciones musicales de su querida Sudáfrica con los sonidos y sentimientos que emanan de la música gospel. El resultado es una alquimia musical y espiritual aclamada por una audiencia mundial que representa todos los rincones del panorama religioso, cultural y étnico. Sus trabajos musicales de las últimas cuatro décadas no sólo han cosechado elogios y reconocimientos de la industria discográfica sino que también ha supuesto una consolidación de su identidad como una fuerza cultural a tener en cuenta.
Grupo coral masculino liderado por Joseph Shabalala, su música representa el resurgimiento de la nueva Sudáfrica tras los duros años de racismo y apartheid. Surgido en torno a 1960, Ladysmith Black Mambazo forma parte de una larga tradición zulú llamada isicathamiya (que viene a significar algo así como "caminar o pisar con los dedos de los pies a la ligera"). Las raíces de isicathamiya se remontan a comienzos del siglo XX cuando grandes grupos de hombres dejaban sus tierras y familias para encontrar trabajo en la ciudad, viviendo en albergues con otros hombres cerca de las minas. Como no podían formar equipos para practicar deportes, utilizaban el canto como medio para permanecer cerca de sus raíces.
Ladysmith Black Mambazo comenzó a ser reconocido a nivel internacional gracias a su participación, en 1986, en el legendario disco Graceland de Paul Simon. Carente de instrumentos, su música es enormemente apreciada entre la afición de la world music. Varios premios Grammy han jalonado su trayectoria, el último en 2009, y ejemplo de su popularidad es que sus miembros fueron invitados a actuar a actuar en la ceremonia de entrega del premio Nobel de la Paz a Nelson Mandela, a quien acompañaron también en su toma de posesión como presidente de Sudáfrica.
Favourites es una colección de temas editados entre 1987 y 2000, seleccionados especialmente por su líder Joseph Shabalala, con la intención de transmitir a sus oyentes "armonía, amor y paz" con el canto a capella. Como señala Shabalala, "viajamos por el mundo difundiendo nuestro mensaje de paz, amor y armonía. ¿Qué puede ser mejor o más importante que eso?".
01. Inkanyezi Nezazi (The Star and the Wiseman) 02. Sibezwa Bekhuluma (We Hear Them Talking) 03. Watatazela (You Seem to Be in a Hurry) 04. Amabutho (Warriors) 05. Ngaza Ngambona (I've Seen Him) 06. Khayelihle Khaya Lami (My Beautiful Home) 07. Lifikile Ivangeli (The Gospel Has Arrived) 08. Uthando Olungaka (What a Great Love) 09. Ebetlehema Yiyo Lenkosi (In Bethlehem, He Is the King) 10. Indukuzethu (Our Fighting Sticks) 11. Bakhuphuka Izwe Lonke (They Went Up To The Country) 12. Sadumela Intozabanye (We Surprised Other People) 13. Sithando Ngize Kuwe (Love, I've Come to You) 14. Thandiwe Wami (My Lover) 15. Baxabene Babangani (Friends Who Have Quarrelled) 16. Yinhle Lentombi (This Lady Is Beautiful) 17. Emgodini (Down the Mines) 18. Halleluya 19. Amazing Grace / Nearer My God to Thee
Hồng Nhung é uma cantora vietnamita. Ela é uma das quatro divas da música vietnamita, juntamente com Thanh Lam, My Linh, e qui Tran Ha. Ela também é conhecida por sua performance das canções do compositor Trịnh Công Sơn.
Nhung nasceu em Hanói, foi abandonada por sua mãe antes dela ter um ano de idade e foi criada pela avó. Seu pai era uma figura boêmia que entrava e saia de sua vida, nunca contribuindo muito dinheiro, que já era curto, para a comida e roupas.
Nhung , no entanto, tinha uma boa voz e quando ela tinha 11 anos, ela cantou sua primeira música na Rádio do Vietnã. Aos 17 anos fez seu primeiro álbum, e em 21 ela estava começando a fazer um nome para si mesma
Lê Hồng Nhung nasceu em 15 março de 1970, em Hanói. Aos 10 anos de idade, foi admitida para a a aula de canto da Casa da Cultura da Juventude de Hanoi. Em 1981, ela começou a gravar com a Rádio a “Voz do Vietnã”. Ela ficou conhecida como uma cantora jovem e promissora com canções Nhớ Về Hà Nội e Papa, um “cover” vietnamita da canção de Myo.
Em 1991, Hồng Nhung mudou-se para a cidade de Ho Chi Minh (antiga Saigon). Ela conheceu o compositor Trịnh Công Sơn em 1992 e começou a executar suas músicas com um novo estilo, criando uma onda de música vietnamita. Hồng Nhung atualmente está morando na cidade de Ho Chi Minh.
MÚSICAS: 01 - Phố mùa đông 02 - Tinh yêu ò lai 03 - Bài hát ru mùa đông 04 - Sao chǻng về vói em 05 – Biên ngày mua 06 – Một đem mua tháng giêng 07 - Ngày không mua 08 - Hǫa mi hót trong mua 09 - Ngày anh về 10 - Rôi có lúc
Veja o vídeo:
MÚSICOS: Quốc Trung – Keyboards, back vocals Tanh Phương – Guitars, back vocals Ngốc Quân – Percussion Vũ Hà – Bass
Aziza Mustafa Zadeh (Em Azeri: Əzizə Mustafazadə, nascida no Azerbaijão em 19 de Dezembro de 1969), também conhecida como a Princesa do Jazz, or “Die Prinzessin des Jazz”, ou como “Jazziza”, é uma pianista, cantora e compositora. Toca uma fusão de jazz e “Mugam” (um tradicional estilo de improvisação do Azerbaijão), com influências clássicas e vanguardistas. Os editoriais de musica têm dito que seu estilo mostra também alguma influência de Keith Jarrett. Ela atualmente reside em Mainz, na Alemanha com sua mãe, Eliza Mustafa Zadeh, que também é sua empresária. Suas duas atividades de lazer favoritas, diz ela, são pintar e dormir. Desde 1991, Aziza vendeu cerca de 15 milhões de álbuns no mundo inteiro.
Aziza nasceu em Baku, filha de pais músicos: Vagif e Eliza Mustafa Zadeh. Vagif foi um pianista e compositor, famoso por criar a fusão jazz-Mugam, que sua filha agora toca. Eliza é uma cantora de formação clássica da Geórgia.
Aziza gostava de todas as formas de arte, especialmente a dança, pintura e canto. Aos três anos de idade, ela fez sua estréia nos palcos com seu pai, fazendo uma improvisação vocal. Ela começou a estudar piano clássico desde cedo, demonstrando especial interesse nas obras de famosos compositores Johann Sebastian Bach e Frédéric Chopin. Logo depois, ela mostrou um talento crescente para a improvisação.
Em 1988, na idade de 18 anos, o estilo de influência Mugam ajudou Aziza a conquistar o terceiro lugar, juntamente com o americano Matt Cooper na competição Thelonious Monk para piano em Washington-DC. Foi nessa época que ela se mudou para a Alemanha com sua mãe. Aziza lançou seu álbum de estréia, Aziza Mustafa Zadeh, em 1991. Seu segundo álbum, “Always” lhe rendeu o Phono Academy Prize, um prêmio de prestígio da música alemã, o Prêmio Eco da Sony. Ela já apresentou-se em muitos países, com muito jazz, canções tradicionais e lançou vários álbuns mais. [Extraido de: WIKIPEDIA]
