Una es Laura, la otra es Gianna. Una toca el chelo y canta, la otra toca el clarinete y también canta. Juntas forman el dúo Las Hermanas Caronni. Son mellizas y nacieron en Suiza, donde sus padres se habían instalado poco antes de que las fuerzas armadas tomaran el poder en Argentina. Sin embargo, a un año y medio de edad fueron llevadas por sus padres, psicólogo él, médica ella, y ambos melómanos, a Argentina, donde la familia se instaló, en Rosario más precisamente, la ciudad de los progenitores. El árbol genealógico de las Caronni es un concentrado de Europa: un abuelo suizo italiano, y parte de la familia de origen ruso e irlandés.
“Los argentinos que vienen de Rosario o de Buenos Aires estamos cerca de un puerto y vivimos en una permanente nostalgia. De generación en generación estamos yendo y viniendo y un poco de eso es nuestra música”, explica Gianna Caronni. Tras ser diplomadas en Argentina y haber integrado conjuntos de música de cámara, orquestas y grupos de música tradicional, las hermanas Caronni se afincaron en la ciudad de Lyon, ambas becadas, en 1998 y, desde entonces, viven en Francia, en la ciudad de Burdeos.
"Un dúo como el nuestro -explica Laura- es como si uno debe hacer una pintura y sólo tiene blanco y negro, y eso te obliga a explorar todas las posibilidades que hay: yo uso el chelo como percusión, como contrabajo, como violín; Gianna canta, toca el clarinete y algunas percusiones. Tenemos que hacer una especie de construcción minimalista que nos lleva a buscar límites cada vez más lejanos".
Sobre sus grabaciones discográficas precisa Gianna: "en el primer disco prevalece mucho la música argentina y de inspiración latinoamericana. En el próximo reuniremos composiciones más cinematográficas, música para danza contemporánea, teatro y cortometrajes. Queremos que los discos tengan una unidad en sí".
“Nos miran como una rareza y lo somos. Siempre hemos cambiado, somos muy curiosas, no sé si eso es bueno o malo, y, en este caso, la curiosidad es inventar nuestra propia música, la cual es el resultado de lo que somos. Es honesto. No venimos del folclore pero lo conocemos, tenemos formación clásica y hemos hecho música del Renacimiento, hemos tocado con músicos de jazz, de rock o de músicas tradicionales”, concluye Gianna Caronni. Fuente
Pistas:
01. Chelimbao 02. Los Ejes De Mi Carreta 03. El Jarrito 04. Milonga Campera 05. La Noche Llega 06. Yuyo Verde 07. Antigona 08. Pollera Azul De Lino 09. Nabraska 10. Esta Cajita 11. Galopando 12. Chiche Pempe 13. Baguala Da La Siesta
El mundo de los intérpretes y los compositores se cruza en el pentagrama de sus vidas para bien de la música y gozo de sus devotos.
Desde que Hernán Gamboa partió hacia los Estados Unidos desde su natal Venezuela, llevando en su corazón el cuatro que aprendió a tocar en Barinas al lado de su padre y Federico Britos, hizo lo propio con el violín ―amigo y otro yo― desde Uruguay; encendieron una llama que en esta afortunada obra sonora tratan con delicadeza y una facilidad que nos permite escuchar aires en dos por cuatro de nuestra América mestiza.
La idea de convertir en realidad esta idea nació en el seno del experimento social llamado Miami, cada vez transformada en una Viena musical de Latinoamérica.
Federico y Hernán enriquecen el panorama artístico del Sur de la Florida, segundo hogar de dos millones de iberoamericanos.
“Hagamos algo que llame la atención”, sugirió el incansable Gamboa a Britos.
Una invitación aparentemente fuera de lugar ―tango con cuatro― pero al mismo tiempo tentadora, porque la iniciativa mezclaba tres instrumentos de cuatro cuerdas: violín, cuatro y contrabajo, que nunca habían sido protagonistas únicos aun cuando el contrabajo no está presente en todos los temas.
Federico, quien soñó una mañana de infancia que Ticholo Paganini lo había invitado a dar un concierto de violines a dúo en una plaza italiana no tuvo que pensar dos veces la propuesta de Hernán, y fue así como al salir el sol del nuevo día, la ilusión empezó a sonar.
Estos dos maestros logran mostrarnos el virtuosismo impecable que se puede obtener del diálogo de un violín y un cuatro, algo exótico, diferente y tan extraño, ejecutando una milonga, un vals, un tango o un candombe.
Y en verdad es un trabajo inédito y una experiencia musical sin precedentes, que realiza por primera vez.
Son trece canciones de las cuales Hernán canta cuatro, la número 4, 7, 10 y 12, incluido un candombe pegajoso, escrito por Alberto Brito, a través del cual los dos talentos rinden un emotivo homenaje a la memoria del padre de Federico.El violín de Britos ha estado presente en grabaciones con Charlie Haden, Bebo Valdés, Kent Peplwski, Bucky Pizzareli, “Cahao”, Kalunga Kalungangué, es eco de viejos “tatas” del Candombe de mediados del siglo XIX: cantos y alabanzas con el tambor amigo de los negros esclavos llegados a Montevideo entre 1715 y 1810, en barcos de banderas inglesas y españolas.
Cuando dos talentos graduados de maestros por la vida, como Hernán y Federico, se unen para hacer música, el resultado es genial… y este trabajo discográfico lo confirma.
“Tangos en 3 x 4”, de mis admirados amigos y brillantes músicos Hernán Gamboa y Federico Britos, lo he disfrutado con deleite de principio a fin, mirando las aguas de la Bahía de Biscayne desde mi ventana, y tomándome un café sin azúcar. Miami se honra en tenerlos como artistas de la casa.
Enrique Córdoba
Federico Britos nació en Montevideo, Uruguay.Comenzó sus estudios de violín a los ocho años de edad.También empezó a componer cuando era un niño.Su primera composición “Capricho uruguayo” fue estrenada por el violinista rumano George Boulanger, durante una gira por el Uruguay.
Ha compartido escena con grandes músicos como Astor Piazzolla, Cachao, João Gilberto, Dizzi Gillespie, Duke Ellington y muchos otros más.
Ha participado en afamados festivales de jazz: Montreaux, Montreal, San Francisco, Berna y Basilea (Suiza).Participó también en el homenaje a Stephane Grappelli en el Carnegie Hall en diciembre de 1998.Forma parte de la orquesta del Maestro Cachao con quien ha grabado sus últimos discos, uno de ellos “Ahora sí” fue ganador de un Premio Grammy.
Hernán Gamboa, músico, cuatrista, compositor y cantautor, nació en San Tomé, Estado Anzoátegui, Venezuela.Ha llevado el cuatro venezolano a más de sesenta países en el mundo.Fue miembro fundador del grupo Serenata Guayanesa al que perteneció por quince años con gran éxito y proyección internacional.Hernán Gamboa ha sido la primera persona en interpretar tangos con su cuatro en Buenos Aires y Montevideo; presentándose ante grandes multitudes y realizar grabaciones con dicho instrumento en Argentina.Por otra parte, Hernán ha tenido la oportunidad de compartir sus interpretaciones tangueras y milongueras en conciertos o programas de televisión con figuras del tango como Libertad Lamarque, Susana Rinaldi, Mercedes Sosa y Facundo Cabral, entre otros.
En el flujo y reflujo de la vida, las cosas se unen y las cosas se desmoronan. Este ritmo constante se observa en la vida cotidiana, así como en resúmenes históricos de siglos pasados. Bata Ketu es un juego Inter-musical que consiste en seis actos. Cuenta la historia de la música yoruba, desarraigada de la Madre África, transplantada en Cuba y Brasil, evolucionando por separado en el tiempo, para luego reunirse en la actualidad. En esta reunión de dos "hermanos" separados durante mucho tiempo, las diferencias y similitudes para crear una nueva forma, arte dinámico a través del desempeño y la celebración.
Durante los largos años de esclavitud en la que los yorubas y sus descendientes sufrieron en Cuba y Brasil, sus deidades ancestrales, Los Orishas, aparecerían en el mundo físico por medio de la posesión de los iniciados. A través de un arte vivo de la canción, los tambores y la danza, los orishas han vivido en la medida de las costas de África. Se podría decir que cada vez que los ritmos del orisha se tocan o cantan sus canciones, existen en nuestro mundo físico. Al escuchar esta grabación, oirás los instrumentos de percusión afro-cubanos y afro-brasileños que acompañan a la llamada y respuesta a las canciones dedicadas a los orishas. Estas canciones espirituales invocan la belleza y el poder que se comunican directamente al ser interior de cada persona. Las canciones provienen tanto de los cubanos (lucumí) y brasileños (candombe). En algunos casos, los tambores cubanos acompañan canciones brasileñas, mientras que los tambores y ritmos brasileños acompañan las canciones cubanas. En otros casos, dos versiones de la misma canción, uno de cada país, se cantan espalda con espalda. Aunque ambas versiones son claramente la misma canción, la diferencia entre los sabores brasileños y cubanos deleitan los sentidos. Por otra parte, hay un maravilloso sentido del equilibrio en Bata Ketu, ya que las canciones cubanas son cantadas por una mujer, y las canciones brasileñas son cantadas por un hombre. Estos acuerdos no sólo demuestran un profundo conocimiento de ambos linajes, tambien la variedad y el ingenio de las agrupaciones para crear texturas musicales nuevas y originales que pueden ser apreciadas por el principiante y el aficionado por igual. http://www.bembe.com/bataketu/
La extraordinaria música escuchada en Bata Ketu es la obra de dos percusionistas visionarios estadounidenses, Michael Spiro y Mark Lamson, Les acompañan el Maestro de la percusion brasileño Jorge Alabe, la cantante y musicologa cubana Bobi Céspedes y Regino Jimenez considerado uno de los mas grandes olú-batá (percusionista) de Cuba.
MILES DE AÑOS: La actividad artística de Miles de Años comienza a principios del año 2000 en la ciudad de Mendoza, Argentina, recorriendo teatros y festivales de Suiza, Italia, España, Chile, Uruguay y Argentina.Sus inquietudes los llevan por escenarios nacionales e internacionales. Por donde van, el público parece captar de inmediato que sólo se trata de música en su más puro estado y expresión. Si bien puede provenir de muchas raíces étnicas como la hindú, la africana y la andina, no dejan de lado la influencia del jazz, del rock y de la música contemporánea, conformando una atractiva fusión que da lugar a una nueva mirada de la música contemporánea sudamericana.
En el año 2002 editan su primer CD “Miles de Años”, en el 2004 “Sutra” y en el 2007 “Plexo”. Fuente
El grupo estaba integrado por: Quique Öesch, Valdo Delgado y Eduardo Pinto.
Valdo Delgado y Eduardo Pinto fallecieron en un accidente de transito el 7 de Enero del 2008, alrededor de las 7am en el kilómetro 216 de ruta 2, en Uruguay, a la altura del puente sobre el arroyo Maciel.
Lista de temas:
1. Flores blancas 2. Poetas de la luz 3. El viejo voló 4. Ciencia y religión 5. Conecta umbilical whit pachamama
La actividad artística de Miles de Años comienza a principios del año 2000 en la ciudad de Mendoza, Argentina, recorriendo teatros y festivales de Suiza, Italia, España, Chile, Uruguay y Argentina. Sus inquietudes los llevan por escenarios nacionales e internacionales. Por donde van, el público parece captar de inmediato que sólo se trata de música en su más puro estado y expresión. Si bien puede provenir de muchas raíces étnicas como la hindú, la africana y la andina, no dejan de lado la influencia del jazz, del rock y de la música contemporánea, conformando una atractiva fusión que da lugar a una nueva mirada de la música contemporánea sudamericana.
En el año 2002 editan su primer CD “Miles de Años”, en el 2004 “Sutra” y en el 2007 “Plexo”. Fuente
El grupo estaba integrado por: Quique Öesch, Valdo Delgado y Eduardo Pinto.
Valdo Delgado y Eduardo Pinto fallecieron en un accidente de transito el 7 de Enero del 2008, alrededor de las 7am en el kilómetro 216 de ruta 2, en Uruguay, a la altura del puente sobre el arroyo Maciel.
Pero nos dejaron su música, y su increible talento que comparto con ustedes en estos dos discos que espero, disfruten tanto como yo.
Lista de temas:
01. Bajando el cerro 02. Sutra 03. Río Blanco 04. Viaje 05. Corazón amazónico 06. Respira 07. Notas de flauta 08. Llamador de ángeles 09. Corteza 10. Alfombra de oriente 11. En Sincro 12. Dombre VIII 13. Fragancia acústica
Tamaño: 84,58Mbs
Formato de audio MP3 44100Hz Joint Stereo 256kbps tiempo total de reproducción: 58 min.
¡Discazo! Presento el primer álbum de esta banda. Es un disco completito, tiene de todo: sus partes power, cortes y cambios de ritmo, climas, melodías, justeza, prolijidad, algo de virtuosismo, instrumentos no convencionales, y esas canciones medio de las estepas rusas que le dan un aire originalísimo al álbum. Agregaría algo más que creo que es lo que define al disco: es un álbum muy fino, muy delicado aún en sus partes más fuertes, donde rebalsa buen gusto por todos lados. Yo no dejo de escucharlo desde que tuve el disco.
La taiga (todo territorio inhabitado, cubierto de vastos bosques; espesura del bosque) o bosque boreal es un bioma caracterizado por sus formaciones boscosas de coníferas, siendo la mayor masa forestal del planeta. En otros países se emplea taiga para referirse a los bosques boreales rusos y bosque de coníferas para los demás países. Geográficamente se sitúan al norte de Rusia y Siberia, norte de Europa, en la región de la Bahía del Hudson, al norte del Canadá y en el estado de Alaska. Está limitada al sur por la estepa y al norte por la tundra. El Hemisferio Sur no tiene zonas de taiga porque la porción de tierra en las latitudes en que esta se desarrolla es muy reducida. (Wikipedia)
El concepto de "Taiga" está centrado en los fríos bosques del hemisferio norte, donde la nieve cubre permanentemente la superficie terrestre. Paisajes vastos que despiertan una intrigante sensación de soledad y quietud. Este fue el escenario de uno de los sucesos naturales más catastróficos y enigmáticos del siglo XX, el "evento de Tunguska". Una gran bola de fuego cayó de los cielos produciendo una inmensa explosión que destruyó grandes extensiones de bosque sin dejar el menor rastro acerca de su origen.
Al disco lo sostienen cuatro temas llamados "Reminiscencias" cuya idea musical surge de la modificación de materiales sonoros presentes en la idea principal, estos temas son aquellos más largos y definidos en su estilo, más un par más de temas largos, mientras que cuatro de los temas son cortos... siendo tres de ellos muy cortos (alrededor de un minuto) y sirven de interludio o nexo entre un clima (tema) y otro.
En las composiciones del álbum gobiernan los cambios de clima, los cambios rítmicos y diversos recursos armónicos y contrapuntísticos propios del estilo, combinados con la resultante de una experimentación rítmica y tímbrica. Con gran variedad de climas sonoros, al parecer el concepto del disco sirve como punto de lanzamiento de una serie de críticas sociales y ecológicas. Exploran universos utilizando instrumentos de distintos orígenes... mientras el sonido y atmósferas de las estepas rusas inunda el álbum y le da unidad. El disco (digamos, la obra completa) cierra con uno de estos temas principales que reafirma el concepto de entrecruzamiento y de ideas "espejadas" que se hace presente a lo largo de todo el disco: el quiasma (entrecruzamiento entre una pareja de estructuras orgánicas, por ejemplo en el quiasma óptico se entrecruzan los dos nervios ópticos que van al cerebro). Aquí se expresan en colores opuestos, dualidades yuxtapuestas, imágenes enfrentadas, cantos-guerras, lobo-hombre, vida- muerte, construcción-destrucción. Las influencias musicales de la banda gira en torno a Pink Floyd, King Crimson llegando a los grupos más sinfónicos (ELP o Genesis) hasta las vertientes más actuales encabezadas por Dream Theater o Radiohead. Y eso se expresa en el álbum, que parece una combinación del estilo de cada banda: rock progresivo instrumental con atmósferas, climas y cierto grado de sinfonismo, con un sonido moderno y algunos toques de post-rock.
Más allá de recalcar sobre lo musical, también quiero decir que el sonido es de primera, al no estar "perilleado" (¿se entiende ese término?): término castellanizado salido de la "loudness war" y que se refieren a sobresaturaciones del sonido para que el disco tenga más "impacto" aunque menos calidad de sonido. Sobre los músicos, ellos son amigos que se divierten tocando juntos, algunos se conocen desde la adolescencia, desde el año 2000 están juntos haciendo música y nunca han tenido cambios de alineación, trabajando siempre para mejorar y expresar todo a través del sonido y con su amistad como nexo principal. Háganme caso y descárguense directamente el disco que no se van a arrepentir salvo que estén buscando el álbum de Justin Bieber.
Aunque para escucharlos les dejo los links a su espacio en MySpace y ReverbNation, aunque ahora que miro, allí hay algún video, que usaré para presentar el post... aunque no tiene buen sonido y la verdad comparar al disco con la música del videos no le hace nada bien al álbum, pero bueno, es lo que hay. Recuerden que lo que encontrarán en el álbum es 1000 veces mejor que lo que escuchen del video.
No se pierdan este gran disco, muy recomendado.
Pero, repito, recuerden que lo que encontrarán en el álbum muchísimo mejor que lo que se escucha en el video.
Lista de temas: 01. Mosaicos en contacto 02. Tratado del Lobo Estepario 03. Reminiscencia I 04. Hueicha 05. Reminiscencia II 06. Tunguska 07. Reminiscencia III 08. Caleidoscopio 09. Santa Rusia 10. Reminiscencia IV
Baden Powell de Aquino (6 de agosto de 1937 - 26 de septiembre de 2000) ampliamente conocido como Baden Powell, fue un guitarrista brasilero. Interpretó muchos estilos de música brasilera tales como Bossa nova, Samba, Jazz brasilero, Pop brasilero, Jazz latino y Música Popular Brasileña (MPB).
Es padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Luis Marcel Powell de Aquino.
Hijo de Adelina y del guitarrista Lino de Aquino, Baden Powell de Aquino nació en Varre-e-Sai, en el Estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre le dio ese nombre por ser admirador del creador del escultismo, Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio en la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno le resultó profundamente influyente. Su casa fue una parada popular para los músicos durante su infancia. Pronto comenzó con lecciones de guitarra Jayme Florencia, un famoso guitarrista de Choro en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, después de haber ganado muchos concursos de talentos antes de su adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas en diversos estilos. Durante su juventud estaba fascinado por el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de guitarra brasilera.
En 1955, Powell ejecutaba en la Orquesta Steve Bernard en la Boite Plaza, antes de convertirse en el guitarrista del grupo Hotel Plaza Trío. Powell recomendó a Luiz Marinho para tocar el bajo, así como al "cuarto miembro" del "trío": Claudette Soares en la voz. Powell, Lincoln y sus jóvenes amigos músicos realizaban después de las horas de trabajo jam sessions (improvisaciones), ganando creciente popularidad en la escena del jazz brasilero.1
Powell logró amplia fama en 1959 al convencer a Billy Blanco, un consolidado cantante y compositor, para poner letra a una de las composiciones de Powell. El resultado se llamó "Samba Triste" y rápidamente se convirtió en un gran éxito. Esta ha tenido gran cantidad de versiones realizadas por numerosos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd.
En 1962, Powell se unió con el poeta-diplomático Vinícius de Moraes y comenzó una colaboración que tuvo verdaderos clásicos de la música brasilera de los '60. Aunque la bossa nova fue el sonido predominante de la época, la asociación Baden-Vinicius trascendió la moda de entonces con sonidos sincronizados de formas afro-brasileras, tales como Candomblé, Umbanda y Capoeira con las formas de samba de Río de Janeiro. El resultado fue un LP en 1966 bajo el nombre de "Os Afro-sambas de Baden e Vinicius". Durante esos años, estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y realizó grabaciones independientes en Brasil con los sellos Elenco y Forma, así como con el sello francés Barclay y el sello alemán MPS/Saba (en particular Tristeza en Guitarra (1966), considerado por muchos ser un punto alto en su carrera). Además, era el guitarrista de casa Elenco y el show de Elis Regina en TV "O Fino da Bossa".
En 1968, se unió al poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie musical de inspiración Afro-brasilero lanzada en 1970 como "Os Cantores da Lapinha".
Visitó y recorrió Europa con frecuencia en la década del '60, radicándose en Francia en 1968. En la década del '70, lanzó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su fama fue atenuando en cierta medida debido a problemas de salud y las evolución de los gustos musicales. Pasó la década de 1980 en semi-retiro en Francia y Alemania. Por último, en la década del '90 él y su familia regresaron a Brasil, donde continuó creando y grabando. El reconocimiento público de su trabajo llegó en torno de ese momento en el Brasil. A fines de la década del '90 se convirtió a la fe evangélica. También superó su larga adicción al alcohol y el tabaco. Sin embargo, su salud estaba muy deteriorada después de muchos años de abusos, cayendo enfermo en el 2000.
Baden Powell murió de neumonía, provocada por la diabetes, el 26 de septiembre de 2000, en Río de Janeiro. Fuente
Pistas:
01 - Tempo feliz 02 -Apelo 03 - Feitinha pro poeta 04 - Abismo de rosas 05 - Ingênuo 06 - Jongo 07 - Queixa 08 - Cai dentro 09 - Petit valse 10 - Além do amor -Deixa 11 - Samba novo 12 - Mesa redonda 13 - Tributo a Juazeiro 14 - Valsa número um 15 - Até eu 16 - Canção das flores
LABUGA (la boca) es una celebración de la cultura garífuna consistente en un montaje de obras musicales anónimas tradicionales con composiciones de David de Gandarias, realizadas a partir de la música tradicional. El compacto LABUGA es el audio de un montaje multimedia que comprende orgánico en vivo, tratamiento electrónico, música computarizada, video digital, danza, teatro y luces. En el montaje LABUGA trabajó durante, aproximadamente, dos años un grupo de artistas e intelectuales garífunas de Livingston, Izabal, Guatemala, junto a un equipo de investigadores y artistas mestizos de la ciudad de Guatemala. LABUGA es el lugar donde se funde, sin jerarquías, el acerbo estético de los garífuna rural y tradicional con principios propios de lo mestizo, urbano y actual.
LABUGA nace de la idea de confrontar el racismo a través del establecimiento de reales nexos interculturales y la expectativa de adentrarse en nuevos derroteros estéticos y sonoros por medio de la experimentación.
El compacto LABUGA está dividido en cuatro secciones que corresponden a diversos géneros de música garífuna tradicional. Cada una de estas partes está constituida por una composición electrónica basada en ciertos rasgos instrumentales o vocales que caracterizan dichos estilos, unida a la interpretación del grupo instrumental en vivo a manera electroacústica. El orgánico interpreta –generalmente, al final de cada sección– composiciones tradicionales de cada uno de estos géneros.
En LABUGA el recurso digital corresponde, tanto a una necesidad expresiva, como a una toma de conciencia de la contemporaneidad. Se ha utilizado la parafernalia electrónica para extender y magnificar el gesto instrumental y vocal. La participación viva del grupo tradicional garífuna en interacción directa con la elaboración sonora computarizada concreta ese proceso de intercambios entre universos complementarios que es el motor de este montaje musical.
Ibímeni es el grupo musical tradicional más importante de la comunidad garífuna de Livingston. Para el específico montaje de LABUGA el grupo ha sido dirigido por David de Gandarias (Notas del folleto)
Músicos:
Ibímeni:
Voces:
Elvira Álvarez
Berta Sandoval
Cosme Baltazar
Xiomara Norales
Percusiones:
Sergio Núñez: garaon primera (tambor garífuna)
Higinio Flores: garaon segunda
Máximo Ramírez: sísiras (maracas garífunas)
Edwin Álvarez: sísiras
Isidro Bonilla: sísiras
Tulio Baltazar: garaon primera
Gregorio Lucas: coordinador
David de Gandarias: composición electrónica, montaje, dirección y producción
Joaquín Orellana Mejía (Guatemala, 1937) es un compositor y músico guatemalteco. En 1949 inició su educación musical en el Conservatorio Nacional de Música, situado en la capital guatemalteca.
En 1967 obtuvo una beca en el Instituto de Altos Estudios Musicales Torcuato di Tella de Buenos Aires (Argentina), donde se familiarizó con la música contemporánea de vanguardia y aprendió diversas técnicas de música electroacústica (composición y montaje). Recibió cursos de lingüística estructural, análisis poético, técnicas audiovisuales y filosofía del arte. Algunos de sus profesores eran notables maestros, como Alberto Ginastera, Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl.
Durante el período 1956-1974 desempeñó el cargo de violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al tiempo que dirigió el Grupo de Experimentación Musical, que él mismo había fundado. En 1969 obtuvo el primer premio en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre, por su obra Multífona. Trabajó en la Dirección General de Bellas Artes de Guatemala y como maestro en el Conservatorio Nacional.
Desde 1977 hasta 1982 integró un equipo de trabajo con los hermanos David e Igor de Gandarias, impartiendo talleres de sensibilización al fenómeno acústico y cursillos de introducción a la música contemporánea, en diversas entidades de la capital. También ejerció la docencia en el Octavo Curso Latinoamericano de Música Contemporánea, realizado en São João del Rei, estado de Minas Gerais (Brasil).
En 1982 su obra Poema Coral Declamatorio fue seleccionada para formar parte del archivo venezolano en homenaje a Simón Bolívar. Entre los años 1981 y 1984 dirigió el cuarteto Remembranza fundado por él; y en 1985 fundó y dirigió el Quinteto Municipal de Arcos.
Sus obras musicales ocupan un lugar relevante en la historia de la música contemporánea latinoamericana. Algunas de ellas son Cantata dialéctica (1974); Rupestre en el futuro (1979); Imposible a la X (Imágenes de una Historia en Redondo), compuesta en 1980 y premiada en Bourges, Francia; Piezas características para Cuarteto de Cuerdas (1983) y El violín valsante de Huisderio Armadel, ciclo para violín y orquesta compuesto entre 1986 y 1990.
Pistas: 1. Cajita de alegres penas 2. Balada de junio (atmósfera de un enigma) 3. Romance de papel (dialo – guiños) 4. La vanidosa 5. Violín sideral (dos poemas)
José Santos Paniagua: violín (1, 2, 5) Néstor Arévalo Almorza: violín (3, 4) Alma Rosa Gaitán: piano
La marimba es un instrumento de percusión, un idiófono, de forma parecida al xilófono. Consiste en un paralelepípedo de madera con una boca superior cuadrangular recogida por los bordes y que ensancha en la parte superior y se estrecha en la parte inferior hasta cerrarse en forma piramidal. Posee una serie de tablas delgadas (lengüetas sonoras) de distintos tamaños, dispuestas de mayor a menor, excavadas por la parte inferior. Estas lengüetas tienen perforaciones en sus extremos, y por esos orificios se atan con cordones que las sostienen suspendidas de clavijas verticales, fijas en un armazón trapezoidal. Cada tecla tiene su propia caja de resonancia.
La marimba moderna es la conocida marimba cromática, desarrollada en la zona de Guatemala a partir de la marimba diatónica local que tuvo su origen en el balafón que los africanos construyeron en América. Los indígenas habrían copiado el modelo y lo habrían reformado a su modo, poniéndole cajas de resonancia hechas de tubos de bambú o de calabazas.
De las primeras marimbas que se tiene conocimiento es de las marimbas de aro o arco, consistentes en un teclado de madera de hormigo, colocado sobre un marco de otra madera (pino o cedro) con un cincho de tela que le servía al ejecutante para «colgársela» y poderla así tocar en forma portátil; tenía calabazas o tecomates que le servían de cajas de resonancia.
Posteriormente apareció la marimba «sencilla» que produce escalas diatónicas únicamente, con cajas de resonancia y con un teclado en donde ejecutan tres o cuatro personas (según su tamaño); este conjunto lo agrandaron agregándole una marimba pequeña que recibió el nombre de tenor, en la cual ejecutan dos o tres personas; fue así como se conoció el instrumento hasta inicios del siglo XX, en que aparecieron las primeras marimbas de doble teclado. Al par de marimbas sencillas (una grande y una pequeña) se les dio el nombre de «marimba cuache».
Los «puestos» de la marimba se llaman pícolo, tiple, centro armónico y bajo, comenzando por la parte más aguda y el tenor: pícolo, tiple y bajo de tenor. En la marimba grande se ha acostumbrado a tocar la primera voz de la melodía en el pícolo y el tiple, el acorde en el centro, y en el bajo la nota más grave del acorde con su respectivo cambio para evitar la monotonía. En el tenor se toca: en el pícolo y tiple, segunda voz y a veces segunda y tercera, a lo que los marimbistas llaman «llenos» y el bajo de tenor refuerza la primera, haciendo algunas veces contramelodía.
La marimba en Guatemala tiene la categoría de ser el instrumento nacional. En 1999 el Congreso de la República la declara "Símbolo Nacional"
La Marimba Chapinlandia es uno de los conjuntos más prestigiosos de Guatemala, publicando este álbum en 1996, al cumplir 40 años en su carrera artística.
Disco 1
01 - Mi linda Kelly 02 - El tiempo todo lo borra 03 - Bellas ilusiones 04 - Verónica 05 - Coty Díaz 06 - Las tres Marías 07 - Mari cumbia 08 - Puerto fluvial 09 - El garañón 10 - Tres piedras 11 - Chichicastenango 12 - El oasis 13 - Triste despedida 14 - Chica fuerte 15 - La calle doce
Disco 2
01 - Migdalia Azucena 02 - Cumbia jalapaneca 03 - Nardos en la montaña 04 - Llegarás a quererme 05 - Añoranza 06 - Colonia Roosevelt 07 - Lo llaman pecado 08 - Tristezas quetzltecas 09 - Cumbia india 10 - Pensando en tu amor 11 - Flor de un día 12 - San Francisco de Asís 13 - Concepción Tutuapa 14 - Una caricia para ti 15 - El caitudo
Disco 3
01 - Mi Lupita 02 - Quién te quiere como yo 03 - Río Polochic 04 - Soy de Zacapa 05 - Agentes viajeros 06 - El platanar 07 - Alegres camineros 08 - Patoja linda 09 - Panorama de mi tierra 10 - Al compás de la guaracha 11 - Corazón de obrero 12 - Tierra mía 13 - Regalito de amor 14 - Un vals para mi madre 15 - Tennis Club
Disco 4
01 - Chancletas de Nayo Capero 02 - Tikalito 03 - Olvido pasional 04 - ¿Por qué será? 05 - Bailando con la Llorona 06 - En Cuilco me enamoré 07 - Antonieta 08 - La rancherita 09 - Chuchitos calientes 10 - Los sufridos 11 - Colonia Monte Real 12 - Cobán 13 - Canto a Huehuetenango 14 - El manguito 15 - Serenata de tortugas
Disco 5
01 - Mi chantlequita 02 - Remembranza 03 - Murmullo 04 - Ferrocarril de los Altos 05 - El poder del amor 06 - Bajo el cielo azul 07 - Santa Cruz Comitancillo 08 - Recuerdos de un amigo 09 - Froilán Villatoro San José 10 - Luna de Xelajú 11 - Barriletes de Sumpango 12 - Un día de amor 13 - Los trece 14 - Lágrimas de Thelma 15 - Guatemala MI LUPITA
Este álbum marca un claro punto de inflexión en la carrera de Jorge Drexler. Mientras que sus dos primeros discos del sello Virgin, Vaiven y Llueve, concebidos en un clásico estilo de cantante/cantautor, para Frontera Drexler se unió a Juan Campodónico y Carlos Casacubierta de Peyote Asesino para hacer un álbum más atractivo y aventurero. No hay un tratamiento electrónico a través del álbum, pero es una sofisticada mezcla con el candombe, la zamba, la milonga y la sensibilidad pop. Este álbum es probablemente el más fuerte de su carrera hasta la fecha (1999). Está totalmente equipado con grandes canciones como "Princesa bacana", "La edad del cielo", "Corazón de cristal" y "Alto el fuego". Es como un best of de sí mismo. Y por cierto, es una visita obligada para cualquiera interesado en un compositor delicado y sofisticado como Drexler. ~ Iván Adaime
El disco fue nominado por Premios Gardel de la Música Argentina en 2000.
Jorge Drexler
Jorge Drexler (n. Montevideo; 21 de septiembre de 1964) es un cantautor uruguayo, ganador del premio Óscar. Además de músico y compositor es médico especializado en otorrinolaringología.
En 1991 obtuvo uno de los premios del Primer Concurso de la Canción Nacional Inédita, realizado por la radio Alfa FM de Montevideo, junto a otros jóvenes artistas también premiados: Carlos Vidal y La Fragua, María Rosa Castrillón, Gastón Rodríguez y Tocata y Fuga, con quienes compartió un casete editado por el sello Sondor. Al año siguiente el sello Ayuí / Tacuabé editó su primer larga duración el cual se tituló "La luz que sabe robar".
Fue telonero de Caetano Veloso en el Teatro Solís de Montevideo y luego de Joaquín Sabina en el Teatro de Verano de Montevideo, lo cual determinó que en 1995 fuera a España para tocar en tres conciertos del cantautor español. Pero en vez de quedarse un mes, se quedó a vivir. Actualmente vive en las afueras de Madrid, pero se traslada a Montevideo para grabar sus discos.
Sus obras son interpretadas por cantantes como Ana Belén, Víctor Manuel, Pablo Milanés, Miguel Ríos, Ketama, Neneh Cherry, Ana Torroja, el israelí David Broza, Rosario Flores, Jovanotti, Paulinho Moska, Vitor Ramil, el uruguayo Jaime Roos, la tanguera argentina Adriana Varela, Mal de Amores y el Bajofondo Tango Club.
Polémica tras la entrega de los premios Óscar
La organización del evento de la entrega de los Premios Óscar decidió que el cantautor uruguayo no debía interpretar su canción hasta ese momento nominada en la categoría de mejor canción inédita para una película por su tema Al otro lado del río en el filme Diarios de motocicleta debido a que Drexler no era una figura lo suficientemente conocida como para hacerlo. A pesar de no estar de acuerdo con esta decisión aceptó las medidas tomadas y aclaró que este penoso incidente fue por parte de los organizadores del evento y no de la Academia.
Durante la entrega de los Premios Óscar la canción fue interpretada por el actor Antonio Banderas acompañado del guitarrista Carlos Santana. Días antes, Drexler había mostrado su inconformidad por este hecho así que, cuando se acercó a recibir el premio en vez de dar el respectivo discurso de agradecimiento interpretó un fragmento de su canción a capella, obteniendo de alguna manera su revancha.
