La caravane passe - Gypsy For One Day

La Passe caravan is a five -piece band from Paris, which combines Balkan music with hip hop, reggae , Tarantella , chanson and rock into a danceable circus aesthetics.
Toma Feterman , a French ex-punk with Polish- Jewish- Romanian grandparents 2001, the caravan sets in motion : He is talented linguist and multi-instrumentalist at the same time . Feterman mastered French , English, Spanish , Serbian, Romanian, and something novel, a smattering of German and writes lyrics that are downright bastards voice . He sings, plays guitar , banjo and trumpet. As this colorful bird begins musicians to rally for La Passe caravan , he seeks accomplices for a project to be more than just a band. The vision is an acoustic machinery for its Tower of Babel . A kaleidoscope of urban and folk styles. His main companion is fast Llugany Olivier , whose specialty is the Fiscorn , a traditional bass horn from Catalonia, which sounds like Balkantuba . Behind the drums raging ex - rugby player Pat Gigon , Cyril " Zinzin " Moret can play two saxophones at the same time , on bass and Ben dancing body , the man with North African roots.
Between 2001 and 2003, the combo to Feterman and Llugany earned her focused on gypsy and klezmer repertoire untergründigen a solid fan base in Paris. Preferably in the form of its gypsy rock cabaret "Le Vrai Faux Mariage " . Instead of a normal concert, the audience expects a circus performance in which the musicians dress , immerse yourself in different roles and throw in various languages ​​and dialects. The madness of La Passe caravan starts . The circus tent quickly is no longer large enough , a common homeland , the imaginary village of nomads Plèchti is lifted from the baptism . The place is half utopia , half return to old times , when relations among the people were even more direct and easier . Plèchti but is also a Balkan cliché and not an attempt to imitate true Balkan Roma or bands.
2004 appears to Plèchti on the map in the form of self-produced debut album Go To Plèchti . Meet French rock tones on Gypsy Grooves from the Balkans and folk elements from Central Europe to Spain and North Africa. Also be inserted flashy hip-hop beats, a little Eastern tango, reggae and wriggling tarantella rhythms. The band moults colleagues in the Balkans Group as Fanfare Ciocarlia and Boban Markovic to popular stage partners. In Paris, they now fill the Elysée Montmartre . The successor Velkom Plèchti kidnapped in the different neighborhoods of the settlement, ubers of the Balkan Turks Cardboard City - Gecekondu to flamenco finca. The unique fantasy language acts as a Babylonian Barrio Guide . On Ahora In Da Futur numerous international guests, the five team invites : Included is the Maghreb rocker Rachid Taha , the young Hungarian diva Erika Serre or the Serbian Trumpets champion Marko Markovich . Together with their guests leave la Passe Plèchti caravan in a retro- futuristic time machine and pull through dusty deserts, into the Caribbean and brave dubby excursions into hard electro-rock slopes. On the successor Gypsy Caravan For One Day La Passe call their fans on this for a day in the skin of an urban nomads to slip and forget about the daily life and settle down . From Macedonia to Guatemala from Paris to New York this time the journey to go. Avant-garde, surrealistic and burlesque : Plèchti is suddenly everywhere . Always remains the sound of the globally - danceable and infectious , even prove statistical surveys: the single " T'a la touche manouche " has been chosen by our listeners to Radio Europe summer hit of 2012.





01. Rom A Babylone 
02. Gypsy For One Day 
03. I Wanna Be Your Slave 
04. T'as La Touche Manouche (Feat. Sanseverino & Stochelo Rosenberg) 05. Saint-Tropez (Trop Aisé) 
06. Strip-Tease Burlesque 
07. Shouf La Chapka 
08. Faut Du Slow' 
09. What To Do In Katmandou 
10. Rame Dans Lmétro 
11. L'homme De L'automne 
12. T'as La Touche Manouche (Instrumental) (Feat. Sanseverino & Stochelo Rosenberg) 

Megan Wyler - Through the Noise

The first you will probably heard of Megan Wyler is on our very own telly boxes. ‘I’m Not Invisible’ is a track by Tease ft. Megan Wyler for a Ford KA advert, sadly but productively the making of all good modern folk newbies it seems is advert sync. Gladly, her own album ‘Through The Noise’ is gaining its own momentum pretty rapidly. As well as Huey Morgan playing Megan’s debut single ‘Through The Noise’ on his Friday night show on BBC Radio 2, she has also had folkgeek fame in the form of Track of the Day and is due to play a show at The Troubadour on the 9th of October.
Theres a slight 90’s grunge vibe to ‘The Fool’ with its chugging power chords, almost like Alisha’s Attic on Valium if anyone remembers them at all? Just me? Ok…
Megan’s voice can be compared to the cranberries at times, subtle and breathy. There are tinkling pretty touches to the tracks with strings and xylophones and tambourines which really girly this up to the point of no return. Although men will probably listen in a secret candlelit bath for the modern Enya vibe the album carries. There is also an interesting mix of piano and synth on ‘Through the Noise’ which showcases this perfectly.



MySpace

Web Oficial

01. The Fool (4:08)
02. Through The Noise (3:43)
03. Can't Sleep (4:14)
04. Everyman (5:48)
05. Know You Know (3:42)
06. I'm Sorry (4:09)
07. The Fraying (3:59)
08. Drown (3:14)
09. Kelebek (3:26)
10. Zither (3:14)

Misia-Delikatessen Café Concerto

Susana Maria Alfonso de Aguiar (Porto, Portugal 18 de junio de 1955) conocida artísticamente como Mísia es una cantante portuguesa de fados, principalmente.
Su padre es portugués y su madre española de origen catalán. Esta trabajó como bailarina de cabaret en sus inicios en el Teatro El Molino de Barcelona, España, lo que explica muchas de las influencias que Mísia recibió en su estilo musical: tangos, boleros, la fusión de la guitarra con el acordeón, el violín y el piano.
Mísia ha desarrollado, a lo largo de toda su carrera hasta la fecha, un nuevo estilo de fado basado en la herencia de la reina del fado, Amália Rodrigues, el uso de los instrumentos musicales tradicionales (la guitarra clásica, la guitarra portuguesa y la guitarra bajo) con la sensualidad del acordeón y el violín y, por último, la recreación de los versos de los mejores poetas portugueses.
Su trabajo de 2003 Canto puede ser considerado su mejor obra. Mezcla piezas de los mejores trabajos del guitarrista portugués Carlos Paredes con algunos poemas de Vasco Graça Moura, Sérgio Godinho y Pedro Tamen para construir una obra que ella misma describe como perteneciente a su "galería de cosas imposibles".
Mísia también es conocida por por interpretar canciones de otros artistas evocando el estilo del fado: la clásica As time goes by, La gavina de Marina Rossell y algunas composiciones de Luis Eduardo Aute son ejemplos.
Mísia es capaz de cantar en diversas lenguas. Aunque su repertorio esté compuesto mayoritariamente por fados (y se considera que no es un fado si no es cantado en portugués), ella canta algunos de sus temas en catalán, francés, español, inglés, napolitano... Es un ejemplo su CD Drama Box: una selección de tangos, boleros y fados cantados en portugués y castellano. En catalán canta el tema Plou al cor de Joan Manuel Serrat en el disco colectivo de La Marató de TV3, en su edición de 2007.
Mísia es reconocida en Portugal y su música es muy apreciada en otros países como España, Alemania o Francia.
Con su trabajo Drama Box se presenta por primera vez en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona en el marco del Festival Únicas. En febrero de 2007 Mísia presentó en el Teatro Les Bouffes du Nord en París su proyecto Lisboarium, un concierto acústico de fado tradicional sobre textos de grandes poetas especialmente escritos para su voz.
En 2009 lanza al mercado Ruas, su trabajao discográfico más ambicioso. Un doble CD donde interpreta fados, con Lisboa como protagonista (CD Lisboarium), y donde rinde un particular homenaje a grupos y solistas internacionales (Chavela Vargas, Camarón de la Isla y Joy Division, entre otros) en el CD Tourist, interpretando sus canciones en su idioma original.

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+WEB





01. Fado Do Ciume (2:18)
02. Cha Cha Cha Em Lisboa (Feat. Melech Mechaya) (2:31)
03. Que Sera (Feat. Adriana Cacanhotto) (3:18)
04. So Nos Dois (Feat. The Legendary Tiger Man) (3:17)
05. Rasto Do Infinito (3:36)
06. Estacion De Rossio (4:06)
07. Esas Lagrimas Son Pocas (Feat. Dead Combo) (3:05)
08. Agua Que No Has De Beber (1:54)
09. Nanas De La Cebolla (6:14)
10. Contigo Aprendi (Feat. Ramon Vargas) (4:01)
11. Les Mots D'amour (3:21)
12. Oblivion (J'oublie) (4:10)
13. La Chanson D'Helene (Feat. Iggy Pop) (3:17)

Taraf de Haidouks - Band of Gypsies (2001)

Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judet) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era postcomunista.

Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi literal sería "Banda de los hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lautari (músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen búlgaro, que significa "bandolero"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa).

La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceausescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranta Radulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.
http://es.wikipedia.org/wiki/Taraf_de_Ha%C3%AFdouks

En 2001 se unieron a la orquesta de vientos macedonia Koçani Orquestar para editar el disco “Band of Gypsies” (Crammed Discs), donde sintetizan esa irrepetible combinación de sonidos que recorren los Balcanes desde el Adriático hasta Turquía, con secciones de brass funky y ritmos modernos que se entremezclan con el folk centroeuropeo.
http://www.fronteramusical.com.ar/notas/taraf-de-haidouks.html

Los nombres históricos del grupo:
    Nicolae Neacsu ("Culai"), violín y voz, murió en septiembre de 2002
    Dumitru Baicu ("Cacurica"), pequeño cymbalom y voz, murió en septiembre de 2007
    Ion Manole ("Saica" ou "Bosorogu"), violín y voz, fallecido
    Ilie Iorga, voz, originario de Mârsa cerca de Clejani
    Paul Giuclea ("Pasalan"), violín y voz, originario de Mârsa
    Constantin Boieru Lautaru ("Costica"), violín y voz, originario de Mârsa
    Gheorghe Anghel ("Caliu"), violín
    Gheorghe Falcaru ("Fluierici"), flauta, contrabajo
    Marin Manole ("Marius"), acordeón
    Ionitsa Manole, acordeón

Integrantes invitados ocasionalmente:
    Constantin Sandu ("Dinu"): pequeño cymbalom y voz
    Florea Pârvan: contrabajo, acordeón y voz
    Marin Sandu: ("Tagoi"): contrabajo, acordeón y voz


Discografia:
1994: Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye
1994: Gypsy Music from Romania
1998: Dumbala Dumba
1998: Musiques des Tziganes de Roumanie
2001: Band of Gypsies
2007: Maškarada (sobre reinterpretaciones de la música rumana de Béla Bartók).

Värttinä - Aitara

Estas mujeres de tez blanquecina probablemente sean el elemento más exótico de un verano musical que apuesta por los trópicos. Representan la nueva ola de Finlandia, un país independiente desde hace menos de un siglo, de cuyos habitantes se dice que son los latinos de Escandinavia. A partir de las tradiciones de unas tierras cercanas al círculo polar, el grupo Värttinä ha logrado crear una música original y apasionada.

Värttinä, cuyo disco, Aitara, ocupó durante meses las listas europeas de música étnica. Värttinä, vieja palabra que designa el huso de una rueca "tiene que ver con la mujer y va bien con la música que hacemos, que gira muy rápido", dicen riendo, se fundó hará unos doce años en un pueblecito de Karelia. "Unas chicas se reunían para leer poemas y cantar canciones tradicionales. Más adelante pidieron a varios instrumentistas que les acompañaran", cuenta Sirpa Reiman, una de las cuatro vocalistas del grupo. "De acuerdo con las costumbres de hace cien años o más, mujeres y hombres solían cantar por separado. Las canciones cumplían una función, social. Las mujeres cantaban mientras lavaban la ropa y los hombres no se ocupaban de las tareas domésticas. Desde entonces las cosas han cambiado mucho", explica el violinista Kari Reiman. "Aquello tenía que ver con nuestra tradición del Kalevala, un tipo de poesía y una manera de contar historias, de instrumentos como el kantele [una especie de arpa de cinco cuerdas] y escalas pentatónicas, que, bajo el dominio de los suecos, se mantuvo tan solo en Karelia".

En cada entrevista surge inevitablemente el nombre de Karelia. Y les toca dar una clase de geografía e historia. Se lo toman con buen humor. "Es una región al este de Finlandia. Tras la Segunda Guerra Mundial, se trazaron nuevos límites, y una parte de ella, la más extensa, quedó dentro del territorio de la Unión Soviética. Pero la gente mantuvo su idioma. Ahora que la frontera está abierta, estamos más, en contacto unos con otros.

De Karelia viene esa extraña forma de cantar que Värttinä está llevando por el mundo. "Sari, la fundadora, quería que las chicas cantasen alto y fuerte y así precisamente cantaban las mujeres antaño. Estamos marcadas por voces como las búlgaras, por el setu estonio [armonías disonantes con intervalos de segunda y cuarta] o el róntyska ingrio [que se canta al unísono]. Finlandia ocupa una posición privilegiada, porque tenemos influencias de Oriente, de Occidente y del Sur".
http://elpais.com/diario/1995/07/02/madrid/804684261_850215.html

 

Manu Delago - Made In Silence 2

El Hang es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANART, por Felix Rohner y Sabina Schärer en un cantón de Suiza en el año 2000. Hang significa Mano en idioma Bernés. Fue el resultado de una investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante de todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Steelpan, el Ghatam, etc.
Wiki....
Made in Silence 2 revela la belleza del Hang como instrumento solista. El álbum incluye la pieza más popular  de Youtube, Mono Desire (Hang Drum Solo) una pista que consta de 10 capas de Hang. Otras características destacadas son dos pedazos de colaboraciónes con músicos invitados. Stuart McCallum de Cinematic Orchestra y un trío de cuerdas con Ellie Fagg, Gregor Riddell y Tom Norris (Orquesta Sinfónica de Londres).

Freshlyground-A Compilation Of Unreleased Material + Live Recordings

Freshlyground formed in early 2002, and is made up of seven talented and diverse musicians from South Africa, Mozambique and Zimbabwe. Fronted by the diminutive but dynamic Zolani Mahola, the band exudes a live performance energy that has been the bedrock of their success. The experienced rhythm section of Peter Cohen (drums) & Josh Hawks (bass) is complimented by guitarist Julio Sigauque, keyboardist Seredeal Scheepers, Simon Attwell (flute, mbira, sax and harmonica) and violinist Kyla Rose Smith. Although hailing from diverse backgrounds, between them the band’s members weave a musical magic that is highly infectious and undeniably groovy.
Afropop darlings Freshlyground are back to their unify-a-nation roots on their latest self-titled compilation. After catering to a surprisingly dark urge on their fifth studio album Take Me To The Dance, the South African-based collective have returned to spread the love via vibes they know best.
It was bound to happen that a band beloved for their ‘post-’94 rainbow nation’ epitomizing shows would make those performances available on an anytime/anywhere basis. Live renditions of iconic material (“Doo Bee Doo” and the World Cup famed “Waka Waka“) are inarguably a pleasant trip for the diehards (and there’s a lot of them). But it’s unreleased gems that stand out on Freshlyground. “Refugee” in particular is the dance-centric collective at a highpoint of samba. Boxsta’s rework of “Take Me To The Dance” is an additional treat that transforms the electric-leaning standout into a, dare-we-say, club banger. Offering listeners an archaeological look at the past both memorialized and newly uncovered, Freshlyground has the makings to win over a population of already loyal hearts.





01. Izihlangu
02. Africa Unite
03. Shake It
04. Refugee
05. Take Me To the Dance (Boxsta Remix)
06. Beautiful Boy
07. Everything
08. How Low Can You Go?
09. Yeah Yeah
10. Rain (Live @ Guild Theatre, East London)
11. Doo Be Doo (Live @ Guild Theatre, East London)
12. I'd Like (Live @ Guild Theatre, East London)
13. Waka Waka (Live @ Centenary Hall, New Brighton, Port Elizabeth)

Tamikrest-Chatma

Tamikrest is one of the best blues bands to come out of the Sahara.
Ever since the release of their first album, ‘Adagh’, in 2009, they have been regarded as the spearhead of the new Tuareg generation; these legitimate heirs of Tinariwen have long been opening up new paths between desert blues and Western rock.
This third album reminds us of that, with, in turn, strong beats in ‘Djanegh Etoumast’, then melodies sublimated by djembes and calabashes (‘Adounia Tabarat’). And there are sandstorms traversed by burning-hot guitars (‘Itous’), then intimate laments, resounding in the freezing-cold nights of the desert (‘Timtar’). In the studio, the German Chris Eckman of the Glitterbeat label, who has been the group’s accomplice since they began recording, channels their spirit in the excellent ‘Tisnant an Chatma’, before reproducing a sort of desert dub on the slow, heavenly ‘Assikal’.
Who could affirm, after listening to these ten intense pieces, that Tuareg blues is not now being excitingly renewed? Tamikrest has been honing its unique and singular style since 2006, and ‘Chatma’ is the ultimate outcome. This album wil be taking them on a tour of European capitals this year (they will be in Paris at La Maroquinerie on 15 October).
But recognition, even as far as the West, is not an end in itself for the group. Their leader Ousmane Ag Mossa reminds us that the real issue goes far beyond any notion of artistic achievement: ‘Even if our music gives me a better life and a little comfort, so long as my people are marginalised and persecuted, it has no value. [...] Over the years, nothing really gets any better in Kidal. Come and see how we live; this isn’t Bamako, it’s another world. Nobody invests in the development of this town; ninety per cent of young people are unemployed.’
Those were Ousmane’s words in an interview back in 2011. A few months later, Kidal became one of the strategic strongholds of radical Islamists. The peace-loving young Tuaregs of Tamikrest (the name of the group means ‘gathering’) regret this all the more, since their songs have always expressed the sufferings of their people and their struggle for recognition of their identity.
Regarding the recent war that has ravaged northern Mali, Ousmane never mentions victory or defeat, but only the terrible wrench it represents for his community. Absence, betrayal, pain, revolt, hope ... Tamikrest transform all these struggles into music, set to poetic texts.
The group always sing, above all, for their own people, even though their audience is now international. Their previous album in 2011 was entitled ‘Toumastin’ (‘My People’, in Tamasheq); this one is ‘Chatma’ (‘My Sisters’). It is dedicated to all the women who suffer in silence, far away from the eye of the television camera, wounded in their very flesh by the conflict. The refrain of ‘Tisnant an Chatma’ is clear: ‘Who can understand the suffering in the soul of one who sees his sisters exhausted by the constraint of living within borders, in deep pain and with daily oppression?’
Anyone who is observant will have noticed that the singer Wonou Walet Sidati, who has been a member of Tamikrest since the beginning, has never been relegated to the side lines during their concerts. She always sings and dances in the middle of the group, often in the front line, front of stage.http://www.tamikrest.net/en/biography.php



1. Tisnant an Chatma
2. Imanin bas zihoun
3. Itous
4. Achaka Achail Aynaian daghchilan
5. Djanegh etoumast
6. Assikal
7. Toumast anlet
8. Takma
9. Adounia tabarat
10. Timtar

VA. Oriental Blues (2013)

Catorce pistas en la compilación de la música "blues" de Oriente.
Con Dhafer Youssef, Natacha Atlas, Savina Yannatou, Miguel Gil, Sevda, Hossein Alizadeh y Djivan Gasparyan, entre otros.
De los bazares de Estambul, al oasis de Túnez y el paisaje de montaña sin fin, cerca del Mar Caspio, la música de esta región incluye las voces más bellas y los arreglos más delicados.





01 Iness Mezel - Aya Woulis 6:03
02 Aziz Sahmaoui - Maktoube 3:52
03 Karina Nayt - Keyf 4:47
04 Abaji - Gibran 4:19
05 Natacha Atlas - Lammebada 7:10
06 Orquestra Arab De Barcelona, Miguel Gil - Adieu Paure Carnavas / Wa Habibi 6:20
07 Burhan Öçal, Istanbul Oriental Ensemble - Nihavent Oriental (edit) 4:10
08 Sevda - Ele Deme 5:56
09 Abdelli - Tharguith 5:19
10 Amine & Hamza - Ya Nari (edit) 4:28
11 Djivan Gasparyan, Hossein Alizadeh - Sari Gallin (edit) 6:20
12 Dhaffer Youssef - Al-hallaj 3:20
13 Salto Orientale - Kegome 7:07
14 Orchestre National De Barbès - Nabina 2,44


320 Kbps + covers

Las Hermanas Caronni - BAGUALA DE LA SIESTA [Argentina]

Una es Laura, la otra es Gianna. Una toca el chelo y canta, la otra toca el clarinete y también canta. Juntas forman el dúo Las Hermanas Caronni. Son mellizas y nacieron en Suiza, donde sus padres se habían instalado poco antes de que las fuerzas armadas tomaran el poder en Argentina. Sin embargo, a un año y medio de edad fueron llevadas por sus padres, psicólogo él, médica ella, y ambos melómanos, a Argentina, donde la familia se instaló, en Rosario más precisamente, la ciudad de los progenitores. El árbol genealógico de las Caronni es un concentrado de Europa: un abuelo suizo italiano, y parte de la familia de origen ruso e irlandés.

“Los argentinos que vienen de Rosario o de Buenos Aires estamos cerca de un puerto y vivimos en una permanente nostalgia. De generación en generación estamos yendo y viniendo y un poco de eso es nuestra música”, explica Gianna Caronni. Tras ser diplomadas en Argentina y haber integrado conjuntos de música de cámara, orquestas y grupos de música tradicional, las hermanas Caronni se afincaron en la ciudad de Lyon, ambas becadas, en 1998 y, desde entonces, viven en Francia, en la ciudad de Burdeos.

"Un dúo como el nuestro -explica Laura- es como si uno debe hacer una pintura y sólo tiene blanco y negro, y eso te obliga a explorar todas las posibilidades que hay: yo uso el chelo como percusión, como contrabajo, como violín; Gianna canta, toca el clarinete y algunas percusiones. Tenemos que hacer una especie de construcción minimalista que nos lleva a buscar límites cada vez más lejanos".

Sobre sus grabaciones discográficas precisa Gianna: "en el primer disco prevalece mucho la música argentina y de inspiración latinoamericana. En el próximo reuniremos composiciones más cinematográficas, música para danza contemporánea, teatro y cortometrajes. Queremos que los discos tengan una unidad en sí".

“Nos miran como una rareza y lo somos. Siempre hemos cambiado, somos muy curiosas, no sé si eso es bueno o malo, y, en este caso, la curiosidad es inventar nuestra propia música, la cual es el resultado de lo que somos. Es honesto. No venimos del folclore pero lo conocemos, tenemos formación clásica y hemos hecho música del Renacimiento, hemos tocado con músicos de jazz, de rock o de músicas tradicionales”, concluye Gianna Caronni. Fuente

Pistas:

01.  Chelimbao
02.  Los Ejes De Mi Carreta
03.  El Jarrito
04.  Milonga Campera
05.  La Noche Llega
06.  Yuyo Verde
07.  Antigona
08.  Pollera Azul De Lino
09.  Nabraska
10.  Esta Cajita
11.  Galopando
12.  Chiche Pempe
13.  Baguala Da La Siesta

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Mediterraneo (2013)

ACTUALIZADO!!
La artista Christina Pluhar, que con el arpa y la tiorba ha demostrado al mundo el potencial de los instrumentos del Barroco, se aleja de ese periodo en su último trabajo con un proyecto "mucho más libre", que recorre las tradiciones de la llamada "frontera del olivo".

"Mediterraneo", ofrece un viaje de descubrimiento musical que zarpa de los cantos greco-salentinos y hace escala en las costas griegas, italianas, francesas, españolas e incluso turcas y portuguesas.

El resultado, es un proyecto "muy colorido", que le ha permitido darse cuenta de que el lenguaje musical es mucho más abierto que el verbal y facilita que músicos de cualquier cultura puedan reconocerse en los otros en cuanto suenan las notas.

El mestizaje de este último álbum cuenta con las voces de la portuguesa Misia, las sopranos españolas Raquel Andueza y Nuria Rial, las voces también del italiano Vincenzo Capezzuto y de la griega Katerina Papadopoulou, y la maestría de los músicos turcos Aytaç Dogan e Ismail Tunçbilek.

A ese conjunto llegó cuando la sorpresa de esos cantos greco-salentinos, de raíces italianas pero cantados en griego, la dejó con ganas de explorar otras "pasarelas" que tuvieran el Mediterráneo como punto en común.

"Me he alejado del Barroco. Creo que es la primera vez que lo hago, porque en los otros (discos) seguía buscando fuertes conexiones con la música italiana del siglo XVII. Este álbum es un proyecto mucho más libre, pero creo que como artista tengo la libertad de evolucionar hacia otras ideas", sostiene.

Pluhar (Graz, Austria, 1965) defiende que en canciones tradicionales de Italia, España o Portugal se puede hallar una base barroca, pero no así en las griegas o turcas, lo que provoca que las 19 canciones escogidas sean más heterogéneas que en discos como "Los pájaros perdidos", "Los impossibles" o "La Tarantella".

El repertorio incluye fados como "Cantigas de portugueses", cantos greco-salentinos como "Are mou rindineddha", o canciones españolas como "La dama d'Aragó" o "Los delfines", revisitados con la particularidad que le da el tocarlos con su conjunto de cámara, "L'Arpeggiata".
http://noticias.lainformacion.com/arte-cultura-y-espectaculos/musica-clasica/oda-al-mediterraneo-de-la-artista-christina-pluhar-en-su-ultimo-trabajo_vLogRmtwOf3CWIGLPeRZu1/

Kareyce Fotso- Kwegne

Un nombre de dulzura, un apellido fogoso, una energía generosa, un cuerpo en movimiento, una voz ronca –digna de grandes cantantes- un timbre que engancha, un canto que invita…Kareyce Fotso no se deja llevar por la canción fácil, produce largas y vibrantes baladas en las que estalla un grito modulado como una explosión incontenida. Recuerda a los inicios de Tracey Chapman o incluso de Odetta. No se pierdan a esta cantante, tiene mucho que ofrecer, algo mas que canciones, vive su canto, hace del escenario su casa, aporta su voz pero también los instrumentos y todo su cuerpo.
En directo desgrana su repertorio y todos sus recursos ante el público, sin pudor, cuenta su vida, su país, su cultura, su esperanzana y su rabia. Diseña un concierto que es algo más que un recital en solo y trabaja con su canto, con su danza, con su música y con su narración. Con asombrosa simplicidad, nunca se olvida de ser ella misma, algo que a menudo se echa en falta en el directo de muchos artistas.
Kareyce es de Camerún, del país Bamiléké, pero educada con los Beti, así que desde su infancia adquiere esta multiculturalidad típicamente africana y canta en distintas lenguas. Estudió bioquímica –un horror dice ella- y audiovisuales ya que su padre no deseaba verla embarcada en una aventura musical. Pero ella canta en diversos grupos y actúa en los cabarets de Yaoundé. Y esta experiencia de cabaret se nota todavía hoy en el escenario. Es una artista que requiere salas íntimas, de comunicación directa, de intercambio con un público cercano que escucha musicarKareyce Fotso es a la vez, una caricia y una bofetada de esa África que canta con dignidad. su vida.

MAS INFO+

1.So'a
2.Peu Be
3.Mayole
4.Lomdieu
5.Kodjieu
6.Kuichoueu
7 .Goun
8.Poa'lag
9.Pac Ler Francaise
10.Sea Chant
11.Mindzouck Missi

The Sonet Folk Series-Folk Tunes From Dalarna

La música folk sueca es un género de la música basada en gran medida en el trabajo de recopilación folklórica que se inició en el siglo 19 en Suecia.El principal instrumento de la música popular sueca es el violín. Otro instrumento común, único de las tradiciones suecas, es el nyckelharpa. Mayoría de la música folk sueco instrumental es la música de baile, y la música de la firma y forma de la danza dentro de la música popular sueca es el polska. Tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir canciones, históricamente, a pesar de que se han realizado por separado.A partir del renacimiento de la música popular de la década de 1970, vocalistas e instrumentistas también han comenzado a realizar juntos en grupos de música popular.
En la década de 1940, se establecieron los primeros spelmanslag o grupos folklóricos de aficionados, asociado principalmente a la música de Dalarna.El primer gran proyecto de grabación de música tradicional sueca también se puso en marcha a finales de 1940.Algunos de las grabaciones más populares eran de spelmanslag en Dalarna, y durante la década de 1950 el fenómeno spelmanslag extienden por todo el país.

http://en.wikipedia.org/wiki/Swedish_folk_music

1. Polska After Jämt Olle (1:35)
2. Polska After Bleckå. "Systerpolska" (1:43)
3. Polska After Gössa Anders (The Older) And Bleckå (1:33)
4. Polska After Bränd Jon (1:53)
5. Orsa Bridal March After Bleckå (1:38)
6. Polska After Gössa Anders (The Older). "Vallåtspolskan" (1:38)
7. Polska After Bleckå (1:38)
8. "Orsa Storpolska" After Bleckå (1:33)
9. Polska After Bleckå (1:59)
10. Polska After Jämt Olle (2:09)
11. Marching Tune After Hjort Anders (1:50)
12. Wedding Polska After Pekkos Per (2:02)
13. "Skänklåt" After Pekkos Pär (2:06)
14. Pekkos Per's Storpolska (3:24)
15. Bridal March After Hjort Anders (2:14)
16. Polska After Pekkos Per (1:49)
17. Pekkos Per's Bridal March (3:52)
18. Polska After Timas Hans, Ore (1:51)
19. Orsa Bridal Polska (2:59)
20. "Brudhisslåt" (Långdans) After Hjort Anders (2:54)
21. Polska After Gössa Anders (1:47)
22. "Målargubbens Brudpolska" After Hjort Anders (2:30)
23. Polska After Ritek Jerk, Bingsjö (2:01)
24. Herding Tune And Polska After Hjort Anders (1:13)

Mandekalou-The Art And Soul Of The Mande Griots

If there were such a thing as a West African supergroup, made up of people descended from a long line of distinguished musicians, then this is it. The first Mandekalou project, two years ago, set out to record "the great griot songs for the benefit of future generations", and was hailed a classic.
This second volume, again produced by Ibrahima Sylla, is even better, simply because his all-star cast sound even more confident and adventurous than before. The Malian guitarist Djelimady Tounkara is matched with an array of great singers, from the veterans Kasse Mady and Bako Dagnon to younger divas such as Kandia Kouyate. The lengthy songs are backed by an acoustic band featuring such instruments as the balafon and n'goni, but often dominated by the intricate guitar work of Tounkara, creating an inspired and powerful album.
http://www.theguardian.com/music/2006/jul/21/worldmusic.shopping2



01 - Kandia, Kerfala, Kasse Mady - Malissadio
02 - Bambino, Kemo, Bako - Keme Bourama
03 - Kasse Mady, Bako, Bambino, Kandia - Touramagan
04 - Bambino, Kandia, Kerfala - Anka De
05 - Lafia, Bambino, Kasse Mady - Mouctari
06 - All Stars - Nare Maghan (Soundiata)

Vangelis and Irene Papas - Odes

Odes is an album of Greek folk songs by Irene Papas and Vangelis. All of the songs are traditional, except two which are original compositions by Vangelis. Recorded in Nemo studios, London 1979, the entirety of the album is performed and produced by Vangelis, with the addition of a five-people choir in the opening track and of course, Irene Papas' lead vocals. First issue of the album on compact disc was in Greece only (Polydor 833 864-2). A remastered edition was released by Universal Music in 2007.http://en.wikipedia.org/wiki/Odes_%28album%29

Contents

• 1 Track listing
• 2 Notes
• 3 References
• 4 External links

Track listing

1. "Les 40 Braves" (Gr: Σαράντα Παλικάρια; En: The 40 Young Men) – 5:19
2. "Neranzoula" (Le Petit Oranger) (Gr: Νερατζούλα; En: The Little Orange Tree) – 5:53
3. "La Danse du Feu" (Gr: Ο χορός της φωτιάς; En: Dance of fire) (Original Composition) – 6:06
4. "Les Kolokotronei" (Gr: Οι Κολοκοτρωναίοι; En: The Kolokotronis Family) – 3:20
5. "Le Fleuve" (Gr: Το Ποτάμι; En: The River) – 6:46
6. "Racines" (Gr: Οι ρίζες; En: The roots) (Original Composition) – 8:52
7. "Lamento" (Gr: Μοιρολοϊ; En: Lament) – 8:31
8. "Menousis" (Gr: Ο Μενούσης; En: Menousis) – 6:37

• Tracks 3 & 6 composed by Vangelis
• Tracks 1, 2, 4, 5, 7 & 8 were traditional, arranged by Vangelis with lyrics by Irene Papas and Arianna Stassinopoulos

Notes

"Les 40 Braves" describes 40 young men on their way to conquer the city of Tripolitsa during the Greek War of Independence. During their marching, they meet an old man, asking them where are they going and their answer is "to conquer the city of Tripolitsa"
"Neranzoula" is a description of a small orange tree, which is analogous for the state of Greece during Ottoman occupation.
"Dance of fire" is a small trilogy. In the first part, we are introduced in the Greek folk dance "Πυρίχιος", the second and third part describe rural landscapes of Greece, presumably seen through a shepherd's point of view (the 3rd part showcases the sound of Greek flute, which is usually being played by shepherds, during the herd's eating in the meadow)
"Les Kolokotronei" were one of the most important Greek families in the Greek Resistance and Independence movements. The lyrics describe the shame they feel from Turkish occupation of their land, in the amount that they never set foot on the land, until it's being freed. They do everything, riding on their horses. Fighting, going to church, celebrating etc.
"The river" talks about the overwhelming beauty of Jannes, a famous Greek river in Messinia, Peloponessos.
"The roots" is an expanded version of the aforementioned Greek country landscape. Here, Vangelis uses a similar arrangement, which at the same time has a strong resemblance to his older composition "we were all uprooted" from his "Earth" album.
"Lamento" is sung by a mother who has lost her daughter, described in the lyrics as a little boat, decorated for departure. The song describes the mother's pain at her loss and her daughter's denial to leave the world of the living.
"Menousis" describes the events of a character in folk tale (who was probably a real individual), who in his drunkenness kills his wife because of her supposed infidelity.

References

1. Jump up ^ Odes (album) at AllMusic. Retrieved January 27, 2012.
2. Jump up ^ Scaruffi, Piero (1999). "Vangelis". pieroscaruffi.com. Retrieved September 10, 2013.

External links

• Lyrics in English
• Lyrics in Greek
•  http://en.wikipedia.org/wiki/Odes_%28album%29

Mara Aranda, presenta nuevo disco

Al Andaluz Project  ‘Salam’

(Galileo-mc, 2013)

Salam(السلام‎). Paz. Shalom (שלום)

Los "pueblos del libro" es la denominación que emplearon los musulmanes para referirse a ellos mismos y también a los cristianos y los judíos, las tres religiones mayoritarias en el corazón de Iberia que  a pesar de sus diferentes interpretaciones, son todas ellas reveladas del mismo Dios y escritas de manera inmutable en la Torá, el Evangelio y el Corán.

En al-Ándalus la tolerancia de las élites dirigentes musulmanas dio lugar a una sociedad tricultural en la que se llevaron a cabo los avances tecnológicos, científicos y la producción de las obras poéticas y musicales más sublimes del Occidente europeo que siguieron influyendo en los estilos y corrientes culturales posteriores.

‘Salam’ es el título de la nueva entrega discográfica de la formación Al AndaluzProject tras casi una década de trabajo de recopilación, estudio e interpretación en torno a la música de las tres culturas que han dado como fruto otras dos joyas musicales precedentes: ‘De deus et diabolus’ (Galileo-mc, 2008), ‘Al-Maraya’ (Galileo-mc, 2010) y una tercera entrega, el dvd registrado en vivo en Munich, incluyendo temas inéditos de la formación, ‘Abuab Al Andaluz’ (Galileo-mc, 2011).

En ‘Salam’ encontraremos representadas estas tres culturas en su máximo esplendor y también las conexiones con otros estilos a los que influyeron y enriquecieron definitivamente. De la música sefardí recogemos cantos asociados al ‘ciclo vital’ , expresando vivencias compartidas en  celebraciones y festejos comunitarios y también en el ámbito íntimo del hogar y que,  por transmisión oral pasarán de este modo de una generación a otra hasta llegar a nuestros días. De la tradición árabo-andalusí, se incluyen desde piezas populares que el pueblo canta en su alegría gozosa a piezas en árabe clásico y de interpretación virtuosa cuyos textos nos acercan al hondo sentir de los andalusíes para los que la música y la poesía eran las dos formas de expresión más elevadas y que practicaron tanto para acercarse con ellas a Dios, o expresar los movimientos más sutiles del alma y también para cantar las pasiones más terrenales que conmueven el corazón del hombre. De la tradición europea medieval rescatamos dos obras de dos trobadores, a los que se vincula en sus orígenes con los árabes heredando de ellos su sensibilidad e incluso la temática de la poesía andalusí.

Formación de Al-Ándalus Project

Mara Aranda, voz y percusiones

Sigrid Housen, voz y flautas

Iman Kandousi, voz

Michael Popp, santur, saz, oud, dilruba y fídula.

Jota Martínez, cítola, zanfona y lavta.

Ernst Schwindl, zanfona y harmonium.

Aziz Samsaoui, kanoun y oud.

Sacha Gotowtschikow,percusiones.

  

Tour ‘Salam’

03.10 Aula Realschule Halver, Humboldtstr. 5

04.10 Nürnberg, Tafelhalle

06.10 Kassel, Kreuzkirche

25.10 Sendesaal Bremen

26.10 Bochum, Christuskirch

27.10 Staatsschauspiel Dresden Kleines Haus

30.10 CCRN Luxenburg

02.11 Halle, Konzerthalle

03.11 Kulturforum, Kiel

04.11 Berlin, Grüner Salon

05.11 Frankfurt, Brotfabrik

09.11 Stadttheater Landsberg

13.12 Salvatorkirche, München

14.12 Esslingen

15.12 Regensburg, Alte Mälzerei

 

Nathalie Manser - Les Anges

Nathalie Manser, es una violonchelista virtuosa, ha sido criada desde su infancia en el mundo de la música clásica. Después de obtener el "1er Prix de Virtuosité con las felicitaciones del jurado y el más alto diploma de la Academia Estatal de Música de Lausana, "Licencia Concert", estudiando con Philippe Mermoud, tuvo la oportunidad de tocar con varias orquestas en la parte francesa de Suiza y ha continuado su educación musical con clases magistrales en Alemania (Freiburg).
Según parece, la rigidez de la música clásica casi no podía ofrecer ningun espacio para su creación personal o interpretación. Por esta razón, Nathalie Manser se aleja de la música clásica para crear sus propias adaptaciones y composiciones musicales con el violonchelo.
Gracias a su conocimiento y dominio del instrumento, ha sido capaz de producir su propia música, personal y sensual.
http://www.myspace.com/nathaliemanser



Les Anges es su primer album, este que os presento es una edicion Turca con un bonus track el nº15 este no aparece en el que se publicó en Europa



01. Les Anges (5:16)
02. A New Life (Cherokee Mix) (3:42)
03. Aquarium (6:48)
04. Revolution (Intro Hasta Siemre) (0:25)
05. Hasta Siempre (4:11)
06. Arpeggione (8:56)
07. A New Life (7:20)
08. Adagio (4:38)
09. Where Is Bach? (5:13)
10. Tsuglag Khang (5:56)
11. Kikuyu (6:16)
12. Discovery (5:03)
13. Adagio (Rap Mix) (4:46)
14. More To Life (Tribute To Freddie Mercury) (3:01)
15. Nathalie Manser feat. Erdal Kizilcay - Oghuz (5:24)

Think global: Celebrate Africa!

Think Global: Celebrate Africa! is produced in association with Oxfam and explores Africa's extraordinarily rich and exuberant musical heritage a heritage that is thriving from South Africa to Algeria and from Mali to Kenya. Truly the most musical of continents, Africa has so much to celebrate! Artists include: Syran Mbenza, Etran Finatawa, Nuru Kane, Akim El Sikameya, Saba, Emmanuel Jal & Abdel Gadir Salim, Vakoka, Samba Touré, Mory Kanté, Daby Balde, Sally Nyolo, Seprewa Kasa, Mabulu, Shiyani Ngcobo,Kenge KengeCelebrating the thriving musical creativity and traditions of Africa.Featuring some of the biggest names in African Music including Mory Kanté, Etran Finatawa & Nuru KaneA brilliant overview of the musical melting pot that is Africa.Accessible music and concept, ideal for targeting special markets as well as traditional markets. New release from the innovative Think Global label, which builds on the knowledge and experience of World Music Network but works in association with charities and NGO's.

01. Syran Mbenza & Ensemble RumbaKongo-Liyanzi Ekoti Ngai Na Motema 05:18
02. Etran Finatawa - Tekana 05:28
03. Nuru Kane - Niane○ 02:54
04. Akim El Sikameya - Sa Majeste Lila 04:06
05. Saba - Boqoroda Meskin 03:14
06. Emmanuel Jal and Abdel Gadir Salim - Ya Salam 06:55
07. Vakoka - Faly Sy Ravo 04:34
08. Samba Toure - Foda Diakaina 04:37
09. Mory Kante - Desole 05:05
10. Daby Balde - Yaye Boye 05:33
11. Sally Nyolo - Bikoutsi 03:40
12. Seprewa Kasa - Seprewa Kasa (Seprewa Speaks Guitar Answers!) 06:30
13. Mabulu - Rosita 03:37
14. Shiyani Ngcobo - uDadewethu○○ 03:56
15. Kenge Kenge - Obama for Change 05:36

Ennio Morricone & Dulce Pontes - Focus

Los quince temas que componen el disco, combinan los talentos del Maestro Ennio Morricone, con la famosa cantante portuguesa.
Grabado en Roma con el productor Francesco De Melis, esta colaboración única entre dos de los más respetados artistas en sus respectivos campos, aporta una dimensión más fresca a la música del cine de las cinco últimas décadas, además también hay cinco nuevas canciones escritas por Morricone especialmente para la voz de Pontes.
Focus presenta obras de cada una de las fases por la que ha pasado la extraordinaria carrera de Morricone durante 40 años. Casi 500 composiciones. Desde los temas familiares de películas clásicas como Once Upon A Time In The West (1969), The Mission (1986) y Cinema Paradiso (1988), hasta algunas de las películas menos conocidas y menos vistas para las que también ha compuesto partituras.
Estas abarcan toda la amplitud de sus colosal carrera, desde Maddalena (1971), pasando por Sacco And Vanzetti (1975), para la cual la legendaria cantante folk Joan Baez, escribió la letra, hasta La Luz Prodigiosa (2003), con letras tomadas de los poemas de Federico Garcia Lorca.
Pontes, que canta en portugués, italiano, español e inglés, escribió la letra de tres de las canciones, mientras que en el resto contribuyeron letristas como Francesco De Melis, João Mendonça, José Mário Branco, Mark Niedzwiedz, Carlos Vargas, Phil Galdston, Audry Stainton, Maria Travia, José Medeiros y Carlo Nistri.
Morricone considera Focus como "una de las cosas más importantes que he hecho jamás con un cantante", mientras que Pontes, quien cantó para él por primera vez en 1995, describe su trabajo junto a Morricone como "un sueño hecho realidad". http://www.lahiguera.net/musicalia/artistas/dulce_pontes/disco/1018/

1. Cinema Paradiso (Tema de Amor de Cinema Paradiso) 
2. A Rose Among Thorns (The Mission) 
3. Renascer (Moses) 
4. No Ano Que Vem (Come Maddalena) 
5. Your Love (Once Upon A Time In The West) 
6. Amália Por Amor 
7. Nosso Mar (Metti una sera a cena) 
8. Antiga Palavra 
9. Luz Prodigiosa (La Luz Prodigiosa) 
10. The Ballad Of Sacco And Vanzetti (Sacco E Vanzetti) 
11. Someone You Once Knew (Per Le Antiche Scale) 
12. Voo 
13. I Girasoli 
14. House Of No Regrets (Chi Mai) 
15. Barco Abandonado (Per Le Antiche Scale)

VA - Festival In The Desert

Created in January 2001, the Festival Au Desert is held every year in the North of Mali, usually in Essakane, two hours from Timbuktu; sometimes directly at Timbuktu. It is organized by AITMA and EFES Associations together with Essakane Production. This festival seeks its origin in the big traditional Touareg festivities, as Takoubelt in Kidal and Temakannit in Timbuktu, which represented for a long time a place for decision making and exchange of information among the different communities. At the beginning, there were songs and touareg dances, poetries, camel rides and games.
Today, the Festival is opened to the external world and welcomes artists from other Malian regions, other African countries, but also from Europe and the rest of the world. During three days, around 30 artistic groups are invited from all around the world to present their art. "It's one of the few honest things I have been part of in a long, long time. It's amazing to play out in the sand. There are no doors, no gates and no money. It reminded me of why I sang in the first place. It's not commercialized." Robert Plant (Rolling Stone/March 6, 2003)
The Touaregs, nomads from the south of the Sahara, have a longstanding tradition of coming together for annual meetings called Takoubelt in the Kidal region or Temakannit in the Timbuktu region. These meetings allowed them to reconnect with each other (after the nomadic season), have fun, resolve conflicts between individuals or groups and to exchange ideas about the challenges that they were facing at the moment. These encounters are what “Le Festival au Désert” is built upon. “Le Festival au Désert”, in its present form was born in January 2001, at the dawn of the third millennium, following a meeting between Touaregs from Mali and European musicians.
The organization of the Festival, with its focus on combining modernity and tradition, is driven by a strong desire to open its doors to the outside world, while still preserving the cultures and traditions of the desert; for some this signifies being listened to and then recognized, for others it is a way to discover the desert through the inhabitants’ values of hospitality and tolerance. In the beginning, the Festival was nomadic in its nature: the first Festival took place in Tin Essako in 2001 and then it moved to Tessalit in 2002 in the Kidal region (North-East Mali). However, after the 3rd year in 2003, when the Festival was held in Essakane close to Timbuktu, the organizers had to start envisioning a fixed location for the Festival in light of the enormous preparation required and the ever-growing public interest and attendants. It’s in this way that we decided to make Essakane the permanent site of the Festival in order to begin building durable installations that could be used in the context of tourism promotion.
“Le Festival au Désert” is also a way to celebrate “La Flamme de la Paix” (The Flame of Peace), a name that was given to the ceremony where more than 3000 firearms were burned (and transformed into a monument) in 1996 in Timbuktu, putting a solemn end to the rebellion that, for years, shrouded northern Mali in gloom. Until today, this act still constitutes an example of how to manage conflicts, a model that ignites inspiration throughout the world. The major position that culture has taken in occidental economies prefigures the position that culture will have in the southern economies in a few years. Thus, “Le Festival au Désert” would like to become a factor in job creation in the near region, thereby promoting local development as well as bringing together the people of the earth.http://www.festival-au-desert.org/

01 - Takamba Super Onze (Mali) - Super 11
02 - Afel Bocoum (Mali) - Buri baalal
03 - Tartit (Mali) - Tihar bayatin
04 - Robert Plant &Justin Adams (UK) - Win my trainfare home
05 - Sedoum Ehl Aïda (Mauritania) - Ya moulana
06 - Lo 'Jo +Django (France /Mali) - Jah kas cool boy
07 - Oumou Sangaré (Mali) - Wayena
08 - Ali Farka Touré (Mali) - Karaw
09 - Tinariwen (Mali) - Aldachan manin
10 - Adama Yalomba (Mali) - Politique
11 - Tidawt (Niger) - Ariyalan
12 - Ludovico Einaudi &Ballaké Sissoko (Italy /Mali) - Chameaux
13 - Kel Tin Lokeine (Mali) - Ihama
14 - Kwal +Foy-Foy (France /Mali) - Le juge mant
15 - Tindé (Mali) - Wana
16 - Aïcha Mint Chigaly (Mauritania) - Koultouleili-khalett là
17 - Igbayen (Mali) - Oubilalian
18 - Baba Salah (Mali) - Fady yeïna
19 - Blackfi re (USA) - What do you see
20 - Django (Mali) - Laisse-moi dire