Okou nace en un bar parisino. Tatiana Heintz, originaria de Costa de Marfil, y Trefzger Gilbert, guitarrista suizo con raíces egipcias son otro buen ejemplo de crisol de culturas. Su álbum de debut Serpentine (2010) combina sonidos de todo el mundo; los espíritus del soul, blues y música de raíz están presentes, evocando la mejores tradiciones populares de América y el sonido de Nueva Orleans con un delicado toque europeo.
Guitarras acústicas y arreglos de banyo crean una imagen decadente, en el buen sentido, perfecta como banda sonora de un lento viaje. El francés y el inglés se alternan como idiomas que comunican la fusión de culturas del África Occidental con el sabor de Nueva Orleans. Sonidos de guitarras, el banyo, los excelentes arreglos de cuerdas son rematadas con metales como la tuba. Un peculiar dúo de músicos que suenan como una gran orquesta.http://www.crisoldemusicas.com/2010/05/okou-serpentine.html
01 - Serpentine 02 - Fire Juggler 03 - To The Bone 04 - Evening Sun 05 - Picked Me Up 06 - Bloodstrangers 07 - Eye For An Eye 08 - Evolution 09 - Tired Feet 10 - Bessie 11 - Moonspell Blues 12 - Dusty Ground 13 - A L'aurore 14 - Oh Papa
Passionaria es un disco que se destaca por el trabajo vocal que se enraiza en el formato trío y se anima a las más sutiles combinaciones tímbricas instrumentales. Soema Montenegro junto a Jorge Sottile (arreglos, bandoneón y percusión) y Marcos Cifuentes (contrabajo), encuentran en la calidez de lo acústico un singular juego capaz de transformar los límites de lo popular y lo folclórico. "Investigando y explorando la voz día a día, el canto se renueva completo, se mueve", escribió Soema en una acertada declaración de principios que encabeza su portal de Internet y esa sentencia se aprecia plenamente en este trabajo, continuador del también inquietante Uno, Una, Uno.
Aunque hay arreglos y dirección musical del multiinstrumentista Sottile, Montenegro ejecuta también en este álbum la guitarra, el cuatro y la caja.Passionaria será presentado en agosto en Francia y Suiza, mientras se confirma una gira por Marruecos. Además, Montenegro ya tiene confirmadas fechas para presentarlo en septiembre en Estados Unidos.
1 Leyenda Del Cururú 2 Flores Del Desierto 3 Cuando Pasa 4 Milonga De La Ensoñada 5 Río Arriba 6 Colibrí 7 Invocación A La Passionaria 8 El Camalote 9 Profundidades 10 Canción Del Dragón 11 En El Viento 12 Molecularmente
"Romeo Scaccia cumple Kocani Orkestar ' es un disco maravilloso que usted completamente feliz.
Variados en su alcance con la música melancólica y humeante de bronce-funk perfección se cotizan en las trompetas que suenan irreales y clarinete.
La Kocani Orkestar de Macedonia es una de las mejores bandas que han Roma causó furor con su CD "Solo en mi boda" (2002) y " La novia Ravished "en 2008. Ahora añadir el CD como "Romeo Scaccia cumple Kocani Orkestar ' a ella, una colaboración con el pianista de formación clásica Romeo Scaccia. Grabado en vivo en mayo de 2010 en Cagliari (Italia) durante la 'Forme Jazz Poesía e nel " .
El CD se abre con solo de piano, además complementada con una melodía de saxo, obvio que la influencia turca se escucha. Este saxofón es tan sobreexcitados que jugó casi suena como una zurna turca , una especie de vagabundo con un tono penetrante. Que la influencia turca no es sorprendente porque las bandas de bronce macedonio surgió durante la infantería otomana en el siglo 19. La tapan , el gran tambor que se toca ambos lados, es un legado otomano y proporciona un soporte rítmico en Kocani Orkestar.
Llama la atención es la de tocar el acordeón Vinko Stefanov que juega notas rápidas repite con evidente entusiasmo. Los cuatro tubas y percusión (tapan) pusieron un sólido, el bombeo subterráneo hacia abajo. Complementado con el clarinete, el saxofón, la trompeta y el acordeón de piano con las dos relacionadas clásico juego Romeo Scaccia . En la segunda parte " del Sáhara sueños ", todos estos atributos en abundancia. La Kocani Orkestar prueba con Romeo Scaccia ser capaz de ordenar una mezcla de música de viento Macedonia intercalados con timbres clásicos son tocadas en vivo en todos los sabores!
Romeo Scaccia nace en la capital etíope, Addis Abeba. Estudió piano en Italia y en la "Academia Ferenc Liszt" de Budapest. Además, estudió composición y arte multimedia en Amsterdam y en el Berklee College de Boston. Cae desde el principio por su talento y ganar algunos premios para que pueda actuar en todo el mundo: Amsterdam, Milán La Haya, Rotterdam, Madrid, Lyon, Praga, París, Budapest, Barcelona, Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, .
Además de tocar el piano acústico es Scaccia en busca de posibilidades de sonido. Así, se convierte en una actuación en vivo 1999 con piano, cantante solista Salario Arianna y Web fundido de streaming en vivo . Él escribe la música para cine, teatro documentales en video y comerciales, incluyendo la banda sonora de 'la película Grace '.
O grupo “Альянс” (Alyans) era famoso na União Soviética no final dos anos 80 e na Rússia do início dos anos 90. Sua música, basicamente, era rock & new-wave. Com a chegada de Inna Jelannaya, em 1990, e a sua forte influência, o estilo do grupo mudou bastante, integrando ao rock, elementos de jazz, e principalmente de folk: russo e siberiano. A mistura deu ao Alyans uma dimensão internacional (leia-se: Europa Ocidental e USA), o grupo passou a ser reconhecido como uma das grandes expressões da musica étnica e da (aargghh!)”World Music”. Em 1994, junto com alguns músicos do Alyans e o saxofonista Sergey Starostin, Inna formou o grupo “Farlanders”, com o qual gravou a maior parte de sua obra. O grupo ficou conhecido como experimentalista, misturando influências de jazz, música étnica, new-age, psicodelismo e rock. Os “Farlanders” ficaram juntos até o final de 2004, quando Inna lançou-se em carreira solo, embora ainda acompanhada por alguns companheiros. Em 2005 Inna juntou-se ao grupo “Maleriya” (Malerия) interpretando canções da região russa do “Tver”, coletadas e adaptadas por Sergey Starotsin. Desde 2007, apresenta-se acompanhada de diversos grupos, mas sempre mantendo a criatividade e o estilo que são a sua marca. O disco apresentado aqui é uma edição russa, coleção de músicas após “Alyans”, cobrindo o período que vai de 1994 até 2007.
From his home in South Africa, Hugh Tracey — son of a Devonshire doctor — travelled throughout southern, central and eastern Africa every year between 1948 and 1963, amassing his pioneering field recordings.
From his work with the Luo, Luhya, Kipsigis, Kikuyu, Nandi, Swahili, Wanga and Giriama tribes — this is an awe-inspiring selection of choirs and songs with string accompaniment. Except for a couple of guitar parts, and one oud, the string instruments are all lyres — chepkongo, kipukandet, litungu, and thum (with strings made of cow-tendons).
As always with this series, the remastering is excellent, and the booklet is fully informative, with translations and great photographs. And the music itself is stunning, unearthly and beautiful as a matter of routine.
01 Chemirocha 01:29 02 Kang'et Chorwet 02:34 03 Arap Chemonget 02:42 04 Bengeria 02:47 05 Ho Jambo Bwana 02:41 06 Naftali Ouko 02:51 07 Chief Gidion Magak 02:56 08 Onyiego Kobara 02:30 09 Peny Gi Polo 02:46 10 Okech Okelo 02:57 11 Olenyo Ber Neno Nyar Oganda 01:50 12 Tong Tong 02:46 13 evuse 01:32 14 Mulima Hale 02:38 15 Makomere 02:51 16 Habana Mapenzi02:58 17 Wanga Syeche 02:36 18 Nenda Mundani 02:36 19 Arap Chepsiolei 02:53 20 Chepchoni Marinda 02:59 21 Arap Kapero 02:46 22 Ruimbo Rwakwa 01:11 23 Kiriri 01:13 24 Mucungwa 01:35 25 Kiss Cha Moto-moto 02:36 26 Nyon Anyona 02:59
Nacido en el barrio habanero de Jesús María, en 1917, el percusionista y congero, Ramón Santamaría, abandonó muy joven los estudios para dedicarse a los timbales. Pero sus triunfos musicales comenzarían a materializarse en 1948, cuando viaja a México y se enrola con la orquesta de Dámaso Pérez Prado, con quien viaja a los Estados Unidos un año después. Fue en Nueva York donde Mongo Santamaría - el nombre con el que se le conocería artísticamente para siempre -, vivió y ejerció su carrera durante cuatro décadas.
En 1951, Mongo se integra en la orquesta de Tito Puente, con quien graba dos discos clásicos de la percusión afrocubana: "Puente in Percusión" (1955) y "Top Percusión" (1957). Sin embargo, su fama internacional se produciría tras abandonar la orquesta de Puente, y asociarse con el vibrafonista Cal Tjader, a partir de 1958.
Junto a Tjader y el bongosero Willie Bobo, Mongo Santamaría, hace historia en San Francisco durante cuatro años, pero a la vez no descuida las grabaciones en solitario de la música que le interesa. Después de "Tambores y Cantos" (1955), graba "Mongo" (1959), disco que contiene el tema "Afro Blue", acaso su más memorable composición. En 1960 viaja a Cuba y graba dos verdaderas joyas discográficas: "Mongo en La Habana", con Carlos Embale y Merceditas Valdés, y "Sabroso", con el tresero y compositor Andrés Echeverría, apodado "El Niño Rivera".
Justamente a su regreso a Estados Unidos, en 1962, la heterodoxa charanga de Mongo comienza a transitar de manera natural hacia el jazz. Entre los músicos que contrata por entonces para sus incursiones jazzísticas están figuras de la talla del pianista, Chick Corea, el flautista Hubert Laws y el trompetista Marty Séller, quien se convertirá en estrecho colaborador de Santamaría y en arreglista de la banda.
El tema "Watermelon Man", de 1962, supone para Mongo Santamaría los primeros éxitos de popularidad, con seis semanas en la lista de los diez números más escuchados en Estados Unidos. En 1963, Mongo está ya a la cabeza de lo que será el conjunto de jazz latino del futuro, con piano, bajo, percusión y una línea de metales. Graba con la "Fania All Stars", en 1977, y un año después gana el Grammy con su disco "Amanecer".
Poco después, en el Festival de Montreux, en 1980, colabora por primera vez en una grabación histórica con Dizzy Gillespie, con quien viajaría luego a La Habana. La discografía de Mongo incluye más de cuarenta títulos, como solista o en agrupaciones. Entre sus mas recientes grabaciones figuran "Mambo Mongo" (1993), "Mongo Returns" (1995), "Conga Blue" (1995) y "Come on Home" (1997).
Mongo Santamaría, falleció en la madrugada del 1 de febrero de 2003 en su residencia de Miami, víctima de un paro cardíaco, a los 86 años. Con su muerte desapareció una de las celebridades de la música cubana del siglo XX y el conguero que más influencia tuvo en el desarrollo del jazz latino. Fuentes: Wikipedia, Herencia Latina
01. Feelin' alright 02. Fever 03. Hip-hug-her 04. Hold on, i'm comin' 05. I can't get next to you 06. Sunshine of your love 07. Heighty-hi 08. In-a-gadda-da-vida 09. On Brodway 10. Track of my tears 11. By the time i get to Phoenix
Veinticinco años de carrera artística convierten a Uxía en una de las voces más populares y valoradas en lengua gallega. Sus canciones siguen teniendo la presencia latente de la música tradicional tratada de forma innovadora. Meu Canto (2011), su nuevo trabajo, es un poético viaje, a través de Brasil y Portugal, al corazón del canto galego.
Uxía Senlle, Uxía, comenzó a cantar muy joven, atraída por las más diversas expresiones musicales populares y manifestando una fuerte inclinación por la poesía gallega, de cuya divulgación se ha encargado a través de sus composiciones. En 1986, con el album Foliada de Marzo, Uxía acabó por marcar el panorama de la música popular gallega al restaurar la tradición largarmente interrumpida del canto. Los músicos que la acompañaron en el estudio acabaron por convertirse, en 1987, en sus compañeros en el sendero de la música, cuando la invitaron a integrarse en el grupo Na Lúa. Pocos meses despues, el disco A estrela de Maio exhibía ya su hermosa y expresiva voz.
Su trayectoria en esta etapa, coincide con la del propio grupo Na Lúa, realizando numerosos conciertos dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1988, en Lisboa, sería grabado Ondas do Mar de Vigo (Premia do Critico Golego) y que constituye la última señal discográfica de su paso por Na Lúa. En 1991, Uxía abandona el grupo y publica su segundo album como solista, el cosmopólita Entre cidades.
El 6 de Marzo de 1994 forma parte del espectáculo "Mulleres a viva voz", junto a Amália Rodrígues y María del Mar Bonet, y también en la mustra luso-galega "Bailía das Frores, Os Sons da Fala", con presencia de artistas de Cabo Verde, Angola, Mozambique y Portugal y, posteriormente, fue la responsable del diseño y coordinación de un espectaculo de mujeres que reunió a cantantes de los más diversos estilos (Leilía, María Joao, Filipa Pais, María González, Minela, María del Mar Bonet y la propia Uxía).
En 1995 Uxía graba para Nubenegra su Estou vivindo no ceo. Un disco sereno e intimista, donde la voz más interesante de Galicia reivindica su condición de raiana (fronteriza) atravesando, cuantas veces considera, la línea administrativa que separa Galicía de Portugal. Julio Pereira, figura indiscutible de la música popular portuguesa, participa activamente en la gestación y desarrollo de la grabación. En 1997 Uxía se reune con María Salgado, Rasha (Sudán) y Xesús Pimentel (guitarrista) para editar La Sal de la Vida, un delicioso disco donde se festeja la posibilidad de reunir modos muy distintos de acercarse a la canción y celebrar el entendimiento mutuo y la complicidad de artistas e intérpretes como un canto vital a la diversidad.
En 2000, Uxía publica Danza das Areas, una propuesta musical compleja en la que participan más de 40 vocalistas, entre las y los que destacan Dulce Pontes, Xosé Manuel Budiño, María del Mar Bonet, Karen Matheson, Donald Shaw (Capercaillie), Michael McGoldrick, João Afonso, Susana Seivane y Quim Fariña. Eterno navegar, su quinto disco en solitario, no llega hasta 2008, en el que se rodea de artistas galegos, africanos y portugueses.
Y en 2011 llega Meu Canto, una relectura de los temas fundamentales del repertorio en directo de Uxía y temas que hasta ahora nunca había abordado. Una propuesta limpia de artificios en la que lo fundamental es su excepcional voz, una voz hermosa y serena que huye del virtuosismo exhibicionista y se hace transparente, para mostrarnos una artista madura, que hace tiempo que comprendió que no hay nada más sofisticado que lo esencial y que la voz es el único instrumento que nunca miente.
Meu Canto es un ejercicio de reflexión sobre el acto de cantar y las emociones que provoca, sobre la voz y la esencia, siguiendo la estela de una cultura que viaja y cambia el significado y la naturaleza de las fronteras. En esta ocasión su travesía nos lleva a Brasil, donde fue grabado este trabajo (en los estudios Biscoito Fino en Rio de Janeiro). Para Meu Canto Uxía ha seleccionado 15 canciones, muchas cantadas en portugués, que van desde los ritmos animados de "Alalás encadeados" a la popular canción de cuna "A Rianxeira', un homenaje a la Virgen de Guadalupe cuyo trasfondo es la emigración en barco del pueblo gallego a América, especialmente a México.
Producido por Jaime Alem (productor de Maria Bethânia), y contando con el talento y la complicidad del virtuoso multiinstrumentista Sérgio Tannus, el disco entronca, sin esfuerzos, estilos brasileños con su propia sensibilidad gallega. Canciones somo "Cantar e Sorrir", con un texto recitado por Carlos Blanco, establece la atmósfera. "Como la Cigarra", con toques de acordeón, evoca con suavidad a la gran cantora argentina Mercedes Sosa. La ternura de "Os teus ollos", dueto con el cantante brasileño Lenine, paraliza de emoción, al igual que su versión de "Menino de bairro negro", del portugués José Afonso. Meu Canto nos ofrece una serie de canciones que nos da a comprender lo que es cantar para aquellas y aquellos artistas que lo llevan en la sangre, en la vida, con la convicción de que un pueblo que cantó desde tiempos inmemorables no puede perder un instrumento tan fundamental como la propia voz. Algo muy cercano a un álbum perfecto.
01. Verde gaio 02. A Rianxeira 03. Os teus ollos (con Lenine) 04. Daquelas que cantan 05. Alalás encadeados 06. Menino do bairro negro 07. Minha missão 08. Cantar e Sorrir 09. Rosa Namorada 10. Terra minha e sua (con Socorro Lira) 11. Ramo Verde 12. O Cuco a Cantar (con Fred Martins) 13. Como la Cigarra 14. Xente da festa 15. Alalá das Mariñas
[NOVA POSTAGEM - 2012] A música de Radicanto marcou o mundo de gravações e concertos da última década O "Radicanto" em sua carreira artística, ostenta colaborações com alguns dos maiores expoentes da música tradicional italiana, mas também sua composições próprias e e de autores contemporâneos. Eles propõem uma viagem musical através dos sons e músicas da Bacia do Mediterrâneo (Puglia - Bari). O resultado é uma performance musical do impacto, dedicado ao ritmo, melodia e à memória da história não-oficial que nunca vai deixar de ser ensinada o futuro. Músicos competentes, cantores afinados e com interpretações emotivas: alegres ou românticas, típicas do Sul da Itália, fazem de "Terra Arsa" um álbum indispensável.
01. Mmienz’a mmare / Canto del mare(Tradiz./F. Greco) 4.56 02. Rurjane (Tradizionale) 3.54 03. Questa mattina mi sono alzato (Tradizionale) 0.47 04. Fronni d’Alija (Tradizionale) 4.17 05. Tarantella di Tricarico (Tradizionale) 2.54 06. Lu Rusciu (Tradizionale) 4.42 07. La canzone di Finella (G. De Trizio) 4.35 08. Strummolo (M. Salvi) 3.03 09. U Cant du Navigant (E. Delre) 5.15 10. Valzer di Bitonto (Tradizionale)3.16 11. La Monachelle (Tradizionale) 4.02 12. Terra arsa (G. De Trizio) 2.28 13. ‘U Tomme (Tradizionale) 0.36 14 Janne Janne (Tradizionale) 3.10 15. Pizzica di Costernino (Tradizionale)2.23
[NOVA POSTAGEM - 2012] ...SARDIGNA TERRA 'E ISPARU E DE FOGU - DEFOGU E DE ISPARU SARDIGNA SE' TERRA - DE FOGU E DE ISPARU SARDRIGNA SE' TERRA - DE SUORE DAORI E DOLOROSA GHERRA - SARDIGNA TERRA ANTIGA DE MARE LIMPIU FILLA - DE MARE LIMPIU FILLA E DE ERBA FRAGOSA...
O grupo TANCARUJA nasceu de um projeto de Pino Martini, autor das músicas e textos, que vive entre Milano e Seneghe, e que apesar de sua múltipla atividade artística, não abandonou o estudo da música e da poesia de sua terra. Os outros membros do grupo vivem na região de Cagliari.
Assim como na Sardegna, os TANCARUJA, apresentam-se no “continente”, onde são aceitos com grande entusiasmo do público que se deixa sempre envolver pela sonoridade intensa e pelo ritmo dançante do grupo.
Entre 2001 e 2005 o grupo participou de diversos festivais, competitivos, ou de exposição, obteve prêmios expressivos e principalmente o reconhecimento internacional.
TANCARUJA faz uma música de “proposta” e não somente uma música de divulgação ou de reminiscências. Seu trabalho é fruto de vários anos de pesquisas, apaixonado não só pelo tipo filológico ou documentativo, mas que pressupõe, também, o conhecimento atento e profundo do material musical da musica Sarda, devido à audição contínua e ao estudo dos mestres das tradições, e também utilizando a memória histórica e musical dos anciões.
Tudo isto gera um material sem estereótipos, mas cheio de “contaminações” e de influências, onde a tradição se funde com a inovação, para uma proposta que quer ser original, porém partindo de uma forte referência da tradição. O desafio é alcançar um equilíbrio entre o rigor estético da tradição e a liberdade da inovação.
(Texto traduzido e adaptado a partir da apresentação do grupo no site CNI.IT)
Grupo: Antonio Neglia – chitarre, mandola, mandolino, bouzouki, pifero irlandese, bandurria, voce Claudio Corona – piano, fisa Cristiano Martini – batteria Elena Nulchis – seconda voce, prima voce (10) Gabriele Martini – basso, voce (4, 10) Pino Martini – basso, trunfe, voce, chitarra bassa Sandro de Bellis – percussioni Valeria Martini – prima voce, seconda voce (10)
MÚSICAS: 01 – Isettande 4.10 02 - Dinghiri Doi 3.42 03 - Abba Muda 3.34 04 – Feminas 5.30 05 - Terra De Isparu E De Fogu 4.10 06 - Chizzi Chizzi In Miniera 5.15 07 – Frore 5.00 08 - Peppinu Meu 4.10 09 - Poesia Traittora 5.28 10 - Eni Ca... 4.42
Raul Carnota es considerado uno de los compositores mas talentosos e innovadores del folklore contemporaneo, y aunque su música es reflejo de las distintas expresiones del folclore, sus chacareras, zambas, gatos, vidalas y canciones tienen un innegable matiz urbano, esa diversidad sonora provoca una interesante tensión que obliga a repensar las cosas, surge una vez más la discusión recurrente entre posiciones ortodoxas que alzan las banderas del folclore ligado a lo "tradicional" y aquellas otras que lo entienden como expresión cultural, con una estética ceñida a un tiempo histórico y que sufre, necesariamente, mutaciones en su curso. Raul Carnota, demuestra esta ligazon a su raiz y a su presente y lo lleva a cabo en cada una de sus interpretaciones, poniendo en diálogo lo tradicional con lo urbano con la maestria a la que nos tiene acostumbrados. Yo no conozco el mar, pero se me hace que debe ser.. inmensidad, silencio y soledad. Como mi salitral, donde los vientos rasgan la piel (..) Solo la muerte cambia la suerte aquí en el salitral, cuando la mía llegue algún día, ...viento fresco será".
01 Mano Única 02 Mestiza 03 El Salitral 04 La Aclaradora 05 La Barranca 06 Gatito de Tchaicowsky 07 Mañana es Nunca 08 El Otro Camino 09 P'Al Amigo 09 Camino Hacia Quimilí 10 Contrafuego 11 Caballos12La Paciencia del Telar 13 La Llave
El Chango Farias Gomez fue un musico y compositor de folklore de reconocida trayectoria, formo parte del grupo vocal Los Huanca Hua durante los años '60, armo luego un trio con Dino Saluzi y Kelo Palacios basado en la improvisacion musical, estuvo exiliado en Francia durante la dictadura y a su regreso se vio inmerso en varios proyectos musicales, en 1985 crea "M.P.A". ( Músicos Populares Argentinos ), junto a los musicos Rubén "Mono" Izarrualde (flauta traversa) ,Verónica Condomí (voz), Peteco Carabajal (violin y voz) y Jacinto Piedra, grupo dejo su huella por aquellos años por la creatividad y la calidad de sus interpretaciones que aportaban desde la fusion con el jazz un nuevo aire al folklore. Rompiendo la red fue publicado en 1996, en esta ocasion es acompañado por el grupo La Manija, cuenta ademas con la participacion de Insaurralde y la memorable voz de Veronica Condomi, asi como con el violin de Peteco en el tema 9, que lo disfruten.
1) Nacimiento (Chango Farias Gomez) 2) El Pajarito (Anonimo) 3) Imagenes (Chango Farias Gomez / Luis Gurevich / Ruben "mono" Izarrualde) 4) Chacarera Del Triste (Hnos. Simon) 5) Chacarera Santiagueña (Chango Farias Gomez) 6) Rumbas (Anonimo) 7) Nicanor (Chango Farias Gomez / Teresa Parodi) 8) Canto A La Telesita (Rolando Valladares) 9) Entre A Mi Pago Sin Golpear (Carlos Carabajal / P. R. Trullenque) 10) Vidala Para Mi Sombra / Cancion Para Un niño (Julio Espinoza / Miguel Molina) 11) Coro Coronita (Chango Farias Gomez / Ica Novo / Pocha Barros) 12) Los Ejes De Mi Carreta (Hector Roberto Chavero / Risso R.) Chango Farias Gomez - Rompiendo la red subido por Obscura
Sidi Touré made his first guitar as a child, constructing it from his wooden writing slate in the ancient town of Gao, Mali. Once the heart of the Songhaï empire and burial place of its Askia kings, the town rests between the Niger and the encroaching ocean of sand known as the Sahara Desert. The Songhai empire was the last of the great empires of the Sahel, reaching its zenith under Soni Alibert (Sunni Ali) in the mid 400’s. Sidi Touré was born here in 1959, but to be born a Touré, a noble family who trace their lineage directly from the Askia kings, carried a significance and onus of a past that reaches directly into the present. Like another Malian noble turned singer, Salif Keita, Sidi Touré faced a conflict between the inexorable pull of music and the expectations of family and society. Touré's family had been sung about, and sung to, by traditional griots for centuries, but until a small boy challenged the rules, the Touré's did not sing! Despite his family’s disapproval (Sidi’s older brother would often break his homemade guitars in protest), Touré became the lead singer of his school’s band. In 1976, Touré became the youngest member of Gao’s regional orchestra, the Songhaï Stars, who played bi-annual festivals like the Bamako Biennale and toured both regionally and nationally. Early on, etiquette and convention demanded that he sang in Bambara, the regional language, which often found Touré singing lyrics in a vernacular he did not understand. This changed in 1984, when he won the award for best singer for “Manou Tchirey,” a song of his own, written in the Songhaï language. After winning the same award an unprecedented second time in 1986, he took the band to the northern regions of Mali and to Niger, where Songhaï was spoken regularly, and toured much of the western Sahel region. Sidi does not, however, only focus on the traditions of Songhaï to inform his music. As a young man, he would often be seen sporting a leather jacket and sunglasses and listening to J.J. Cale and Kenny Rogers. Sidi’s sound both captures and challenges his roots. The music moves from the translucent swaying takamba to the trance inducing Holley, while the lyrics often address many non-traditional issues. Sidi has a critical mind and his songs have a purpose. For example, in “Adema,” Sidi and his collaborator sing about how to electrify and modernize their country. “The songs must come from within,” says Touré. “If I sing about things and there is no change, then it will have been a waste.” He strives to be more than a singer, but in fact a creative artist that affects change. At its heart, Sahel Folk is an album of friends reuniting around a glass of tea. It’s Sidi Touré’s second album, but the first time most of his collaborators have been documented. Chronicled in a live “field-recording” style at Sidi’s sister’s house, the simplicity of the takes highlight the beauty of the songs and the skill of the players. Each track on the album is a duet recording of Sidi and one friend, a product of a very specific two-day process. On the first day, the friends would meet, play, and choose a song over a glass of tea. On the second day they would record the song, allowing themselves just two takes to retain the spontaneity of the recording and reunion. It was the original intent of Covalesky, the album’s producer, to create an historical document about the traditions of Gao, and to mix the audio of Sidi and his friends’ songs with street recordings and interviews. However, once the recording started, everything changed. Covalesky puts it best when he says “In the face of such beauty and power delivered so simply by Sidi Touré and his friends, there was nothing to add. Everything was there.”
Like fellow Malian musician Salif Keita, Sidi Touré has experienced much conflict as a member of a noble family who has chosen to live his life as a musician. Descended from Askia kings, Touré has strived to become a leader in Western Africa's songhaï blues, working extensively with musical royalty, family and friends. Sahel Folk sees Touré collaborating in the truest sense, recording tracks outside of the studio setting and in mostly one or two takes. This spontaneity and relaxed nature lend themselves to pieces highlighting many of Mali's musical trends, as guitarists/vocalists Dourra Cisse and the late Jiba Toure (on his last recording) inject their personalities into songs like the Far-/Middle East-influenced "Bon koum" and the nimble, soulful, but complex, "Sinji." Predictably devoid of drumbeats (other than faint sounds of feet tapping) and with the under-developed nature of the recordings, Sahel Folk has managed to represent the more traditional side of Saharan music.
-Out of Sight- es el octavo disco de Kroke, que vuelven a su formación original de trío: Tomasz Kukurba al violín, Jerzy Bawol al acordeón y Tomasz Lato al contrabajo. Kroke, desde sus inicios, han marcado un estilo inconfundible, la recreación de música klezmer desde un punto de vista clásico y contemporáneo. 10 magníficas interpretaciones nos ofrecen en este nuevo trabajo, tomando el repertorio tradicional klezmer como base, envuelven con brillantes arreglos originales las composiciones. fuente: http://paradisofolk.blogspot.com/2010/02/paradiso-folk-edicion-153.html
01. Medinet 02. Janitsa 03. Moondowner 04. Life As It Is (for Lena) 05. Fields of Sorrow 06. A Luftmentsch 07. Mecalakuku 08. Beyond Words 09. Desire 10. Madrugada
La cantante de origen marroquí Amina Alaoui presenta con Arco Iris (2011) un proyecto donde se teje un diálogo musical que intenta aliar y hermanar los sonidos del fado, del flamenco y del andalusí con una obra poética que celebra los idiomas históricos de la Península Ibérica: el castellano, el portugués y el árabe.
Nacida en Fez (Marruecos), Amina Alaoui pertenece a una familia profundamente ligada tanto a la tradición popular marroquí como a los medios intelectuales y artísticos. Desde su infancia estudió canto arábigo-andaluz, piano clásico, danza contemporánea y clásica, marroquí y oriental, estudios que Amina Alaoui profundizó junto a grandes maestros y en el Conservatorio de Rabat. A los diez años publicó ya sus primeros poemas y, más tarde, sus estudios universitarios le llevaron a consagrarse a la filología y la lingüística (árabe, francesa y española).
A partir de entonces, Amina Alaoui ha desarrollado un trabajo de búsqueda en los cantos arábigo-andaluces y orientales, especializándose en el cántico gharnati. Con Djallal Akhbari se inició en el canto clásico persa, y con Henri Agnel en el canto medieval europeo. Por todo ello, se puede asegurar que Amina Alaoui no sólo posee una de las voces más fascinantes de la actualidad, sino también una de las mejor preparadas y formadas. En los últimos diez años, ha realizado conciertos con músicos de la talla de Djamchid Chemirani, Pedro Soler, Hameed Khan, Pablo Cueco, Hughes de Courson, Lluis Llach, Nena Venetsanou o Soeur Marie Keyrouz. También ha colaborado en numerosos espectáculos de danza de los más prestigiosos coreógrafos.
Con Arco Iris (su cuarto disco, después del estupendo Siwan), la cantante propone un proyecto que, aun siendo una música con raíces mediterráneas, tiene la pretensión de trascender fronteras y de traspasar los límites estilísticos y geográficos en los que se asienta.
En este disco Alaoui celebra la obra poética de diversos autores que han escritos en tres de las lenguas históricas de la Península Ibérica (el castellano, el portugués y el árabe), abarcando las canciones seleccionadas un arco temporal que va desde el siglo XI con la poesía de Al-Mu’tamid Ibn Abbad, hasta los fados del siglo XX con la obra de António de Sousa Freitas, pasando por la obra mística de Santa Teresa de Jesús.
Con la elección de poetas y músicas que la acompañan (el fado, el flamenco y la música andalusí), Alaoui quiere poner de manifiesto la porosidad de las fronteras, el intercambio cultural que se produce de manera natural entre las diferentes formas de música, resultando imposible poner puertas al campo. Asímismo, se encuentran por primera vez el laúd andalusí, la guitarra flamenca y el mandolín fadista. Los cinco músicos que le acompañan son excepcionales, con el violín árabe de Saïfallah Ben Abderrazak, el oud de Sofiane Negra (ambos tunecinos) y la guitarra flamenca de José Luis Montón, a menudo actuando como solistas junto a la hermosa voz de Alaoui, entretejiendo los sonidos en toda complicidad y sinergia hasta alcanzar lo que comúnmente se llama en el fado "entendimiento". Música exquisita.
01. Hado 02. Búscate en Mí 03. Fado Al-Mu'tamid 04. Flor de nieve 05. Oh Andaluces 06. Ya laylo layl 07. Fado menor 08. Búscate en Mí, var. 09. Moradía 10. Las Morillas de Jaén 11. Que faré 12. Arco Iris
Cesária Évora (Mindelo, São Vicente, Cabo Verde, 27 de agosto de 1941 – ibídem, 17 de diciembre de 2011) fue una cantante caboverdiana conocida con el sobrenombre de «la reina de la morna». También era conocida como «la diva de los pies descalzos», debido a su costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con los sin techo y las mujeres y niños pobres de su país.
Cise, como era conocida por sus amigos, comenzó a cantar y a hacer actuaciones los domingos en la plaza principal de su ciudad, acompañada por su hermano Lela, al saxofón. Mas su vida está intrínsecamente ligada al barrio de Lombo, en las inmediaciones del cuartel del ejército portugués, donde cantó con compositores como Gregório Gonçalves. A los 16 años, Cesária comenzó a cantar en bares y hoteles y, con la ayuda de algunos músicos locales, ganó mayor notoriedad en Cabo Verde, y fue proclamada la "Reina de la Morna".
A los veinte años fue invitada a trabajar como cantante para el Congelo - compañía de pesca creada por capital local y portugués -, recibiendo conforme a las actuaciones que hacía. En 1975, año en que Cabo Verde adquirió la independencia, Cesária, frustrada por cuestiones personales y financieras, aliados a la dificultad económica y política del joven país, dejó de cantar para poder sostener a su familia. Durante este período, que se prolongó por diez años, Cesária tuvo que luchar contra el alcoholismo. Igualmente, Cesária llamó a ese período de tiempo sus Dark Years (sus "años oscuros").
Animada por Bana (cantante y empresario caboverdiano radicado en Portugal), Cesária Évora volvió a cantar, y se presentó en Portugal. En Cabo Verde, un francés llamado José da Silva la persuadió de ir a París, y allí acabó por grabar un nuevo álbum en 1988, La diva aux pied nus ("La diva de los pies descalzos") - que es como se presenta en los palcos. Este álbum fue aclamado por la crítica, y la impulsó para iniciar la grabación del álbum Miss Perfumado en 1992. Desde entonces fijó su residencia en la capital francesa. Cesária se volvió una estrella internacional a los 47 años de edad.
El blues caboverdiano de Cesária Évora en general habla de la larga y amarga historia de aislamiento del país y del comercio de esclavos, así como de la emigración, ya que se dice que el número de caboverdianos que viven en el exterior es mayor que la población total del país.
La voz afinada de Cesária Évora, acompañada de instrumentos que dan un toque melancólico, resalta lo emocional en su música, y los oyentes que no entienden su lengua consiguen percibir las emociones en sus canciones.
Participó en 1995 en la pista sonora que Goran Bregovic compuso para la película Underground, de Emir Kusturica.
En 2004 ganó el premio Grammy al Mejor álbum contemporáneo de world music porVoz d'amor.
En 2007 el presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor.
Después de diversas complicaciones de salud, incluida una operación a corazón abierto en el 2010, la cantante anunció su retirada de la música, y canceló los conciertos que tenía previstos el 23 de septiembre del 2011.
Cesária Évora murió el sábado 17 de diciembre de 2011, a los 70 años, en el Hospital Baptista de Sousa, en Mindelo, donde se encontraba internada con un cuadro de insuficiencia respiratoria y edema pulmonar. Unas horas antes de su muerte seguía fumando y atendiendo a las personas que querían saludarla en su domicilio particular. Fuente
Temas: 01.Isolada 02. Velocidade 03. Amdjer de nos terra 04. Beijo roubado 05. Djarmai di meu 06. Monte Cara 07. Ramboia 08.Jardim prometido 09. Nha coração tchora 10. Saia travada 11. Pomba 12. Mar de canal 13. Milca ti Lidia 14. Voz d'amor
[NOVA POSTAGEM - 2012] Esta foi a primeira obra a gravar música brasileira para audiófilos, em equipamentos de "super alta fidelidade", os chamados: "high-ends".
Participaram artistas do primeiro time dos instrumentistas brasileiros. A gravação foi feita no Teatro Alfa, em São Paulo; em tempo real, sem edições, compressões, ou equalizações.
Os artistas foram dispostos como em uma sala de audição, tendo como referencial o ouvinte (vejam os esquemas de gravação de cada faixa nos encartes).
Temos aqui execuções primorosas e com uma qualidade sonora invejável. O produtor do disco foi pretensioso ao afirmar que era "o melhor som do mundo", mas realmente o som é muito bom, no nível das grandes produções Européias e Estadunidenses.
A ideia original era de realizarem-se dez volumes, mas infelizmente o projeto parou no volume 2, com obras de Tom Jobim.
O principal é que há música instrumental brasileira, da boa! Experimentem.
Para los que no los conocen, son un quinteto parisino liderado por la vocalista Awena Burgess, la violinista Rosalie Hartog, el guitarrista Daniel Mizrahi y Benjamin Body en el bajo, completa el team el percusionista Patrick Gigon. La banda fusiona la musica gitana con un amplio abanico de estilos, desde el jazz, la musica latina o la de Europa del Este, demostrando un talento y una gran imaginacion, en este ultimo album musicalizan textos tradicionales asi como poemas de escritores rumanos contemporaneos, que hablan de amores, luchas, soledades y encuentros.
